¨Resisto y pongo a resistir a quienes me conocen¨
Álvaro Herrera

El cuerpo fue, es y será el campo de batalla de los individuos, de las parejas y de las sociedades. Es allí donde se ejecutan los poderes, las caricias, las libertades, las violaciones, las desapariciones y la muerte.

Uno de los elementos fundamentales en el control social es el cuerpo, ya que es  utilizado para reprimir, asustar, desplazar, secuestrar, callar, encerrar, mutilar, ahogar o desmembrar. El cuerpo está expuesto, es frágil, siente y re-acciona contra todo aquello que lo atormenta, y es allí donde el cuerpo se viste de símbolos para gritarle al mundo lo que ama, aborrece, ataca y protege.

Cuerpos que vienen de diversas direcciones como el cuerpo acción, el cuerpo danza, el cuerpo teatro, el cuerpo político, el cuerpo social; así como los cuerpos que se resisten, cuerpos prótesis, cuerpos enamorados, dolidos, atrapados; cuerpos que tienen huellas, señas, cuerpos chamánicos, cuerpos efímeros, cuerpos tecnológicos, cuerpos tatuados, cuerpos muertos  o cuerpos vivos que desde su experiencia de vida construyen la historia del cuerpo, de la sociedad y del arte.

El cuerpo ha sido parte fundamental desde los comienzos de todas las historias, todas las religiones, todas las sociedades, todas las batallas y todos los triunfos. El cuerpo se encuentra en todos los bandos, es de múltiples formas o colores e igualmente está conformado por una gran variedad de sentimientos, deseos, pasiones, fibras y demás.

Esta necesidad de aprender, reflexionar, crear, accionar, exponer, organizar, gestionar y apoyar el performance se ve desde la academia, las maestrías, los apoyos, las becas, el ministerio, las galerías, los museos y demás espacios que se transforman con el tiempo. Los últimos veinte años de acción en el país y el mundo hacen posible que eventos de performance, organizaciones, talleres y artistas tengan cada vez más apoyos.

Caída y Recuperación es un proyecto que funciona gracias a la colaboración del Museo de Arte Moderno de Bogotá, la Universidad Jorge Tadeo Lozano y el Maestro Gustavo Villa.

¨ Esta sinergia ínter-institucional ha posibilitado decantar algunos intereses en relación con el Cuerpo y el Espacio; inscribiendo su pertinencia al campo del arte al posibilitar un espacio de reflexión, discusión y encuentro. Destacándose entre la cada vez más apremiante necesidad de “pensar” el tema del Cuerpo en escenarios museísticos y académicos. Gustavo Villa.

Los encuentros de diversas ramas entorno al cuerpo dan la posibilidad de una mirada horizontal de lo que motiva a los creadores en estos momentos. Igualmente un espacio como el MAMBO exige a creadores y gestores producir propuestas que dialogan con el lugar y con las personas que frecuentan estos espacios.

¨Caída y Recuperación  puede ser visto desde tres lugares: Caerse y recuperarse, un acto que lleva al otro. O Caída entendida desde el errar y fracasar, o Recuperación desde el acto de la sanación.

Son conceptos explorados dentro de la teoría de la Danza contemporánea y el Performance.  Se vincula sensible y oportunamente a las realidades socio-políticas del país e involucra aspectos del orden terapéutico.

Es caída y recuperación a partir del punto que catapulta la experiencia consciente. El error que posibilita nuevas exploraciones sensibles. El fracaso como afirmación política ante la lógica en la producción capitalista y lo irrealizado como una parte en la dimensión del Deseo que reclama un lugar en el mundo. ¨ Gustavo Villa

¨El cuerpo cae y se recupera, porque el cuerpo se resiste a la muerte; y en la caída y la recuperación, en esa resistencia y re-existencia, el cuerpo se transmuta en arte, al tiempo que construye un lenguaje poético y terapéutico que busca una transmutación real y concreta en la existencia.¨ Caída y Recuperación –  Consuelo Pabón 2011

Los momentos que vivimos nos invitan a experimentar caídas y recuperaciones continuamente. Nuestros cuerpos se ven transformados cada vez que caemos y nos levantamos. Nuestras vidas son moldeadas por lo que sucede en nuestro entorno y nos hacemos fuertes cuando superamos los conflictos.

Las acciones se hacen necesarias en nuestro contexto ya que lo que sucede atenta contra la vida… y no podemos hacernos los indiferentes ni un minuto más.

¨El sometimiento del cuerpo a todo tipo de experiencias límite, relacionadas con el dolor y la abyección, se han convertido, durante el último tercio del siglo xx, en una de las ¨estrategias performativas¨ más comunes entre los autores que trabajan con el cuerpo-soporte.¨ Catografías del Cuerpo, CENDEAC, 2004, Murcia-España.

La resistencia al dolor, el control corporal, el cuerpo como superficie, el deterioro de la piel, el paso del tiempo o el sometimiento a otro; son algunos de los lineamientos que ¨Descomposición¨ de Raúl Naranjo deja  pensar cuando vemos como la gente dibuja o más bien tatúa moscas sobre su espalda. Moscas que aparecen en el proceso de la descomposición corporal cuando la muerte es la dueña de nuestros cuerpos; como lo fueron quienes dibujaron a Naranjo apropiándose  de su piel hasta la muerte.

Los tatuajes o grabados de Naranjo recuerdan las señales por las que muchos cadáveres son reconocidos por sus familiares en medicina legal; Marcas que ayudan a buscar al individuo y que son imborrables por ello son parte de la identificación  uno o de ciertas comunidades.

Raúl Naranjo ¨Descomposición¨ 2011

 

Cuerpos flagelados, cuerpos amarrados, cuerpos soporte, cuerpos sado, cuerpos concentrados, cuerpos entregados, cuerpos acción, cuerpos trans, cuerpos mito, cuerpos que experimental el dolor, la concentración, la tensión, el paso del tiempo y  la re-sistencia a los propios límites. Le Petit Justine no es solo una acción de momento, sino más bien un estilo de vida que se construye a diario asumiendo una posición radical que definitivamente es política.

En un mundo donde nuestra vida y nuestro cuerpo están al límite, donde las luchas por la especie son cotidianas, donde el cuerpo es vendido detrás de cada artículo y cuestionado por ser gordo, flaco, narizón, mechudo, calvo, heterosexual, transespecie, católico o cristiano, es donde se convierte en una necesidad estos espacios que permitan compartir los modos de crear y vivir de personas interesadas en investigar alrededor del cuerpo y sus relaciones con la vida.

