Miguel Cereceda se convirtió, la semana pasada, en uno de los personajes más solitarios –por no decir más patéticos- del arte español de la última década. De manera directa o indirecta, explícita o implícita, de frente o por la espalda ¡qué raro!, un gran consenso intergeneracional habló y cuchicheó sobre la penosa gala que el IAC (Instituto de arte contemporáneo), en compañía de MAV (Mujeres en las Artes Visuales) y la Asociación de coleccionistas 9915, organizó el pasado 14 de febrero en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Días antes del acontecimiento se pudieron escuchar y leer algunas voces críticas, algunas posiciones adversas y algunas oposiciones explícitas a un evento de semejantes características (http://www.elconfidencial.com/cultura/2014-02-13/los-goya-del-arte-arrancan-con-escandalo_88516/). Uno de los galardonados, Valentín Roma, llegó a declinar el “Premio/Reconocimiento” al mejor comisariado y negó su asistencia a la gala con una respuesta suficientemente cruda: “No pretendo hacer el payaso”. Sin embargo, Miguel Cereceda, como presidente del IAC, se mantuvo firme en su convicción de que el evento resultaba necesario; el arte español, insistía, necesita un encuentro capaz de generar cercanía con la sociedad, un evento (televisivo, claro está) al estilo de los Goya (como si estos no fuesen ya un sucedáneo penoso de otro penoso espectáculo).

Pocos días después, el tiempo le dio la razón a los escépticos y la certeza a todas aquellas que estábamos completamente en desacuerdo con semejante sinsentido; algunas, por cierto, sumidas literalmente en un pasmo catatónico por la deriva de un arte español que está asimilando la crisis económica de un modo delirante. Si la tensión a lo largo de la gala resultó incómoda (los chistes malos no fueron lo único que nos exigió frotar nuestras nalgas contra el asiento) el consenso a la salida, en persona y a través de las redes sociales virtuales, resultó prácticamente unánime: aquello había resultado lastimoso (http://www.elconfidencial.com/cultura/2014-02-15/la-verguenza-ajena-toma-el-museo-reina-sofia_89639/). Las miradas de reojo confirmaban la evidencia. ¿A quién se le había ocurrido semejante gilipollez? ¿Cómo era posible organizar un evento tan casposo, tan pretencioso y, sobre todo, ¡malditxs!, tan poco gracioso? Si al menos nos hubiésemos echado unas risas, otro gallo cantaría ¿no es cierto? En el ambiente ya se cocía un sacrificio basado en chistes fáciles, críticas mordaces y gestos de una evidente crueldad. El culpable ya estaba sobre el cadalso; en realidad, toda la gala representó la marcha fúnebre de su ascenso hacia lo alto del mismo: Miguel Cereceda debía y tenía que ser desollado vivo, despellejado y expuesto como el gran culpable de una imagen, la del arte español, que quedaba mejor cuando resultaba invisible que ahora, una vez que, gracias a su labor, había adquirido cierta “notoriedad”. Ya lo decía Groucho Marx: “Es mejor estar callado y parecer tonto que hablar y confirmarlo”.

Una vez más, ahorrémonos las obviedades, la imagen del chivo expiatorio; alguien sobre quien amontonar toda la caca para que, puesta en marcha la ignición, todos los demás queden, quedemos, purificados. La vieja historia. La de siempre.

Efectivamente, Miguel Cereceda se ha convertido en los últimos días –y aunque él mismo tratase, en un gesto, éste sí, inaceptable, de “echarle la culpa” a Topacio Fresh, a partir de una supuesta defensa trans (Miguel, no te excedas)- en uno de los personajes más solitarios del arte español de la última década. Ahora bien, resulta obligatorio reconocer que, a diferencia de lo que opina la inmensa mayoría (como María Virginia Jaua, por ejemplo), no lo ha sido tanto por haber organizado un evento que nunca debería haber tenido lugar (un cabeza de turco perfecto, como algunos meses antes lo fuera, en sus propias manos y en las de tantos otros, Manuel de Oliveira), sino por un motivo un pelín más complejo. Si Miguel Cereceda se ha convertido, en estos últimos días, como digo, en un personaje patético (y aquí dejo claro que utilizo patético también en el sentido de aquel que es capaz de generar empatía), es porque se ha expuesto públicamente como el verdadero “mediador evanescente” del arte contemporáneo español, es decir, como un personaje profundamente necesario para que determinadas condiciones históricas, en este caso pertenecientes al mundo artístico, hiciesen evidente su lugar, su posición y su Verdad.

