Abel Azcona es un artista cuya obra no pasa desapercibida y se mueve permanentemente por el mundo. A sus 27 años ha recorrido Japón, New York, Houston, diferentes países latinoamericanos y de Europa, en España se le ha visto en Soria, Valladolid, Bilbao, Madrid, Tarragona, Alicante o Barcelona, entre otras ciudades.

En su obra performática el espectador, algunas veces cliente, deja de ser un observador e interviene al verse confrontado con la situación estética, quizás fascinado por la imagen, quizás identificado con la situación y de manera activa como el artista co-construye la obra y ésta se hace vida. Azcona cree en el poder purificador, catártico e introspectivo del arte, especialmente del performance, sobre todo, a la hora de comprender y soportar su propia historia.

El diálogo que aquí se presenta se sostuvo el 9 de mayo durante la masterclass que el artista realizó en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante. El audio lo he dejado reposar y con él también reposaron mis emociones. Tenía temor de entrar en el amarillismo con que los medios suelen tratar su obra y su ser; este texto lo he releído una y otra vez y estoy seguro de haber sabido contar la historia sin adentrarme en los intríngulis morbosos que pueden emerger ante una obra controversial en sí misma y la generosidad de un hombre y un cuerpo que inspiran ternura e incluso deseo.

¿Por qué usted no es un performer?

Porque en muchas obras lo que está ahí no soy yo. Lo que se ha generado puede basarse en un trabajo performativo pero lo que hay en mi obra es vídeo, fotografía, escultura, instalación… bueno y también performance art, lo mismo son trabajos interdisciplinares y entonces la palabra ‘performance’ queda un poco corta.

El concepto de performance en la teoría queer se basa en la idea de alguien que se aproxima a la cuestión de la identidad desde una posición antiesencialista; alguien que niega tanto el carácter natural de la identidad como el carácter fijo y estable, experiencia un performance; es decir, una experiencia que es una construcción social que debe entenderse como parte de un proceso abierto y cambiante, siempre sensible a transformaciones y redefiniciones del cuerpo, de la sexualidad, el sexo y el género ¿Ese perfomance de lo queer es el mismo performace art del que usted me habla?

Tenemos que diferenciar lo que es o no un performace. El problema es que la palabra significa actuación y entonces se cree que toda actuación extraña es un performance, tampoco es teatro… se parece tanto al teatro como una zanahoria a un rascacielos. El performance art no es el performance de la teoría queer. Cuando hablamos de travestismo o de la parodia de género de una drag queen hay una relación de ambas con el potencial subversivo de la parodia, este performance es una forma de teatro… se ha puesto de moda la palabra y se utiliza para todo. Las dos tienen de común, probablemente, la corporalidad. El performance art tiene unas condiciones y formas específicas, se crea por algo, se basa en una realidad. El performance art nunca deriva hacia el teatro.

Performance y persona tienen un origen común, el hecho de hacerse, de sonar a través de… ¿Qué es lo que convierte un performance en un performance art?

Se convierte en una obra artística en el momento en que es compartido y mostrado, en que se construye conocimiento y es una exploración interna. No necesariamente debe haber público, yo por ejemplo lo hago solo en el campo, sin fotografía… bueno en un museo, en una galería evidentemente se muestra más.

¿Usted espera que de toda experiencia performativa que produce le quede una construcción teórica?

Bueno sí, una construcción o una deconstrucción teórica, porque una destrucción también es interesante. Hay artistas que trabajan el dolor en una forma extrema y eso les destruye psicológica y físicamente. Ésta es una disciplina transformadora, no sólo para el artista sino también para el espectador, un alto porcentaje de la gente que experimenta un performance en una galería se acordará de él toda la vida; en cambio, tú ves una pintura e igual la olvidas, el performance art tiene una conexión magnética corporal con el público que es mucho mayor, tiene muchas más respuestas, mucha más inmediatez… ahora lo inmediato es lo que nos interesa. Es visceral, es del momento, da respuestas inmediatas. El público es parte del performance, todo lo que sucede en el espacio, cuerpo y tiempo nos sucede a ambos

¿El performance entonces establece vínculo con el espectador, un vínculo personal en que el otro es un auténtico otro?