Le Petite Justine  2011

 

¨Este momento es el responsable de poner en escena cuerpos en acción, lo que implica un volver de las artes plásticas a la realidad. Una realidad que quizá sea reinventada.¨ la Redención de la Carne. La supuesta ruta del arte. Pere Salabert. CENDEAC

Aislarse, ocultarse, resguardarse, ampararse; presencia, ausencia son  algunos de los conceptos en la propuesta ¨In-acción de Paola Corrrea; quien cuestionando el hecho de lo presencial en el performance, oculta su cuerpo y su acción dentro de una carpa dejando ver su rostro a través de un televisor. El paso del tiempo va dando cuenta del agotamiento, claustrofobia y tensión que son reflejados en el sudor de su rostro, en su mirada que no ve el exterior y en sus ojos vigilados por el circuito cerrado que parecen ausentes como los rostros de tantos secuestrados que hemos visto en las grabaciones.

Paola Correa ¨In-acción¨ 2011

 

El cuerpo en medio de las negociaciones mundiales, en medio de las creencias religiosas, el cuerpo sujeto a la bolsa, al petróleo, al dólar. Las religiones salvan tu alma, pero no tu cuerpo, los estados cobran salud, pero no te curan, la crisis económica afecta a tu ser, pero seguimos consumiendo. El cuerpo en medio de los medios de comunicación, en medio del capitalismo, de los créditos o de las grandes marcas son algunos de los tópicos que el ¨Proyecto PP¨ de Cesar Andrés Falla toca en su accionar. Falla mezcla la actuación circense, la acción y el audiovisual en una conferencia que nos da a conocer los factores que afectan la paz nacional y global.

Cesar Andrés Falla ¨Proyecto PP¨ 2011

 

¨La memoria es tanto individual como social, corporeizada y mediatizada, compartida y reñida. La memoria es una práctica y un acto. Se trata del pasado, pero existe el presente y mira hacia el futuro. Las memorias son plurales y crean, potencialmente, espacio para las historias y las experiencias de las minorías sociales, aun cuando esas versiones desafían las versiones hegemónicas del pasado.¨ Ciudadanías en Escena. Los usos y abusos de la memoria, Marianne Hirsch, Instituto hemisférico de performance y política.

El cuerpo inestable, el cuerpo al borde de un abismo, el cuerpo a merced de fuerzas externas, el cuerpo suspendido, maniatado, el cuerpo sometido, el cuerpo cautivo, el cuerpo frágil que extiende su sensación de inseguridad a los presentes quienes acuden a socorrer, apoyar o detener ese cuerpo en estado de riesgo que propone Adrián Gómez en su performance ¨Control¨.

La acción genera la necesidad de ayudarlo, así extienda o no la mano. Soltar las ataduras entre todos y cuestionarnos sobre la libertad, el secuestro, el control de otros sobre nosotros, la  pérdida de control del individuo,  la responsabilidad de cada uno, pero sobre todo, de todos… para re-tomar el control.

¨No es la altura lo terrible; ¡lo terrible es la pendiente!… La Pendiente desde donde la mirada se precipita a lo hondo y la mano se extiende hacia la cumbre. Allí es donde se apodera el vértigo de su doble voluntad.¨

Así hablaba Zaratrustra. De la cordura Humana. Federico Nietzsche.

Adrián Gómez ¨Control¨ 2011

 

Enfrentarnos a nuestra propia muerte debería ser a diario; confrontarnos con nuestros temores sería una buena estrategia para prepararnos para ello y vivir plenamente cada día. Probar nuestro cuerpo y nuestra mente en ejercicios que requieren de un alto grado de compromiso, preparación e investigación de nosotros mismos para descubrir  los límites reales que tiene nuestro cuerpo se perciben en La acción ¨Ensayo general¨ de Álvaro Herrera.

¨Ensayo general¨ toma el espacio y lo transforma en sala de velación, recordando aquellas ocasiones donde por masacres o desastres naturales se viven entierros colectivos en la sala de una casa, la cancha del pueblo o el colegio del barrio. Una serie de lugares que se llenan de negro para velar en sus instalaciones a nuestros muertos.

¨¨!Oh! ¿Dónde hay aún un mar en que pueda uno ahogarse?¨. Así retumba nuestra queja cruzando los pantanos. La verdad, nos hemos fatigado demasiado para morir; ¡ahora seguimos viviendo despiertos en bóvedas funerarias!¨¨ Así hablaba Zaratrustra. El Adivino. Federico Nietzsche.

Álvaro Herrera ¨Ensayo General¨ 2011

 

El amor como campo de batalla deja heridas emocionales o corporales; entonces, los sentimientos inician la investigación y experimentación; el arte como espacio de sanación, sublimación, liberación. Cuerpos que extrañan las caricias, cuerpos que navegan entre el amor y el desamor; entre la cercanía y la distancia; entre la felicidad y el odio. Relaciones que más que liberar, atrapan, carcomen. ¨Te amar(r)e¨ de Luis Fernando Arango en colaboración con Madeleine Macías es una propuesta donde la representación y la acción se unen para hacernos pensar y sentir sobre el encuentro y el desencuentro; el diálogo y el silencio; la compañía y la soledad; lo privado o lo público.

¨Hablar de la propia vida, de las esperanzas y angustias, mostrar los propios aspectos infantiles, establecer un interés común frente al mundo – se consideran formas de salvar la separatidad -. Aun la exhibición del enojo, odio, de la absoluta falta de inhibición, se consideran pruebas de intimidad, y ello puede explicar la atracción pervertida que sienten los integrantes de muchos matrimonios que sólo parecen íntimos cuando están en la cama o cuando dan rienda suelta a su odio o a su rabia recíprocos.¨ El Arte de Amar . Amor erótico. Erich Fromm.