Slavoj Zizek escribió hace algún tiempo que Forrest Gump ejercía, a la perfección, ese papel del mediador evanescente al que me acabo de hacer referencia: “Recordemos –razonaba Zizek- el personaje de Gump, ese perfecto “mediador evanescente”, el exacto opuesto del Maestro (el que registra simbólicamente un acontecimiento nombrándolo, inscribiéndolo en el Gran Otro): Gump es el espectador inocente que, sin hacer más que lo que hace, provoca cambios de proporciones históricas”. No hay duda de que Miguel Cereceda -Maestro universitario de Estética, según me cuentan- encarna a la perfección, en esta turbulenta historia, el mismo lugar que aquel triste muchacho de Greenbow, Alabama. Aunque algunos -a base de críticas, chistes jocosos, sonrisas maliciosas o diatribas torquemadianas- quieran ocultar esta evidencia echándole a él, literalmente, toda la basura encima, lo cierto es que Cereceda no es el verdadero responsable de semejante desaguisado. No importa tampoco que él quiera decirnos que sí lo es (en una suerte de purificación por auto-escarnio). Cereceda tan sólo es un pequeño instrumento, un pequeño utensilio, pretencioso si se quiere, pero un utensilio al fin y al cabo, de un engranaje que no es otro que el avance/astucia mismo/a de la Razón de “nuestro” arte contemporáneo.

Con “su” gala, al igual que la gente del MACBA con la suya -como él ha recordado con gran acierto- Miguel Cereceda ha permitido sacar a la superficie lo que en realidad representa una parte importante de la élite del arte español contemporáneo (entre ellos, o a la cabeza, la élite económica de los ricos coleccionistas, claro está). Los elegidos. Las estrellas. El top del top. Los 400. Todos esos, todas esas y todxs esxs que ahora, de un modo u otro, quieren alejarse del lodazal de semejante fiasco. No es otro el gran logro que el presidente del IAC, el crítico de carácter político –incluso subversivo- que siempre nos quiso vender que era (ay de aquellos que fueron vapuleados en las páginas del ABC por ser “artistas complacientes”) ha conseguido. Cereceda ha logrado desenmascarar, desde dentro, el núcleo pútrido de gran parte del arte español actual. Porque había 400 elegidos que, digan lo que digan, se pongan como se pongan, asistieron (o apoyaron escribiendo que les encantaba la idea o su nominación), como buenos estrategas, para ver cómo se desarrollaban los acontecimientos. La historia de siempre: si la cosa va bien, aquí estoy, si va mal, me desmarco. Como dirían los viejos punkis: Puaj!!

Y entre toda esa pestilencia, a la que se podría desenmascarar paso a paso, nombre a nombre, allí estaba, encogido de hombros y con cara de póquer, el gran Leónidas al que María Virginia Jaua quiere excusar, ese gran mentiroso que ha demostrado ser Manuel Borja-Villel: un izquierdista encerrado en un gran sarcófago rojo; pero no rojo por su ideología, claro está, tampoco por decisión de Jean Nouvel, sino por quien, ya saben, paga las facturas –a costa de los desahuciados, obviamente- (más de un millón y medio de euros en concreto) para que diga y escriba cosas como: “nos guste o no, la cultura de la subvención (¿de la subversión?) se ha acabado”. Un Borja-Villel (a quien nadie menciona) que pensó, probablemente, que aquello de la Gala a lo mejor tendría algo que ver con la patraña de Salvador Dalí, y que de ese modo quizá volvería a hacer una buena caja. Y cerca de él estaban, también mezclados en un totum revolutum, muchos de los innumerables nominados, casi tantos como profesionales del arte existen –qué locura-, y, claro, también los premiados o sus representantes, haciendo chistes jocosos con los que pretendían escurrir el bulto y distanciarse de la mierda en la que ya estaban enfangados: “Que premio tan pesado” (Joao Fernandes).