El público es parte del performance, todo lo que sucede en el espacio, cuerpo y tiempo nos sucede a ambos. A mí hay veces que no me lo parece, pero el hecho de que una señora venga, me ponga cara de asco y abandone la sala la introduce de lleno en el performance porque ella genera una forma diferente de verse a sí misma, al otro  -el espectador- y a mí mismo.

¿Cuando alguien lo ve en una galería, en un cama, desnudo lo entiende como un artista, una persona o un objeto sexual?

Cada cual me ve como me quiere ver. Lo bueno de un performance, como la vida en general, son los tiempos, cada persona y cada performance tienen sus ritmos. Tú sabes que si estás ahí tumbado tienes una historia detrás, un montón de experiencia; uno se tumba con una simbología mayor, pero en cambio es el doble interesante que esa persona, el espectador que no tiene ninguna idea de quién es esa persona que está ahí tumbada, se tome dos cervezas y se tumbe ahí, junto a mí, desde el punto de vista más carnal, sin nada de concepto. El espectador nunca está tan preparado como el artista.

¿No es lo mismo estar en una galería que realizar su performance en una calle en la que se ejerce el trabajo sexual o en un hotel de prostitución, espacios en los que el espectador no se sienta tal sino un cliente que lo compra a usted y le compra un servicio?

Algunos clientes y espectadores no están contaminados, pero muchos ya lo están, ya saben del performance, del artista, de la obra. Cuando estaba en el hotel de prostitución la gente sabía en qué estaba y a qué iba porque se lanzó una convocatoria, había unas invitaciones, pero la gente lo que no sabía era que había ese tipo de performances.

¿Fue esa la misma experiencia en Bogotá, en el barrio Santa Fe, en la zona de prostitución travestí o en la Galería Santa Fe con su proyecto Empathy and Prostitution?

Bueno había una diferencia porque allí la gente sabía menos lo que era un performance, seguramente pensaban que era alguien haciendo algo que no se entiende, una idea muy común por cierto. Para mí, el performance tiene un contenido; éste es el performance que me interesa, yo no trabajo el absurdo.

Mi performance es discursivo, hay una historia detrás. En la Galería Santa Fe habité el espacio por el término de 4 días y 3 noches, tiempo en el cual establecí relaciones con otros artistas y el público visitante. Para mí fue muy fuerte, pasaron muchas más personas de las que pensaba, hubo sexo en ambos casos. La gente es muy sexual en Colombia, pero cuando el performance estuvo en la galería hubo mucha controversia. En la calle a través de la prostitución, buscaba comprender sensaciones y reacciones al sentir mi cuerpo desnudo y postrado sobre una cama, siendo un objeto dispuesto a ser parte de una transacción comercial en el que la mercancía soy yo mismo.

¿El proceso de aplicarse en el cuerpo substancias como las hormonas, que producen transformaciones que dejan huella, cómo lo construye teóricamente?

En la calle, lo que hice tiene que ver con la misma evolución del proyecto, que me da sus propias respuestas y me genera muchas más preguntas. En el 2012 yo inicié el proyecto y me parecía una barbaridad, pero ahora en el 2015 lo veo menos fuerte; por ello me interesó salir a la calle y estar no con un espectador sino con un cliente real. Quería ser del todo prostituta y transexual.

¿Volvería a experienciar un performance como una trabajadora sexual trans?

Me quedé casi por un mes en la calle de las prostitutas trans, éramos 80 chicas en total; tuve una “madre de hormonas”, ella me acompañó en todo el proceso de hormonación, me cambiaron algo las formas del cuerpo. Me abordaron las personas que trabajaban con las personas trans. Yo era una persona extraña en la zona por ser una española que tomaba los mismos anticonceptivos orales que tomaban ellas. Me pagaron lo que un cliente pagaba a cualquiera de las chicas que fue menos de cinco euros, incluso me ofrecieron hacerlo sin condón pagándome un poco más; viví las mismas violencias que viven ellas. Yo estaba investigando y me interesaba vivir lo que vive una trabajadora sexual, pero no siempre acepté a quien quería ser mi cliente, cuando sentía temor cobraba una cantidad que los ahuyentaba. Fue muy complicado… por ahora tengo respuestas para muchos años y espero no volverlo a hacer.