Luis Fernando Arango en colaboración con Madeleine Macías ¨Te amar(r)e¨ 2011

 

Respirar es parte fundamental de cada especie; compartimos el aire con otros; y lo contaminamos con lo que exhalamos;  nos oxigenamos de los otros;  y demostramos la muerte al dejar de respirar. Respir(a)cción de Alejandro Restrepo nos hace consientes nuevamente de la acción vital más importante… como lo es respirar, oxigenarse, cargarse de energía; compartir tu aire con el otro y consumir el de otros. Vivimos en un mismo espacio del que dependemos todos los seres vivos, que a diario creamos gas carbónico con solo respirar. Las enfermedades respiratorias en aumento, los problemas en la piel y muchos de los alimentos contaminados simplemente por no detenernos a pensar y a proteger el aire o en el agua, base fundamental de las especies.

Alejandro Restrepo ¨Respir(a)cción¨ 2011

 

Cada acción es un reflejo de su tiempo y lugar; cada acción está cargada de una experiencia verdadera que nos ha transformado como personas o como comunidad. Las acciones se convierten en símbolos que están alojados en nuestro inconsciente colectivo permitiendo que nos identifiquemos.

No es nada casual que desde diferentes miradas exista la necesidad de hablar del cuerpo, desde el cuerpo, con realidades, con la vida, desde la vida; ya que estamos en momentos decisivos para el devenir. Hacernos responsables y consientes de este momento podrá permitirnos recoger lo que cultivamos.

Muchas son las acciones que debemos realizar, muchos son los cuerpos que deben despertar para que realmente valga la pena la muerte de aquellos que soñaron con cambiar. Las artes del cuerpo aparecen en la posguerra o en el ocaso cuando los seres saben que no hay otra forma de lucha que a través de las artes.

 

11-24-2011 Fernando Pertuz

1.Gustave: perdónalos porque no sabían  lo que hacían…, ni comprenden lo que dicen…

Respecto a las políticas culturales del Ideartes para 2012 ya no se trata de temores infundados como algunos autorizados colegas afirman.

A estas alturas, a muy pocos días de finalizar la gestión pobre de la actual administración distrital, nuestro campo ha sido agobiado por una certeza de a puño: el  emblemático  premio Luis Caballero quedó sin sede. Nos pintaron pajaritos en el aire impunemente: Ana Milé tu tienes la culpa… de que hayas devenido mercancía –fetiche–. En junio del próximo año, el Alcalde Mayor de Bogotá inaugurará con bombos y platillos tribales el Nuevo Planetario Distrital, todo a costa de una nueva forma de aparheid, de segregación impuesta, así ésta sea bien recibida por algunos artistas colombianos con perfil decimonónico. Petro no habrá tenido tiempo o el interés de enterarse de que existe un nuevo “espacio de circulación monetaria” llamado Nueva Galería Santa Fe, la cual en el pasado reciente le apostó a configurar un sentido estético común entorno al arte contemporáneo colombiano, un arte que en sus últimas versiones intentó circular en el lenguaje crítico de los artistas, al margen de intereses privados y para enriquecer simbólicamente  el deprimente perfil cultural de los bogotanos y bogotanas. En efecto, el arte contemporáneo que ha habitado las salas de la Galería Santa Fe en el último quinquenio, le apostó a la idea de arte en un contexto cultural que no sabe de ideas. Tampoco  le importan, pues, sólo queremos  vivir en la indeterminación propia del hombre sin atributos.

2. Gustave: ¿es tiempo de que regresemos con él al Paraíso? Señor…, quizá no todavía….

Seguimos clamando en medio del desierto. Volvemos a insistir en algunos argumentos, los cuales no son de ahora ni provienen de una voz aislada. Tampoco son  una estrategia para elaborar duelo, para aceptar nuestra pérdida hablando profusamente de lo bueno que era el occiso a pesar de sus defectos. Estos argumentos son el resultado de la crítica polifónica que se ha consolidado en los últimos años en Colombia en un campo marginante como el arte contemporáneo. Para atender una invitación del periódico Arteria, hace varios años escribí un texto acerca de la quinta versión del premio Luis Caballero. Lo llamé  El Señor de la Agonía. Tenía una esperanza, un sueño, dijo Martin Luther King: este enfermo terminal se fortalecería con cuidados esmerados y una terapia crítica de sentido. Vana ilusión. Pensé con el deseo. Ignoraba que quienes tenían acceso privilegiado a él, no lo  querían con vida, pero tampoco sus amigos a quien bien servía. Con todas las dificultades que conlleva atrapar en ideas estéticas nuestra indomable contemporaneidad, pensaba que todavía se podía aclarar el horizonte en el cual se encuentra el arte contemporáneo en Colombia. Un horizonte oscurecido por la falta de ideas y por el predominio en lo público de intereses privados de toda índole, comerciales principalmente. Así éstos sean legítimos, cuando lo que cuenta es hacer dinero fácil y rápido, el pensamiento se envilece, surge lo que Hal Foster llamó con precisión “arte de la razón cínica”, un arte viejo falsamente joven que sólo quiere entrar al mercado de capitales.

3. Gustave: AHÍ ya no hay hijo ni madre… No queda nada…

Luego de años de desidia administrativa, la abstracción monetaria logró abrirse camino en Bogotá y  terminó por imponernos su anarquía al campo artístico. Todo artista tiene un precio. En junio de 2012, no tendremos una inauguración de la Nueva Galería Santa Fe simultánea a la apertura del Nuevo Planetario Distrital, porque una decisión política así lo determinó. El proyecto de reforzamiento de las estructuras del Planetario Distrital se incluyó en el Plan de Desarrollo Distrital de la última administración, pero no se incluyó una solución al caos que las Nuevas Políticas generaron, como correspondía a una administración responsable con las artes que habitaron su espacio. No se previó ninguna solución efectiva para la víctima que los gerentes ambiciosos dejaban tirada en el piso lustroso del emblemático edificio: dulce venganza de los administradores de aquel entonces. Con la buena voluntad de algunos gestores culturales, el campo del arte contemporáneo  a penas se había echado a andar en Colombia. Esta fragilidad fue aprovechada impunemente por una administración que carece  de mundo, de ideas, que no tiene tiempo para ellas, porque incluso considera que en las artes también time is money. Como en la filosofía,  en el campo del arte contemporáneo una buena idea requiere  su tiempo para madurar y  constituirse como horizonte estético y emancipatorio para una época. Un siglo llevamos tratando de pensar lo contemporáneo y nuestros gerentes estéticos no se han enterado. Poco tiempo en verdad. Ahora, la premura, los intereses particulares y la ausencia de una conciencia artística en Colombia, contribuyeron a que los gerentes pusieran el erario público al servicio de intereses privados que difícilmente podrán retribuir en algo a esta ciudad flagelada por todo tipo de corruptelas, denominadas por estos días como carruseles. Sin duda,  una ganancia cualitativa. Tampoco querrán hacerlo si no se les presiona, pues, lucro es lo que todos queremos a costa de la confianza pública. Sí: se trata de la confianza pública. Lo que ha sido dañado en nuestra ciudad es la confianza en un proyecto de interés colectivo. A algunos artistas hedonistas les choca la idea de lo colectivo porque pueden sacar más provecho personal de la anarquía del individualismo sublime: liberal.