Y entonces llegaron los verdaderos chistes a la salida, los comentarios maliciosos y las intervenciones en las redes sociales incidiendo en la culpabilidad única de alguien a quien poder hundir “para que todo siga igual”, para que, a base de escurrir el bulto hacia un único culpable, el lugar de cada cual en la gran pocilga que el arte elitista (o gran parte del mismo) representa, quede perfumado. Fue Nietzsche, dicen, quien escribió aquello de “El desierto crece”, algo que llevó a Nacho Criado a reflexionar sobre “La voz que clama en el desierto”. Hoy, más abyectos que nihilistas, podríamos escribir: “La mierda crece” y otro buen artista podría pensar: “La voz que se atraganta entre la mierda”.

 

A modo de coda

1. Algunos faltaron a la gala, como el ministro Wert. Obsesionado quizá con eso de que la gala era una copia de los Goya en miniatura pensó que también allí le abuchearían. Se ve que no le habían informado de que ya le había bajado el IVA al sector y que, por tanto, como máximo habría un gran silencio en el auditorio, o quizá, con un poquito de suerte, algún aplauso que otro.

2. Del patrocinio del evento por parte de seguros médicos privados en un Madrid que ha luchado con coraje contra la privatización sanitaria mejor ni hablamos, ¿verdad?

Señor Cereceda…
…en cualquier caso no se sofoque usted demasiado. Como gran mediador evanescente nos ha permitido ver, asumir y constatar algunas cuestiones importantes. Su labor ha sido necesaria (aunque a muchos, lógicamente, les moleste). Y recuerde que junto a usted, aunque ahora quieran hacerse los locos, estaban Jenny, Bubba, el teniente Dann, y tantos más (algunos de esos que hoy blanden antorchas para que no se los reconozca como parte del sarao enfermo de nuestro sentido de la cultura). Y no olvide tampoco que, en su papel, basta con ponerse en pie frente a la tumba y decir aquello de “Ha sido un fiasco (te echo de menos)… Jenny”, para que la lágrima y el moquillo caigan entre la audiencia y todos queramos abrazarle de nuevo. Nadie, sólo el Vietcom, los panteras negras y gente “de semejante calaña”, odia de veras al inocente Forrest y a la maquinaria que lo creó. Ya ha puesto usted la semilla, ya ha depurado sobre su cuerpo toda la culpa, y ya están todos tranquilos. Hecho esto, ya sabe: ¡Nos vemos en los RAC 2015, ARCO mediante!

Publicado originalmente en www.salonkritik.net

Hay una anécdota del mundo de la literatura que quizás tenga algún sentido recordar estos días. Cuando Edgar Allan Poe dirigía una de las varias revistas que editó, un señor le envió unos poemas desafortunados para que los publicara. Poe los rechazó amablemente, pero el señor se enfadó e insistió en la validez de sus textos. Poe dijo entonces: “fulano de tal nos ha enviado unos versos, los cuales hemos declinado publicar por su propio bien, pero si sigue insistiendo los vamos a publicar.”

Esta pequeña anécdota editorial ilustra a la perfección el hecho de que a veces es mejor no empeñarse en el desatino: por el propio bien de uno, pero aún más por el del colectivo, cuando se es el representante de uno. El problema no es errar, sino insistir en ello no una sino mil veces hasta consumar el desastre y arrastrar a los otros.

La insistencia y tozudez del presidente del IAC, puede a la larga ser mucho más costosa que la propia gala deslucida y sin sentido, que se llevó a cabo el pasado 14 de febrero: copia mala de la copia mala de la copia mala…

Para empezar ese empeño de poner al arte en el escaparate y bajo los reflectores o como les gusta decir: en el photocall –que ya no sabemos si hay una confusión en la vocación– no solo no conseguirá la supuesta y anheladísima “visibilidad” del arte contemporáneo español en donde es y debe ser “visible”, sino que tampoco conseguirá realmente nada de las cosas importantes para el arte, e incluso, diría, que por su vulgaridad lo aleja cada vez más de conseguir aquello de lo que realmente está urgido: la legitimidad que solo da el trabajo serio.

Si existe una desafección del público con respecto al arte quizás se deba, entre otras cosas, a que muchas de las exposiciones de “arte contemporáneo” son algo realmente incompresible, pretensioso y sin ningún tipo de sustento de investigación ni de rigor y en las que muchas veces se hace énfasis en algo que al público no se le escapa: su sumisión a intereses del mercado y del capital por encima de la búsqueda del conocimiento. Es decir: sus falacias. Y a lo que ahora se quiere sumar este afán inútil de reunir con lo que debería ser una mayor exigencia en la producción de significado, la social-banalité más hortera.