Para conocer más sobre este artista visite abel-azcona.com

*Manuel Velandia

Apasionado del arte, fotógrafo conceptual y artista del grabado, se formó como actor profesional. Escribe es diferentes medios virtuales a nivel internacional siendo Bloguero oficial de revista ‘Semana’ de Colombia. Ha trabajado en la radio y la televisión. Sociólogo, filósofo, Master en Educación y en Políticas Públicas e Interculturalidad, es también Sexólogo (fue director de la Revista Latinoamericana de Sexología), Doctor por la Universidad de Alicante y doctorando en la Universidad del País Vasco.

Visto originalmente en: AlicanteMAG

La ASAB invita a estudiantes de artes, artistas transdisciplinares, poetas, escritores, filósofos, historiadores, curadores, críticos de artes y ciudadanía en general, a  participar en una Acción Plástica Abierta la cual se realizará en el centro histórico de Bogotá. La acción hace parte  de la propuesta de creación la  Chaza nacional en el Camino a San Moritz. Tendrá lugar el día 11 de julio de 2014 en la calle 16 entre carrera 7 y 8. Se trata de un trabajo de estudiantes de artes en diálogo con artistas transdisciplinares con trayectoria nacional e internacional. La acción llama la atención acerca de  La chaza como síntoma de precarización colectiva y global, acerca del patrimonio humano devastado, acerca del riesgo social en que sobreviven miles de hombres y mujeres y acerca del deterioro cultural que caracteriza a nuestra época.  La investigación realizada en el sector nos evidencia que la Chaza es el ícono de nuestra época, el ícono de aquellos sectores que coloquial, despectiva y cruelmente son denominados de “mala muerte”. La nuestra es la época de la “mala muerte”, nos sugiere el maestro Dioscórides Pérez.

 

 

Asimismo, se aprovecha el develamiento de la precariedad nacional como una  excusa para conversar acerca del lugar del artista en estas sociedades descuadernadas y desdibujadas  por la puja en los mercados especulativos. En este contexto precario, nos preguntamos: ¿de qué miedos somos prisioneros en la actualidad?  ¿Cuál es el lugar del artista en la actualidad? ¿A qué llamamos lugar? ¿Cómo se modela un lugar en el cual las diferencias se exalten y maximicen, y no sean reprimidas? Tentativamente proponemos la siguiente respuesta: el lugar del artista está al lado de las diferencias. El artista hace ronda en los bordes, en los márgenes a los cuales son expulsados los mejores hombres y mujeres de cada época. El artista contemporáneo es un provocador de diferencias. Evidencia las fracturas que nadie ve, que todos y todas se niegan a ver.

 

 

La acción central  es sencilla y se invita a todas y todos a participar libre y activamente en ella. A partir de las 2 P.M. del día 11 de julio, uno a uno, los y las participantes se  van colocando la Camiseta por la Chaza Nacional. Estarán apostados en la calle 16 con carrera 7. La camiseta  es color naranja y tiene impreso un logo de la chaza. Durante la tarde y hasta las 6 P.M., cada cinco minutos, se va introduciendo una camiseta-chaza, hasta que la calle quede color naranja. Varios artistas, historiadores, escritores, curadores y críticos  interesados en estas problemáticas y en la performance como medio expresivo, han sido invitados a participar espontáneamente en esta acción, sin libreto previo, sin la necesidad estética de tener que presentar una obra de arte. Varios artistas de renombre ya han aceptado participar al lado de los estudiantes de la ASAB.

