Libia Posada vuelve a exponer en Bogotá, y esta vez lo hace en la Galería Santa Fe dentro de la programación de nominados al premio Luis Caballero 2011.

Llama  nuestra atención por varios motivos: 1) De las cuatro mujeres nominadas al parecer milimétricamente, es la primera  que interviene en esta versión. 2) En su práctica cotidiana es una artista de frontera porque experiencia a diario la presencia de la muerte en la vida. 3) Con el propósito de flexibilizarnos y liberarnos de nuestros atavismos machistas y fundamentalistas, sus ideas exploran los bordes rígidos que aún determinan la comprensión de muchos hombres y mujeres en Colombia. 4) Permanentemente deconstruye su campo  de acción  mediante el tránsito del arte a la ciencia y desde ésta hacia el arte. Materia Gris o la Persistencia de la Memoria se constituye en el horizonte conceptual que le permite moverse con libertad entre estos dos campos, contrapuestos sólo en apariencia, y sólo para la mirada empírica de Colciencias. Puedo decir que al igual que ella, los artistas contemporáneos tienen claro dos máximas para la acción: 1) No puede haber ciencia sin libertad creativa. 2) El arte corre el riesgo de convertirse en una banalidad relacionista si no se lo aborda con cuidado y dedicación científicos. En la propuesta de Posada podemos apreciar que la ciencia puede ser algo más que lógica argumentativa. Mediante este enfoque epistemológico, podemos decir que el arte y la ciencia comparten conceptos que no pueden ser reducidos a constatación empírica. Ciencia y arte se pueden encontrar cuando un creador logra emanciparse de sus condicionamientos empíricos, epistémicos, discursivos, sociales y políticos.

El proyecto de Posada tiene por subtítulo Sobre la Inoperancia de la Razón, y, a semejanza de cualquier proyecto de investigación serio, formula una pregunta que le sirve a la artista para modular su pensamiento: ¿Qué sucede en la estrecha frontera entre humanidad y bestialidad, entre cultura y barbarie, entre vida y muerte? Como veremos, Posada explora ese entre que plantea su pregunta para responder finalmente con otra pregunta. La virtud de su propuesta consiste en que ella habita desde dentro ese entre que le sirve de contexto de creación. Sólo mediante la exploración del adentro puede establecerse una relación externa. Si acoge el modelo científico para formular preguntas con rigor positivista,  también nos sorprende la libertad y la habilidad plásticas con la cual responde su inquietud formal. Es notable la rehabilitación de técnicas tradicionales en sus manos. Con el propósito de crear imaginarios disruptivos en las sociedades contemporáneas, Posada explora las posibilidades que aún ofrece el dibujo a los artistas que todavía no han sido domeñados por las nuevas tecnologías y los discursos-mercancía. Sus disrupciones estéticas nos muestran la fragilidad de nuestra realidad, la cual suele devenir con facilidad un estado de cosas opuesto a aquel del cual proviene. La artista nos habla de  humanidad-barbarie, de cultura-barbarie y de vida-muerte. Otras oposiciones son plausibles y quizá aún más sugestivas para el arte contemporáneo que pensamos en Colombia: la frontera inestable entre hombre y mujer; el dispositivo mediante el cual la máquina reduce al hombre; y la compulsión fingida que transforma el arte en mercancía.

Posada ha realizado en el pasado dibujos confeccionados con hilos de gaza quirúrgica, un material con el cual está bastante familiarizada en razón a su profesión médica. A lo Beuys, manifiesta un afecto especial por ese material y lo ha elaborado, deconstruido dice la artista,  para vehicular su pensamiento. Desde 2004 en que comenzó su serie Neurografías, ha mostrado vivo interés por los procesos mentales en que estamos atrapados los colombianos. Desde entonces, el dibujo instalado ha estado presente en sus propuestas importantes; dicha técnica se ha constituido en el medio que le ha permitido pensar estéticamente. En este contexto, instalar quiere decir relacionarse desde dentro con un lugar específico por medio del pensamiento, lo mismo una pantorrilla de un desplazado  que busca un lugar en el mundo, que el rostro desfigurado de una mujer violentada, paradójicamente, por la cultura.