No nos cansaremos de insistir que se debe comenzar por hacer una verdadera crítica, es decir: empezar con una autocrítica radical, mucho más conveniente y necesaria que la palmadita y el premio de ocho toneladas (como bien señaló alguien que recogió uno de los galardones) dado entre colegas, con el fin de subirse la moral unos a otros, para luego tener un pequeño crédito “afectivo” con el que gestionar favores.

Esto se hizo evidente en el acto cuasi-escolar que se llevó a cabo en el auditorio del museo Reina Sofía. El texto de los presentadores de la gala, que en lugar de conseguir esa “identificación” necesaria con los asistentes (ni en la forma ni en el fondo), produjeron horror a los miembros del colectivo artístico, se mereció -ese sí, un reconocimiento al mejor “guión” de sandeces jamás pronunciado para bochorno de todos los presentes. Entre los infinitos disparates, me quedo con esta perla: “el arte es como el champagne, el arte es una confusión feliz.”

En cambio, dicho guión hizo bien evidente que ni el impulsor del evento no cree realmente en lo que hace: apoyar el arte de su tiempo. En ningún momento se mencionó el nombre de algún artista contemporáneo español y sin embargo, no se escatimaron “elogios” a Murillo, a Botticelli y al pobre de Goya… pero sobre todo el palmarés de la apología a los artistas, se lo llevó esta: “para ser realmente artista, este debe estar muerto”. En fin, uno de los doscientos mil chistes malos e involuntarios de la gala. Pero el despropósito no queda solo ahí, también se expresó por la boca llena de botox de una de los freshianfitriones, esa idea tan saludable que se tiene de la crítica: algo temible y horroroso.

Más bien nos resultó extrañísima dicha afirmación, porque supuestamente se pretende “reconocer” a la crítica y “animarla”. Mejor aplíquenla de una vez por todas y si no pueden: acéptenla y agradézcanla: al final, es por su propio bien y del colectivo al que también la propia crítica pertenece.

Otro detalle digno de mencionar es que la gala del Arte Contemporáneo se vistió de luces reconociendo como los mejores proyectos expositivos del año 2013 a dos muestras que NO son de arte contemporáneo [1]: “Contra Tàpies” (comisariada por Valentín Roma en la Fundación Tàpies y “La invención concreta” (comisariada por Manolo Borja Villel y Gabriel Pérez Barreiro en el MNCARS).

¿Os dáis cuenta de vuestras infinitas contradicciones? ¿Con qué criterio se hicieron esas valoraciones? ¿Habremos de recordarle al señor Cereceda a qué periodos y a qué movimientos corresponden los principales artistas de ambas muestras*?

Sin duda, ahí no se trataba de artistas “contemporáneos”. A menos que se considere la contemporaneidad como algo arqueológico: que mira al pasado. ¡Pero qué importa, dirá alguno, si “se trata de una fiesta” con una sonrisa desdibujada en el rostro. Pero el festejo ya se había aguado con antelación [2] y no fue a causa de la lluvia madrileña: el primero, Valentín Roma, rechazó el premio, por considerarlo una payasada y el segundo, aunque quizás le habría gustado declinar el honor, no pudo por ser la máxima autoridad de la institución que albergó el evento.

A este doble “error”, se suma otro no menos “visible”, ya que se había señalado varios días antes en las redes sociales: Cildo Meireles no es, no puede y no será ya nunca un artista “revelación”. Una vez más se manifestó la férrea voluntad del presidente del IAC en perseverar a ciegas en su propio desatino. Teniendo en cuenta que se pudo enmendar, al haber muchos artistas jóvenes notables en Latinoamérica. Algunos de ellos incluso viven en Madrid y habían sido nominados como Marlon de Azambuja, quien por cierto acaba de presentar, en la galería Max Estrella de Madrid, una excelente muestra en la que reflexiona sobre la inestabilidad y la precariedad del proyecto de la Modernidad.