4. Gustave: ¿Lo  abandonarás? ¿A cambio de qué?

Afirman los expertos  que ahora la sede del premio Luis Caballero es la ciudad de Bogotá. Esto es una banalidad, como lo es cualquier afirmación formulada en abstracto. El premio emblemático de la Galería Santa Fe y de Bogotá, tenía una sede concreta. Si antes era un arrimado que se hizo reconocer por la acción constante de algunos artistas adelantados a su época, ahora no tiene nada porque fue arrojado de su propiedad. Ha sido expropiado de un espacio común a todos los artistas que habitan las miserias y las bellezas abyectas que nos ofrece nuestra capital. Sí: para 2012, contará con una indemnización por los perjuicios recibidos. Pero, ¡qué pobreza de espíritu considerar que para pensar artísticamente sólo se requieren los millones del erario público! Vivir sin idea es la premisa del momento. Pensar artísticamente no es un asunto tan sencillo como el contar billetes o hacer cálculos de pérdidas y ganancias. No hay ideas que orienten el Nuevo Luis Caballero. Ahora, no es raro encontrar ejemplos dentro de la historia de las artes que nos muestren con creces lo prolífico que puede ser para una iniciativa creativa contar con un presupuesto precario. Estos proyectos son los más luchados y por lo tanto los que abren mayores horizontes de libertad y de sentido, los que requiere una sociedad en particular para no ser sometida por imaginarios exógenos. Son mucho más amplios para que los excluidos de la cultura se emancipen e  ingresen a ella a transformarla permanentemente con su participación activa. En el caso que nos ocupa, la ideología liberal suprimió todas las potenciales diferencias cualitativas de los artistas y los igualó por medio de la abstracción monetaria, nuestro universal más recurrente y perverso, nuestro reverenciado fetiche. El antiguo Luis Caballero estimulaba el que el artista entrara en relación con otros artistas dentro de un espacio común compartido que todos deseaban fortalecer. En el Nuevo Luis Caballero cada uno de los  artistas se relacionará con sus propios productos, con  cosas que podrá poner en venta para su lucro personal. Todos quedaron igualados porque todos recibirán el mismo dinero: ¡que perversión del sentido de la igualdad! Nadie podrá reivindicar ninguna verdad porque todos han sido igualados milagrosamente por el principio monetario. Sí señor: el estiércol del diablo con que se alimenta la mayoría del pensamiento no libre. Como cualquier otro parroquiano, los artistas ganadores –ya no habrá nominados– nos darán sólo una opinión. Todos serán ganadores sin haber siquiera materializado sus ideas. Bastante conceptual el asunto. Sin duda alguna, se trata de un premio adelantado a la vida y obra de un artista de “mediana edad”. ¿Alguien responderá por este latente detrimento patrimonial? No es que el dinero no lo merezcan los artistas. Sin duda lo merecen, pero la ciudad les puede exigir una retribución en simbólica y sentido. No obstante, bajo esta modalidad tan volátil y sofistica no veo cómo se establecerá el diálogo efectivo que requiere la ciudad para generar sentido, más allá de los narcisismos a que son proclives algunos artistas contemporáneos. Otro expediente lo conforman la adecuación de un espacio que no se puede adecuar porque es de conservación y la naturaleza de las exposiciones que allí tendrán lugar.

5. Gustave: nos preguntaron, ¿tenéis sed? ¿Queréis ser un artista millonario?

Algunos artistas colombianos están obnubilados por estos días con la cortina de humo que el Ideartes nos ha arrojado en su precipitada fuga de las ideas estéticas contemporáneas en Colombia; detrás de esa bruma, no alcanzamos a apreciar quién es el mago que manipula los hilos de nuestro teatro de operaciones bursátiles. Los pocos millones que indemnizarán lo que no puede indemnizarse de ninguna manera, es un distractor efectivo de la no-opinión que campea por doquier en el campo del arte colombiano. Con estos millones adicionales que no tienen otra finalidad que acallar las críticas por la improvisación administrativa de esta institución, se causa un grave perjuicio al futuro del joven arte contemporáneo en Colombia, pues, se le desdibuja peligrosamente. Al igual que sucede con todas las solicitudes de perdón y las estrategias de indemnización correspondientes, el las Nuevas Políticas para el Luis Caballero manifiestan un complejo de culpa por una desidia administrativa de vieja data. Los gerentes cubren sus negligencias pasadas y actuales, tapándonos la boca con nuestros propios recursos,  indemnizando a sus víctimas de manera improvisada. Como si esto fuera todo, como si las responsabilidades del Estado para con sus ciudadanos fueran sólo de carácter económico. Las más importantes son las éticas y políticas. Todas  las indemnizaciones de consolación son inocuas pues sabemos que éstas nunca recobran la pérdida fundamental que se pretenden paliar. En nuestro caso, la pérdida de sentido no se indemniza con dinero. No todo se arregla con dinero, así los gerentes liberales estén convencidos de lo contrario, de que toda conciencia crítica tiene su precio, de que toda crítica muy en el fondo de la conciencia de su autor lo que está reclamando es un “contratito estético” con el Estado. El diario El Tiempo nos ha sugerido que la falta de ideas no se puede cubrir con un concurso como “Quién quiere ser artista  millonario”.

6. Gustave: ¿todo está consumado? ¿Terminará usted por consumarlo y se lavará previamente las manos? Tuvimos un sueño polifónico. Soñamos que el ajusticiado es inocente de los cargos que se le imputan.