 

 

Se invita a ponerse la Camiseta de la Precariedad colombiana durante la jornada del 11 de julio. La ASAB obsequia la camiseta, la acción la coloca cada cual. La propuesta tiene asociado el Café San Moritz, el negocio más antiguo del centro histórico (1936), el cual sobrevive en la calle 16 con carrera 7. ¿Sabe usted que Jorge Eliecer Gaitán era un asiduo visitante de este lugar en riesgo? ¿Sabe usted que allí se conserva una fotografía antigua del líder inmolado y que es alumbrado como alumbramos a los íconos sagrados? Pues bien, esta es una oportunidad de entrar en relación con estos restos precarios de la historia colombiana. Los y las invitamos a proponer un ícono que caracterice a nuestra época de “mala muerte”.

 

 

El ejercicio cuenta con el acompañamiento técnico del artista Fernando Pertuz, quien aceptó orientar las prácticas de los estudiantes de la ASAB.

Ojalá se animen a participar. Durante toda la tarde, habrá distribución de café gratuito para amenizar la conversación de la cual carece el arte contemporáneo en Colombia.

 

Óscar Salamanca pasó por Bogotá el día 02 de junio de 2015. Invitado por la Maestría de Estudios Artísticos de la Universidad Distrital, ofreció una conferencia en el auditorio Samuel Bedoya en la sede de La Capuchina. Habló acerca del arte como institución y de la academia como ejercicio de prácticas de poder.

«No pregunte por Arte», es la idea que Salamanca  propone para su puesta en escena. Recuerda cómo lo afectó una visita guiada en un museo, de la cual fue testigo. En una de sus solapas, el guía tenía enganchado un letrero ostentoso con la siguiente leyenda: «Pregunte por arte». Esta experiencia  le muestra cómo el saber del arte se esclerotiza en los museos, convirtiéndose en instrumento de adoctrinamiento social y político. La percepción es certera. En la contemporaneidad mercantil, el dispositivo del «Saber-del-Arte» se impone a la sensibilidad, principalmente a aquella que cultivan los y las artistas que abren su propia época. El curador de arte contemporáneo es la figura más emblemática de este pseudo-saber ideologizado, puesto al servicio del mercado de Estado. A pesar de que en la actualidad Salamanca  conforma el equipo de curadores del 15 Salón Regional de Oriente, realiza su práctica críticamente: el diagrama conceptual que les sirve de guía, cuestiona los dogmas conceptuales del arte colombiano. En especial, deconstruye los términos regional y lo regional. La idea de regionalización artística es anacrónica. La pregunta es obvia: si los dispositivos de control de los artistas, de los científicos y  de los  académicos exigen altos índices de movilidad,  ¿por qué el Ministerio insiste en mantener esta categorización?

Como artista,  Salamanca propone un arte de mediodia, irreverente con los tabúes sociales, artísticos y estéticos. Pone en marcha una microfísica burlesca y erótica en la cual las cosas del arte tienen la oportunidad de ser en sus múltiples diferencias. Pensar en arte consiste en sopesar la verdad de las cosas con humor y placer por lo diferente, por aquello que estando ahí, a la vista de todos y todas, ningún poeta tiene el coraje de nombrar, de verbalizar, de politizar. En este sentido, los gestos de Salamanca son actos políticos sin reivindicar ni para sí mismo ni para otros la fórmula mercantil de «arte político».  Salamanca sabe que este tipo de prácticas no son una tarea fácil, pero quienes aprecian sus acciones ríen con gusto y placer. A veces se molestan, pero finalmente rien. Mejorar la vida de hombres y mujeres consiste en hacerlos reír. Salamanca tiene un criterio de comprensión: si los espectadores no ríen con sus puestas en escena  es porque la obra no vale la pena. Lejos está de aquel artista que quiere adoctrinar a sus lectores.