Otra de las particularidades de este evento que podría tener una lectura en clave decolonial es la insistencia infinitamente cansina y española de que querer “descubrir” el Nuevo Mundo. En lugar de querer “descubrirnos” a nosotros los latinoamericanos; por qué mejor no se dejan descubrir vosotros. Lo digo no sólo porque si os dejárais descubrir quizás se lograría la tan ansiada “visibilidad” que el arte español reclama, pero también no vendría mal un cambio de roles, porque la historia se nos está haciendo un tanto aburrida. Este afán de querer ser los “descubridores” de un arte que ya tiene un lugar bastante visitado y revisitado en el mapa del arte mundial y que llegó mucho antes a Nueva York, París o Londres que a Madrid, no sólo pone en evidencia las carencias culturales, y cierto dejo de oportunismo: apropiarse de un discurso ya legitimado sin arriesgar para propio beneficio. Pues si fuera el caso de “revelar” algo verdaderamente no conocido habrían podido contemplar artistas de Asia, África u Oceanía.

El acto de reconocer el trabajo, el esfuerzo y el rigor en sí mismo no tiene nada de reprochable, al contrario puede ser bastante loable. Pero esto no se consigue con galas ni con premios, no son tiempos para ello, incluso el mismo Miguel Cereceda insistió varias veces en ello, contradiciéndose -una vez más- haciendo lo opuesto de lo que afirma; pero es que parece carecer del más mínimo criterio para hacerlo.

Además de que no son premios ni fiestas lo que el arte necesita, como él mismo afirmó en varias ocasiones, resulta curioso que se haga por medio de métodos un tanto opacos por parte del IAC (una asociación que se conocía por su defensa de la transparencia y de las buenas prácticas). Nadie entendió el criterio de las disparatadas nominaciones ni tampoco de los premios. Muchas personas se fueron con la idea de que todo se decidió a dedo por él y cuatro personas de una misma asociación, incluido su director. En ese sentido, mucho más sobrias, transparentes y coherentes han sido los métodos y las formas de la asociación Mujeres en las Artes Visuales (MAV) que en su premiación independiente y con la votación de todas sus afiliadas, demostró mucha más profesionalidad.

Aquí no se busca descalificar ninguno de los reconocimientos, al contrario, algunos de ellos muy merecidos, pero sí señalar el despropósito, la inutilidad, las contradicciones y el fiasco de insistir innecesariamente en un camino plagado de errores por pura soberbia y por afán de “figurar” en la repartición de “estrellitas”.

Porque de todos los discursos que se escucharon a unos decibeles -que rompían los oídos de los presentes, como si de una arenga politiquera se tratara, el más absurdo, fue el del impulsor de los “reconocimientos”, el actual presidente del IAC, una asociación que ve su credibilidad por los suelos, cuando su representante proclama la dignidad y la excelencia del arte junto con las de la publicidad, la televisión y el turismo, con esta afirmación contundente: “el arte nos hace más críticos y más hermosos [sic].”

Con ese bellísimo y profundo estament, digno colofón del leitmotiv incumplido de la velada “para que el arte enamore” en el día del año más propicio para ello, es que recordamos hoy la anécdota de Poe. Esperemos que por el bien propio y el del colectivo, el presidente del IAC recapacite y desista en su empeño amoroso [3] -de una vez por todas- de poner bajo los reflectores y en trasmisión en directo al “degoyado” y mal entendido reconocimiento del “arte contemporáneo” no vaya a ser que consiga la tan ansiada “visibilidad” por la que ha dado la vida.

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[1] Aunque la muestra Contra Tàpies contó con unos pocos artistas contemporáneos como Pep Agut o Vicente Vázquez/Usue Arrieta, no puede considerarse de ninguna manera como de “arte contemporáneo”, pues la mayoría de los artistas que se incluyen en ella, van desde las primeras hasta las últimas vanguardias del siglo XX. Mientras que la exposición La invención concreta centra su atención en el desarrollo de la abstracción geométrica en Latinoamérica y abarca un marco cronológico que va de los años treinta y concluye en la década de los setenta del siglo XX. Como se señala en el texto con el que el Museo Reina Sofía la presenta a los visitantes.

[2] Véase el artículo de Peio Riaño “Los Goya arrancan con escándalo”

[3] Las excusas que Cereceda está dando en las redes sociales de que “todo no fue tan malo” y echarle la culpa a la productora de televisión que él contrató, en lugar de enmendar, agravan el hecho al no asumir la responsabilidad de la errada deriva por la que está llevando a todo un colectivo.

 

Publicado originalmente en www.salonkritik.net