No nos podemos equivocar en asuntos de importancia para el erario público. Los nominados al premio Luis Caballero en la actualidad ya entran premiados: quince millones de pesos no se los encuentra uno a la vuelta de la esquina. Se otorga un estímulo adicional a aquel artista que se destaque de manera extraordinaria por el despliegue concreto de sus ideas en un espacio común para todos, a aquel que abra alternativas de pensamiento libre y espacios de emancipación para que esta ciudad abyecta sea más inclusiva y se deje permear por las miles de diferencias a las que se les ha negado voz propia en los asuntos de interés público. Todo esto contribuye a la construcción del sentido común que reclama nuestro país. Es importante insistir en esta idea de lo común en un país que no cuenta con unos mínimos de sentido compartido, excepto por los que generan las telenovelas cursis de las 7 y 8 P.M. En un país en que sus habitantes insistimos permanentemente  en cortarnos las orejas unos a otros. En la nueva modalidad del Luis Caballero, a los artistas  se les dobla la mesada con el riesgo de que esta sea aprovechada de manera privada, para que puedan lucrarse con tan sólo presentar un “Proyecto X para un Lugar X”. Ya no tendremos un espacio común de interés público al cual los artistas contribuyan  enriqueciéndolo con sus ideas. Si dividir para gobernar es una vieja estrategia dictatorial, en la contemporaneidad fragmentar el sentido de lo común sirve para idiotizar a aquellos que tercamente insisten en pensar.

7. Gustave: en sus manos encomendamos lo que queda de su espíritu…

El premio Luis Caballero palidece ante tanta sonrisa falsa, ante tanta hipocresía de lado y lado, ante tanta reverencia de ídolos de barro, ante la ausencia de crítica e ideas. El repudio de la crítica por parte de un “juvenismo” curatorial reciente y pobre de ideas, ridiculizó no sólo las prácticas artísticas contemporáneas en Colombia. También acabó con el interés legítimo que la ciudad aún mantiene en prácticas más tradicionales. A partir de 2012, sólo tendremos propuestas que fácilmente podrían degenerar en usos indebidos de recursos públicos por parte de los particulares que quieran constituirse como sede de segunda mano, de ocasión, para albergar transitoriamente  el fantasma del Luis Caballero. Pero a nadie le importa esto. Lo público en nuestro país es de nadie, no vale una misa. Sin duda alguna, la discrecionalidad espacial implementada transformará radicalmente el estímulo más importante del arte contemporáneo en Colombia. A corto plazo, esta convocatoria será capturada por artistas  que en lugar de pensar, sólo saben contar billetes. Al igual que aconteció con el Premio Botero, participar en la convocatoria del Nuevo Luis Caballero sólo traerá descrédito crítico a quienes se postulen. Botero se dio cuenta a tiempo de que la “inspiración” de muchos artistas participantes en sus convocatorias  era movida principalmente  por los millones que ofrecía el estímulo, y colapso sobre sí mismo, con más pena que gloria.

Estertor final

Santiago Trujillo abrió la última asamblea informativa con el campo del arte, con la siguiente afirmación elocuente: señores: esta crisis de la Galería Santa Fe es una oportunidad. Sí: en efecto, esta es una buena oportunidad para que se consoliden otros espacios al margen  de la pernicia del Estado.

Posdata:

Convocatoria para la adecuación de la Nueva Galería Santa Fe y  el programa de exposiciones de 2012.

 

 

En este encerramiento mitológico tan debatido en su momento por Marta Traba, ¿cómo es posible hablar de arte contemporáneo en Colombia? La impresión que tengo es que los curadores-gestores han freído el cerebro de los artistas colombianos. No sólo eso. Como Hannibal Lecter, se lo están comiendo a trocitos. ¡Y ellos tan felices! ¡Da ternura este espectáculo aristocrático, de Salón! Muy pocas ideas se ponen en escena en los “espacios de circulación” de nuestra gallarda elite comercial, o, como plantea Pablo Batelli, se “teatralizan”. Las pocas ideas que escapan al impulso mercantil que promueven nuestros gerentes de turno, se las reconviene mediante estrategias intimidatorias, victorianas. ¡Ay de los desesperados! ¿De vosotros será el reino de los cielos? ¡Dios no lo quiera!

Los artistas colombianos se quejan. Consideran que es una arbitrariedad crítica el que se insista en hablar de arte contemporáneo en Colombia. ¡Qué diablos es eso! ¡Cómo se lo come! Tienen razón. Encerrados como estamos, cortándonos las orejas unos a otros, friendo el cerebro de nuestros artistas y sirviéndoselo a nuestros gerentes estéticos, ¿cómo es ello posible? He aquí cuando sale impetuoso nuestro lema nacional. Nadie sabe… No Responden… A nadie le importa… ¡Mientras nos sigamos lucrando de la corrupción que nuestra indiferencia genera! ¡Mientras reciba mi tajada! Mientras mantenga la certeza de que estaré en la lista de los elegibles a recibir los estímulos privatizados que graciosamente distribuye  el Distrito Capital: todo está bien. Sí, todo está bien.

Y sin embargo, algo se mueve… Decía Galileo a sus detractores. Son las ideas que nos hemos atrevido a expresar en los medios alternos de comunicación. Sí, balbuceantes, pero efectivas, como el lenguaje de los niños. Primero vino Esfera Pública, luego llegó Liberatorio. En estos espacios promovemos ideas para ponerlas no in situ, como suelen hablar mecánicamente nuestros gerentes estéticos de miradas finas, elegantes y estudiadas. Hablamos de ponerlas En Situación. Esto es lo que hemos querido articular en torno a la idea de arte contemporáneo: Estar en Situación. Ser parte del instante que arrebata la imaginación de los hombres y las mujeres.

Las marchas de los estudiantes universitarios son ejemplos de ese instante de emancipación, de revelación.  Estar en Situación: reconocer que tú y yo somos iguales porque amamos la igualdad para la libertad. Que tus miradas finas, elegantes y estudiadas te hacen diferente, pero no mejor que yo. Estar en Situación: estar al tanto de que somos seres para la mercancía. Que nuestra contemporaneidad la anunciaron algunos artistas desesperados en los años 10 y 20 del siglo XX, allá en la Vieja Europa que exultante se solazaba en su Belle Epoque.  Estar en Situación: desprenderse de la bestia, de la dictadura de los gerentes. ¿Es tan difícil comprender que sólo valemos como mercancías? ¿Es tan difícil comprender esta bestia que día a día nos arranca las entrañas? Existen artistas que lo tienen comprendido a cabalidad. Pocos, pero los hay. Señor Pablo Batelli, ellos no buscan consensos. ¡No se deje hechizar por el lenguaje! Ellos son marginales. ¡Desesperados si usted quiere! Ellos van adelante con la historia de la emancipación humana. Los demás se han bajado de este flujo de pensamiento contemporáneo. Finalmente, es más cómodo. Por lo menos, más “elegante”. ¡Sí señor!