A pesar de que tiene un doctorado en Artes, Salamanca no es el artista pretensioso de las grandes metrópolis, aquel que se engancha un letrero con la frase «Pregunte por Arte», aquel que habla de Raimundo en Cartagena y de Todo el Mundo en el Ministerio. Al contrario, habla con mesura y sencillez de sus prácticas académicas, artísticas y pedagógicas. Todas ellas son pensamiento en acto, gesto expuesto, trazo figurado, vida iluminada, sentido pintado, abierto a experiencias otras de libertad. Aquello que en verdad importa es lo que se hace, no importa si el gesto es bien o mal recibido.

Mediante el recurso del video, Salamanca hizo una pequeña retrospectiva de su producción pictórica. La verdad, sorprendió, por no decir que deslumbró al público. Nos preguntamos: ¿pero en verdad este artista viene de una región, de provincia? Quien así pregunta no es más que un provinciano. Aunque Salamaca pinta con excelencia, prefiere presentar sus ideas en el color y el tono propios de la época: a la luz de los cuerpos en performance y a la sombra de las técnicas videográficas.  La ilación no argumentativa de sus imaginarios, muestra que las grandes capitales como Bogotá tienen mucho que aprender de “sus” regiones, de “sus provincias sin cultura conceptual”. La vacuidad de la vida cultural colombiana exige mirar con más respeto las ideas que se gestan en espacios no del todo colonizados por las lógicas del mercado conceptual que se promueven desde las direcciones artísticas  del Ministerio de Cultura.

Respecto a la obra plástica de Salamanca no hay que equivocarse, pues no es un artista conceptual: no está al servicio de la técnica, ni sometido por la historia del arte oficial ni atrapado en la ideología del concepto. Al contrario. Pone a su servicio las técnicas de registro de imágenes y las herramientas del cuerpo en acción. Al final y a pesar de que algunos de sus registros son provocadores, Salamanca es aplaudido por el público en general. En mi opinión, justamente. Principalmente, porque sin expresarlo ni mucho menos ostentarlo, Salamanca se constituye en el pintor de la vida contemporánea de las grandes ciudades de Colombia, una vida en la cual la ira santa de los sumos sacerdotes del Estado, exilió el humor que reivindica el placer que claman los cuerpos. Salamanca no produce arte transcendental ni sublime,  mucho menos victimizante. Su pensamiento lo mueve la lógica de la alegría de ser pintor, aquella que propicia la aparición de múltiples figuras que se retan y tensan unas a otras a lo largo de su video-exposición-performance. Por estas caracaterísticas, ojalá haga más presencia como artista  en Bogotá y no solo como conferencista invitado en las universidades. Ojalá que los espacios no comerciales abran sus espacios a estas ideas que llegan de “provincia” a Bogotá. Ideas frescas, sin contaminación discursiva ni puestas acríticamente al servicio de ideologías acerca de las víctimas de la paz de los señores de la guerra. Como Salamanca, son muchos y muchas las artistas que tienen algo que contar con verdad.

Por fuera de la exposición, hablé con el maestro Salamanca acerca del arte contemporáneo en Pereira y de la proyección de esta ciudad como sede del 44 Salón (desinter) nacional de artistas colombianos y colombianas. No es mucho lo que se sabe al respecto, excepto que las mismas siguen con los mismos. El secretismo  es la mejor herramienta que maneja el Ministerio de Cultura: así fue en el pasado, así es en la actualidad y así será en el final de los tiempos. Lo único que queda claro es que el Salón no sale del área de influencia de Antioquia. ¿Por qué no ha cuajado la idea de un Salón Nacional de Frontera, ya sea en Pasto o en Cúcuta? ¿Se teme algún contagio bolivariano? ¡Vaya uno a saber qué, cómo y dónde piensan nuestras élites!

Del diálogo acerca del 44 Salón Nacional de artistas surgió una idea que ojalá prospere: que todas las Maestrías en Artes de Colombia, exigan al Ministerio de Cultura una apertura hacia el pensamiento artístico que se produce en las facultades de arte de Colombia, que son muchas. Las ideas que allí transitan no son apoyadas, no tienen ningún reconocimiento por parte del Estado colombiano. Señora ministra: no solo de mercancias viven los artistas.

En breve, Liberatorio publicará una entrevista con el maestro Óscar Salamanca.