Materia Gris es un proyecto en el cual ha dejado aparentemente la gaza y el hilo  quirúrgicos con los cuales presionó las limitaciones espaciales del dibujo. Aparentemente, porque el concepto que inconscientemente trabaja en el Luis Caballero es el mismo: el artista como suturador. De la misma manera que en su profesión médica tiene la responsabilidad de cerrar heridas, como artista intenta acercar a los contendientes sociales. Nos muestra que las creencias fantasmáticas que justifican nuestros actos más bárbaros son ficciones del cerebro concebidas por una mente astuta para asustar a los incautos. Posada coincide con Rodolfo Llinás: el cerebro es una máquina de falsificar realidades.

Seis video-dibujos han sido instalados en la Galería Santa Fe, los cuales fueron elaborados con hilo industrial mediante una especie de action drawing, pues durante la confección de los dibujos el cuerpo de la artista se desplaza en el espacio que abre su respiración tratando de trenzar la realidad para hacer visible  los pensamientos que subrepticiamente rondan nuestro entendimiento. Los dibujos fueron concebidos para mostrar la volatilidad del pensar, su inestabilidad y sus obsesiones más primigenias. Dispuestos dinámicamente, los dibujos tienen dos propósitos: 1) Constituirse en  soporte de una video-instalación, aunque no puestos a su servicio. 2) Potenciarse uno al otro para construir el sentido que exige el entendimiento de los espectadores. Por un lado, sus dibujos no son receptores pasivos, pues, intervienen las imágenes que entran en la maraña de hilos que se desplazan en libertad por todo el espacio comprimido que la artista pensó para tal propósito. Por otro, el montaje genera unas relaciones internas entre los elementos de la composición con el propósito de propiciar muchas lecturas. De manera inconsciente, Posada hace un giño a la estética clásica: toda obra de arte tiene la potencialidad de mirarnos con mil ojos. Insiste en que un artista no debe determinar ninguna interpretación; reducir esos mil ojos a uno sólo es violentar la sensibilidad del espectador. Lo que el artista tiene que decir queda expresado en los objetos que modela.

En diálogo con unos videos que se nutren de imágenes de archivo, sus  dibujos logran sostenerse estéticamente  y neutralizan el ímpetu avasallador de los nuevos medios. El video instalado sobre la pared del sector norte de la Galería, contiene una sonoridad que contribuye a activar el sentido que se reservan celosamente los otros cinco videos instalados. Gracias a este recurso la Galería logra respirar, así sea artificialmente, por ahora. Percibimos una respiración como aquella que se genera mediada por los aparatos de respiración artificial que se disponen para atender cuerpos en emergencia. Nos imaginamos a la artista en el quirófano siendo mirada de frente por la muerte, experienciando el vacío que abre la presencia de la muerte que se anuncia inesperadamente. Posada acepta el reto de su mirada, y observa  de cerca, con escrupulosidad científica y estética, cómo opera eso que llamamos Materia Gris dentro de ese aparato de guerra en que se puede convertir el cerebro humano cuando se encierra en sus fantasmagorías y opta por extinguir la diferencia con la cual lo reta el mundo.

El proyecto de Posada es riesgoso porque previamente ha venido abordando una línea creativa que trabaja de manera simultánea problemas de desplazamientos forzados con aquella otra por la que es más conocida: problemas específicos de género. En esta oportunidad optó, este es el mérito de su trabajo, por explorar la línea de los desplazamientos y condicionamientos cerebrales. No quiere encasillarse en los problemas de género, como lo hace Vanessa Beecroft, a quien conoce bien para mantenerse a distancia de su glamur; tampoco desea que se la identifique como alguien que se está aprovechando impunemente de la desgracia y el dolor de los demás para hacer una carrera artística cómodamente, o que se la confunda con  una artista humanitarista con poca imaginación. Posada asumió el reto de traer al Luis Caballero otras ideas y otros problemas, tan relevantes y acuciantes como los de género. Y, hay que decirlo, logró unas imágenes con belleza plástica que suscitan sutilmente muchas inquietudes en los espectadores. En la libertad de la línea que exploran sus dibujos podemos encontrar algo de Sol Lewitt, poco importa que en este proyecto nos la presente comprimida.