Un torrencial aguacero  no amedrentó a miles de jóvenes que se tomaron artísticamente Bogotá para exigir una reforma a la Ley 30 de 1992 con participación amplía y libre de los tres estamentos universitarios: los estudiantes, los profesores y los administrativos.

El día jueves 10 de noviembre de 2011 fue la cita de la juventud universitaria colombiana, para mostrarles a los citadinos que Los héroes en Colombia  SÍ existen: ¡que estos héroes son los estudiantes! Ahora, no son héroes porque hayan aguantado de manera estoica el aguacero. Lo son porque deben estudiar bajo condiciones precarias e infames  para que el Estado pueda destinar la mayor parte de sus recursos a la guerra  y a aceitar la corrupción, dos frentes  de los cuales se vale el Estado Liberal para gobernar.

 

 

Pero aquí no para el heroísmo en Colombia. Los artistas son los ciudadanos más desprotegidos del Régimen teo-neoliberal. Son muy pocos los recursos que el Estado destina al estímulo del pensamiento artístico y poca la clientela que logra acapararlos. Ahora, en el fallido proyecto de Reforma,  el campo artístico universitario aparece como un apéndice, pues, el predominio del cientifismo burgués no reconoce el pensamiento artístico como una fuente de conocimiento. Los artistas entretienen y amenizan de cuando en cuando nuestros días de fiesta, pero pare de contar. La creación no es una función universitaria. El nuevo proyecto de Reforma deberá reconocer esta función, si las facultades de arte de Colombia logran superar su autismo decimonónico.

 

 

Los artistas contemporáneos  se hicieron presentes en la marcha, colorearon de mil tonos los acordes musicales que pusieron a ondear ante la opinión pública las pancartas y carteles  que denunciaban la miseria y la excelencia de la educación pública en Colombia. Arte Contemporáneo:  cruce  de las artes en lugares específicos.  Digo, 1) miseria porque el bienestar de los estudiantes es precario y empeora día a día, y porque escasean cada vez más ayudas pedagógicas que les faciliten  la adquisición de los conocimientos que la “trasformación de la sociedad” les exige, según su lema directo y certero. Y 2) excelencia, porque a pesar de esta desgracia, los profesionales de las universidades públicas están entre los mejores del país.

El proyecto de Reforma del gobierno tiene una virtud: despertó a la juventud colombiana de su letargo político, de su indiferencia respecto a problemas vitales. El gobierno Santos ha activado una subjetividad política que le es necesaria al país en este momento en que pende sobre Colombia toda clase de amedrentamientos tecnocráticos, todo tipo de arbitrariedades burocráticas. En esta marcha, los estudiantes artistas, especialmente, mostraron que no son autistas, como muchos de los profesionales que se lucran del arte. Los cinco proyectos curriculares de la facultad de Artes-ASAB de la universidad Distrital Francisco José de Caldas, se cruzaron en un espacio específico,  marcharon juntos e hicieron un gran despliegue de alegría creativa y transformadora.

Nos sentimos orgullosos de nuestros héroes, de los estudiantes colombianos. Su voluntad de lucha es algo que debemos emular. ¡Felicitaciones muchachos y muchachas! Los héroes en Colombia sí existen. Por todas estas razones los/las amamos.

PD: ¿Los artistas bogotanos se conformarán con el dictado del Ideartes para nuestro Sector? ¿Persistirán en su autismo?

Acciones en pausa…, acción plástica de la electiva en investigación dirigida por Pedro Pablo Gómez en la Facultad de Artes-ASAB de la Universidad Distrital.

Una sugestiva intuición del grupo muestra la necesidad de ir pensando una ley de víctimas para la educación pública.

 

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El proyecto de reforma de la ley 30 reproduce la segregación que padecen las/los artistas mediante el concepto de universidad positivista que estructura la universidad colombiana.

Las funciones de ésta siguen siendo las mismas: docencia, investigación y extensión. La creación no es una función universitaria, por lo tanto, sigue siendo una actividad marginal y romántica, tal y como lo ha determinado el régimen estético, en el sentido de Jacques Rancière. Por lo tanto, los/las artistas no tienen la posibilidad de acceder a recursos del Estado, que no sean aquellas pequeñas migajas-estímulos que las damas de la cultura graciosamente distribuyen entre sus favoritos. La creación que caracteriza el campo del arte no ha tenido realidad, ni la tendrá con esta nueva ley. Los/las artistas son menores de edad y no se les puede otorgar autonomía financiera.

Ahora, el Título IV del proyecto de ley ha sido denominado De la Investigación y la Innovación. La ministra de educación reproduce el sofisma con el cual Colciencias está absorbiendo cuantiosos recursos del Estado: innovar es crear. ¡Pues no! La innovación está centrada en el mejoramiento de las máquinas y de los consumidores autómatas de tecnología. Al contrario, la creación artística transforma la sensibilidad de los hombres y las mujeres, construye la dimensión humana en la cual todas y todos nos guarecemos del bárbaro que llevamos dentro. Los artistas construyen lo común de nuestra especie, lo mantienen, y, por ello mismo, lo transforman permanentemente.

Dice el artículo 83. “La investigación como una de las fuentes del conocimiento y medio de avance de la sociedad, se constituye en factor para el desarrollo y fortalecimiento de la Educación Superior, y como función esencial de las Instituciones de Educación Superior según sus objetivos y niveles de formación”. La investigación es la función esencial y a ella se seguirán destinando cuantiosos recursos. Por lo tanto, como sucede en la actualidad, los/las artistas deben disfrazarse de científicos sociales para poder conseguir financiación para sus proyectos. En efecto, dirá la ministra, existen otras fuentes de conocimiento. No obstante, la ley no dice cuáles son para no tener que pasar por la pena de decir que no tienen recursos para autosostenerse.

En la actualidad la creación artística no puede acceder ni a los recursos de Colciencias ni a los Centros de Investigación de las universidades, porque no se la reconoce como investigación, como correspondería, si en nuestro país hubiéramos superado las miserias del positivismo. ¿Las facultades de artes de nuestro país han pensado presentar ante la Ministra de Educación la exigencia que hacen las artes en cuanto al reconocimiento de la creación como “factor de desarrollo y fortalecimiento”, no sólo de la Educación Superior, sino para la trasformación de la sensibilidad de este país agrario y celeste? Reconocimiento aquí significa declarar expresamente que las artes son conocimiento de lo sensible y que se les asigna recursos que no dependan del estado de ánimo de la burocracia estética de nuestro país.

“Las empresas críticas se inscriben en la duración, es allí donde reside su particularidad. Ellas son frecuentemente las empresas de toda una vida. Detrás de ellas el individuo desaparece voluntariamente.

Ellas operan como sistema global y como estructura instalada en el tiempo para interpelar directamente los fenómenos del mundo. En esto, son portadoras de una dimensión política”. Yann Toma. Les entreprises critiques.

Desde hace varias décadas, frente a una globalización comercial predadora, que no conoce fronteras y que arrasa con los pequeñas compañías y mercados locales, el artista contemporáneo asume una posición y trata de crear lugares de reflexión plástica y crítica: se convierte en un verdadero exota (Nicolas Bourriaud. Radicante) que recorre el mundo instalando su visión crítica. En el año 1991, Yann Toma artista francés, decide “comprar” una antigua empresa de electricidad que había perdido su posibilidad de existencia en el complejo mundo del mercado.

La empresa Ouest-Lumière comienza a devenir el lugar de cuestionamiento crítico, donde el artista deviene el presidente a vida. Recuperando elementos de archivo de esta extinta compañía de electricidad, el artista se apropia de una red simbólica, una infraestructura de fábrica, la cual se convirtió en un territorio de investigaciones y la materia misma de su actividad artística. Su proceso de trabajo visa una autonomía absoluta y la proyección del artista como motor económico y político de la innovación mundial. Para alcanzar este objetivo, él sesiona permanentemente en la Asamblea General de la ONU como estrategia de inmersión en la realidad política.

Esta experiencia artística tiene un antecedente: en el año 1966 el artista canadiense Lain Baster crea su empresa “N.E. Thing Company” la cual es tomada en serio por el mundo empresarial, generando una incursión crítica al interior del sistema financiero de manera viral. Este dispositivo político, abre la puerta a nuevas experiencias, claramente enraizadas en presupuestos situacionistas que generan nuevas maneras de pensar nuestra relación con el mundo empresarial que domina nuestras sociedades contemporáneas.

Ouest-Lumière se convierte en una verdadera multinacional que despliega energía artística, instalando agencias y filiales en varias partes del mundo: India, Estados Unidos, Islandia, Suecia, Japón, Francia y China. Muy pronto se instalaran las primeras agencias en Latinoamérica: Colombia ha acogido con entusiasmo este proyecto iluminador para escapar del oscurantismo artístico, dice irónicamente el Presidente de Ouest-Lumière quien ha escogido dos ciudades para instalar su empresa luminosa: Bogotá y Cartagena de Indias.

El Presidente de Ouest-Lumière, durante la segunda Cátedra Franco-Colombiana de Altos Estudios, habló en la Biblioteca Nacional el lunes 11 de octubre del 2010, sobre “el artista emprendedor y la empresa/mundo”. El artista afirmó: “quien se interesa hoy en el arte contemporáneo, está obligado a constatar que no es una, ni dos, sino una multitud de empresas de artistas que tienen su lugar en el corazón de los dispositivos institucionales mundiales. Cada una de ellas, inscrita históricamente y estratégicamente, distribuye un proceso de trabajo, desprendiendo quizá una parte de esa espiritualidad que Beuys consideraba en su tiempo como necesario al devenir de la empresa. Pues el devenir-empresa del artista no es un llamado a oponerse irónicamente al sistema de la empresa sino más bien a interrogarse sobre el lugar que ocupa el individuo hoy”.

Las empresas críticas logran hoy señalar las fortalezas y debilidades de un sistema global basado no el intercambio de valor simbólico, sino el intercambio de valor monetario. Cuando el artista decidió instalarse en la Organización de las Naciones Unidas, su obra logra penetrar de manera contundente la realidad. Pero no cualquier realidad: el lugar donde él se instala, es el lugar mismo donde el poder mundial decide de las cosas más importantes y transcendentes.

Esta incursión en la realidad, tal como lo demostré en el seminario Art & Flux en la Sorbona el 14 de diciembre del 2010, está muy relacionada con la manera en que el arte crítico particularmente el del artista-empresario, logra incidir estéticamente en la realidad. La ficción en este caso deviene verdaderamente operacional para transformarse en cuestionadora. Ya estamos cansados de simulaciones el arte reclama realidades; esto no es nuevo si tenemos en cuenta que el arte siempre ha estado vinculado a la realidad.

Cuando vemos a Yann Toma, sentarse al lado de los grandes presidentes y sus cancilleres, o tomarse una foto en la sala de juntas de la ONU, nos hace pensar en los lugares del poder. Su obra logra unir de manera contundente la palabra: arte y vida. No hay fabulación o parece no haberla en su obra.

Yann Toma logra instaurar un dispositivo representacional que nos interroga de frente sobre las maneras en que se toman las decisiones que afectan el mundo. Fotografías, vídeos, sus folletos y también su carnet de acceso al recinto de la ONU, hacen parte de la serie de objetos que ahora hacen parte de la obra del artista.

Hay que anotar que el artista asume posiciones en comités de dirección en la Unidad de Formación e Investigación en la Sorbona UFR04, desde que era estudiante en la década de los noventa del siglo pasado. Siendo delegado estudiante ha asumido hasta hoy cargos en las más altas instancias de su facultad como el cargo de Representante de Relaciones Internacionales.

La incursión en la Organización de las Naciones Unidas, por parte del Presidente de Ouest-Lumière, es una incursión en el mundo real donde se toman las decisiones más importantes y se discuten las acciones más transcendentales del planeta. En conversación con el artista, Édouard Glissant logra poner en evidencia lo que significa estar en la ONU como lugar de la “relación”; la ONU:  “Es un alto lugar de la relación pero esta se realiza de una manera no terminada e incompleta. Es un lugar de la relación. Y es por ello que es importante.”