El sector oriental de la Galería fue intervenido para darle carácter a su instalación.  Debemos recordar que instalar es deconstruir un lugar desde dentro para encontrar y habitar lo propio en sí mismo. La búsqueda de este sí mismo en nosotros es la relación auténtica. La instalación es una apropiación en la cual nos despojamos de las banalidades que nos determinan y  acogemos lo propio que nos habita en silencio, sin estridencias; –es una transacción al final de la cual quien se ofrece con humildad a escuchar el sí mismo, y quien se manifiesta generosamente en la acción plástica  salen transformados internamente. Toda instalación es una acción que transfigura la realidad.

Posada  bloqueó el acceso principal a la Galería y acondicionó arquitectónicamente  la entrada auxiliar. Dentro del espacio construido en torno a la entrada principal instaló dos video-dibujos paralelos en los cuales irrumpen imágenes de archivo alusivas a nuestro pasado fantasmático. El montaje de estos dos videos  propicia en el espectador una construcción de sentido similar a la que buscaba  generar Eisenstein con el montaje dialéctico. Relacionamos las imágenes de los dos video-dibujos y construimos un sentido que no está en cada uno de ellos. Lo que vemos en estas dos cajas de vidrio son cortes cerebrales. Aunque este es el momento oportuno para desprendernos del lenguaje positivista de la ciencia y comenzar a hablar en términos plásticos.

La propuesta de Posada es un conjunto de retratos cerebrales. Es un retrato de sí misma, de ese nosotros que furtivamente nos habita. Las imágenes que apreciamos mediante estos retratos ubicados en el sector oriental nos hablan del hombre como ser-para-la-depredación. Con esta ganancia conceptual comprendemos el sentido de los otros tres retratos instalados en el centro de la Galería. ¿Un chimpancé atrapado en su propia jaula? ¿Un ratón aconductado moviéndose frenéticamente tratando de violentar  las fronteras que su cerebro le ha implantado? Estas imágenes que deambulan en libertad dentro de los dibujos  son más difíciles de construir y hubiera sido deseable que la artista hubiese podido mejorar su resolución. No obstante, Posada nos exige concentrarnos hasta decodificar plenamente las imágenes que rondan la Materia Gris que está expuesta en las cajas de vidrio, cajas que emulan los acuarios o los vasos para conservar órganos en formol. ¿El hombre contemporáneo es conservado en formol mediático? Si surgimos del agua, ¿el formol es el último estadio de nuestro proceso de evolución?

Finalmente, durante nuestros recorridos nos detenemos en el video instalado en el muro occidental.  Nos preguntamos quién podrá ser aquel quien allí salta al vacío; queremos saber de qué está hecho ese vacío; sería ingenuo decir que de agua, tal y como exige una lectura empírica del video. ¿El vacío que tememos en la contemporaneidad es la propaganda con la cual hemos sido aconductados? Deseamos saber si el suicida sobrevivió a la caída que  registra el video; no obstante, nadie puede sobrevivir cuando opta por lanzarse al vacío de la propaganda. El vacío es prolífico solo cuando abre nuestro entendimiento a la libertad. También nos inquieta ignorar si el suicida era un hombre o una mujer. La artista responde categóricamente: “es una persona”. De esta manera blinda su trabajo para que no se elaboren interpretaciones de género. El proyecto de Posada trasciende los problemas de género, así esa voluntad de tejer que se expresa en sus dibujos evoque el clisé de Andrómaca. Su respuesta, finalmente es una pregunta: ¿sobreviviremos después de haber saltado  al vacío? A diferencia de la investigación científica, Posada nos ha mostrado que una investigación artística necesariamente debe culminar con una pregunta. Esto es todo lo que puede aportar un artista a su época. El artista inicia época con la pregunta mediante la cual se le revela su interioridad, no poca cosa. ¿Podemos convencer de esta peculiaridad estética a Colciencias? Posada inició su proyecto como científica y lo terminó como artista, tal y como exige esta convocatoria. El artista contemporáneo puede comenzar sus indagaciones de manera positiva pero debe tener la entereza para liberarse de esta escalera oprobiosa y trascender a una región plástica, flexible, libre, que propicie la emancipación que promete toda obra de arte a sus lectores.