En efecto, ese alto lugar simbólico es sin lugar a dudas donde la sola presencia del artista abre en el mundo del arte, una dimensión política capaz de poner en juego las relaciones de poder. Pero la pregunta que surge es: ¿Cómo es posible que un Presidente a vida de una empresa de energía creativa logra hacer parte de un selecto grupo de mandatarios? ¿Cuál es la importancia de estar ahí presente? ¿Qué significa estar en el pódium donde se realizan los grandes discursos o presidiendo una mesa vacía, pero símbolo de las más altas discusiones?

Édouard Glissant en conversación con el artista insistía al respecto: « Estar presente en la ONU y estar a cargo de representar OL en la ONU. Eso no puede estar preparado por discursos ni por conceptos. La presencia y el lado eléctrico deben funcionar. No se debe preparar grandes discusiones. Hay que ir, se debe ir”.

Cuando el pensador de la errancia, insiste al artista, que si se instala en la ONU, no es para hacer lo que hacen los otros dignatarios del mundo; por el contrario, se trata de dejar el lado discursivo de la palabra y los discursos, por la sola presencia corporal, por la presencia muda y silenciosa del cuerpo, que paradójicamente habla y dice con mayor fuerza lo que tiene que decir. El sólo hecho de estar presente en tal reciento, ya es una puesta en escena, formidable que va más allá, donde las palabras se tocan. En este sentido esta incursión en la realidad por parte del artista es una verdadera incursión en lo político, pues el arte es absolutamente político no porque quiera serlo, sino porque en verdad lo es por su propia acción. Glissant concluye: “El arte descarnado no es aquél que quiere ser político, es el arte que es político desde que se expresa. El arte descarnado es aquél que lo es desde que se presenta, claramente u oscuramente.”

En estos términos, el artista logra que su obra se inscriba dentro de una concepción del arte político tal y como Jacques Rancière lo entiende: como una división del mundo de lo sensible. La incursión en lo real, por parte de OL, logra dividir y operar dentro de lo sensible y por ende dentro del mundo real, sin crear una separación entre el arte y la vida, entre la ficción y la realidad. Por el contrario, cada vez que se presenta esta opción, podemos darnos cuenta que todo es realidad.

En este sentido, la fotografía cobra un papel determinante dentro de la obra de Yann Toma, donde, esta se convierte no solamente en un documento que señala la mencionada incursión en la realidad, sino que también logra concretar un imaginario propio del mundo empresarial. Es por eso que lo más importante es sin lugar a dudas, esta manera de ver el mundo, frente a una sola realidad.

Las fotos que testimonian de esta incursión del artista, como aquella que nos muestra al Presidente de OL con el Secretario General de la ONU Ban Ki-Moon, o aquellas donde el recinto sirve de telón de fondo, logran realizar una inversión radical de lo que significa estar de está lado de la realidad y del otro. En efecto, el artista al incursionar en ese lugar, logra ficcionar la realidad de ese recinto, pero al mismo tiempo inoculando ese grado de ficción, logra instalar un grado de sospecha sobre lo que significa la realidad.

Una de las imágenes que sorprende, es aquella donde vemos al artista, situarse frente a la gran mesa de deliberaciones en el momento donde no hay nadie en el recinto tan sólo él. Esta extrema soledad, acentúa la idea de lo que significa, estar solo al frente de la imagen del poder. En efecto como decía Michel Foucault a propósito de qué es un autor, el poder, la figura del poder, al anularse crea otra imagen de poder, o mejor un espacio vacío que vendrá a ser ocupado por otra figura del poder.

Esta especie de vacío es llenado por el artista con su propia figura, donde se recrea un nuevo espacio de poder donde, esta vez la figura del Presidente a Vida de Ouest-Lumière se convierte en el sólo y único dignatario; como si esta multinacional, como si esta empresa crítica luminosa, lograse irradiar un lugar donde ya no brilla nada, donde la luz y Les Lumières parecieran haber desertado desde hace ya bastante tiempo.

Ricardo Arcos-Palma. París-Bogotá, 2011.

El Idartes convoca a un Conclave el próximo viernes 4 de noviembre a las 4 P.M. Se realizará en la calle 13 No. 2-58. Esperemos que, finalmente, salga  humo blanco de esta reunión; pero me temo que veremos humo negro para los estímulos más importantes a las artes plásticas y visuales de Bogotá. Los más importantes son aquellos que repercuten directamente en las prácticas artísticas y en la imagen que tenemos de nuestra ciudad. Me refiero a aquellos que tienen lugar en la Galería Santa Fe. Los demás estímulos también son importantes pero su estímulo no trasciende o no permea la sensibilidad de quienes pueden transformar el agujero negro en el cual nos encontramos.

Ojalá los protagonistas del arte contemporáneo de nuestro país se pellizquen y asistan en masa a la reunión, ojalá pregunten y exijan claridad y seriedad para todos los procesos administrativos futuros de los estímulos distritales a las artes plásticas y visuales. No debemos olvidar que tenemos un alcalde electo que ha mostrado que puede tomar decisiones en contra de los intereses privados que se han tomado la ciudad de tiempo atrás. Podríamos proponerle a Petro que el traslado de la Santa Fe se realice sólo una vez tengamos el espacio definitivo para realizar nuestras prácticas de circulación de sentido. Deberíamos plantearle con decisión e imaginación, como lo hicieron Guillermo Vanegas, Lucas Ospina y Víctor Albarracín recientemente, que no aceptamos traslados temporales, que somos un campo de vanguardia y tradición en el cual no aceptamos improvisaciones in extremis, de último momento. En la acción mencionada participaron otros artistas pero no tengo sus nombres.

Aunque el día y la hora programados son difíciles para quienes hayan programado  su agenda con anticipación, trataremos de asistir. Ojalá esta vez la reunión comience a la hora citada y los organizadores vayan directamente al grano. Para la reunión anterior en la cual participé para tratar el tema de la Galería Santa Fe, los organizadores llegaron retardados y  tuvimos que esperar una hora antes de que se diera inicio a la reunión. Ojalá esta vez los responsables sean más respetuosos con la ciudadanía bogotana y comprendan que nuestro tiempo también es importante. Ojalá comiencen en punto y no a las cinco, para seguir reforzando la cultura de la incultura bogotana.