En general, seis videos fueron instalados a lo largo de la Galería Santa Fe. Nuestro horror al vacío demanda más apoyos visuales para morigerar la ansiedad primigenia que suscita el vacío. Criticamos a la artista por no haber colmado la Galería de manera tal que satisficiera esta ansiedad, la censuramos por no haber impedido el descubrimiento de nuestra subjetividad en ese vacío, potenciado por los video-dibujos instalados. Un aficionado puede decir que el espacio de la Galería le ganó el pulso a la artista. No obstante, debemos tener en cuenta que a este respecto, Posada tomó decisiones fundamentales. Durante el proceso de montaje decidió no montar un video que había concebido para instalarlo simétricamente en el sector sur de la Galería, con el cual ésta no se habría visto tan vacía como la vemos con los seis video-dibujos que finalmente fueron instalados. Posada intuyó con éxito que sólo mediante la exploración del vacío podía activar el pensamiento para aquello que tenía en mente. El vacío es para vivenciarlo, no para ahogarse en él. Los video-dibujos están instalados para potenciar el vacío  y generar la ansiedad que detona el pensamiento que abre espacios de emancipación, una vez nos hemos descubierto como sujetos morales. Sólo mediante este estado afectivo podemos darnos cuenta de la caída-noche-barbarie que aún no termina. Este estado de ánimo puede propiciarse, sólo si previamente  acontece la ansiedad que surge con el vacío. La propuesta de Posada es una obra para el vacío y así debemos comprenderla. El vacío que piensa no propicia el suicidio. Al contrario, nos abre horizontes de libertad una vez nos descubrimos como sujetos morales.

Posdata para la administración del Premio:

1)  Inaugurar ocho días después de haber sido abierta al público la exposición, es en verdad quitarle ese mismo tiempo al artista y a los ciudadanos. ¿Qué se pretende como esta medida tan sui generis? ¿Alguien puede responder sin encabritarse?

2) La pancarta que anuncia las exposiciones en la fachada del Planetario Distrital da grima, es de una pobreza visual que no llama la atención de un copetón. Ojalá no se sigan descuidando estos detalles, de los cuales, sin duda, debe responder la administradora de la Galería. ¿No hay presupuesto para financiarle a cada artista una pancarta más digna, más interesante para los cientos de ciudadanos que transitan a diario por este sector? ¿Cuáles son las estrategias pedagógicas que despliega la administración de la Galería para atraer a los espontáneos? Por lo menos una pancarta mejor diseñada para este sitio estratégico podría ser un buen comienzo.

3) No nos explicamos por qué desapareció el catálogo que se distribuyó en las otras versiones. ¿Por qué se le sustrae al premio estas pequeñas cosas que son fundamentales cuando se piensa en los ciudadanos que visitamos la Galería Santa Fe? ¿Es este un indicador de eficiencia administrativa que satisface a los tecnócratas pero que deja un sinsabor en los artistas y los espectadores?

Fotografías:

Cortesía de Ricardo Muñoz, artista plástico quien en este momento realiza una exposición individual en Arte Cámara, con el proyecto Retratos de Cámara, un trabajo in situ. Estará abierta hasta el 13 de agosto de 2011, en la  Avenida carrera 68 No. 30-15 Sur.