Por: Ender Rodríguez
Fecha: octubre 24, 2021
“Sensacionalismo”, post-verdad y otras reflexiones ante “ciertas artes del show” *
“Un pintor se pierde cuando se encuentra a sí mismo”.
Max Ernst.
Decir qué es la verdad, la anti-verdad, la “post-verdad” o qué no es verdad en los tiempos actuales, creo que es algo muy parecido, científicamente, a un esplendoroso “dolor de ingle” o de psiquis contemporánea (¿migraña planetaria?)
El italiano Salvatore Garau vendió en mayo de este año 2021, una escultura inmaterial, “inexistente o invisible” digamos, por la —no tan pequeña— suma de 15.000 euros, denominada: “Yo soy” (o en italiano “Lo sono”). Eso no podría sorprendernos tanto, a pesar de la cantidad de cash o pasta —como le llaman al dinero a veces—. Lo que nos sorprende divertidamente, es que otro “artista” norteamericano de nombre Tom Miller, amenazó públicamente a Garau por robarle su gran idea sobre ese mismo arte inmaterial que a él ya se le había ocurrido primero. O sea, que hablamos de un posible robo intelectual muy ruin. Es más, Miller dice que su obra intitulada “Nada” (o “Nothing” en inglés), la realizó en 2016 y la trabajó con cinco personas, quienes cargaron impresionantes “bloques de aire” para poder fabricar esta “alucinante pieza imaginaria” y por lo que estaba exhaustamente indignado.
Me digo entonces, ¿tendrá razón este “—no tan— pobre hombre” indignado o será que por el contrario se prepara un “show” para el próximo reality de Non Visible Art? Veamos el asunto con más detalle, luego del polémico suceso de la venta de tal pieza y la posible demanda; hubo otro “artista” español cuyo nombre es Boyer Tresaco, el cual también se indignó extremadamente, mientras afirmaba que él había ejecutado este tipo de obras invisibles desde hacía años y por ello, a él también le robaron “sus grandiosas ideas”. Diversos “hacedores” de “este tipo de arte” se preparan para crear el “Museo de Arte No Visible” (o “Museum of Non Visible Art” por sus siglas en inglés). Por cierto se vendió recientemente por la “nada imaginaria” suma de diez mil dólares, una obra “inmaterial” denominada “Aire Puro”, la cual tenía su certificación específica en papel real, y además al entregarse a su comprador, contenía el siguiente y “hermoso texto”:
“El aire que estás comprando es como un tanque con una cantidad ilimitada de oxígeno. Donde quiera que estés siempre podrás respirar el aire más delicioso y puro que la tierra puede producir. Cada respiro te da una paz infinita y salud. Puedes llevar esta obra de arte siempre contigo porque así donde quiera que estés podrás imaginarte respirando el aire más limpio de la cima de las montañas, campos o del océano”.
Por otra parte, la obra “Piedra Dorada” que se ofrece para la venta en este mismo Museo, pesa 2.500 kilogramos (2 toneladas y media) y según su autor, es una pieza muy, pero muy fácil de transportar. Lo cual me divierte al extremo. Quizás, no solo se trata de “neo-liberalismo” para “cierto mercado” de “cierto arte”; de repente también se trata sobre el “espectacularismo” que vende extravagancia y rareza instantánea, mientras el planeta sufre su Covid, post-calentamiento y una “próxima guerra digital neo-apocalíptica” ¿Quién sabe?
Yo me pregunto: ¿y si en mi caso lograra vender poemas invisibles y corticos de tres líneas apenas a 400 dólares cada uno? Podría ser todo un acontecimiento vender “esos” poemas “míos”, donde se hable sobre dragones devoradores de palabras roji-amarillas y ovnis y virus parlantes y galaxias y “absurdidades” que habitan mi “yo” imaginario. Acto seguido de la incómoda y polémica transacción, veré a los tipos de la Interpol o a los CICPC o al SENIAT de mi país buscando meterme preso. Parafraseando a Peter Brook, hijo de judíos rusos emigrados y Premio “Princesa de Asturias de Las Artes”, uno cree que ha hallado algo espectacular y seguramente, solo apila montones de mierda con felicidad y orgullo. Este ensayo no busca en lo absoluto marcar una línea del tipo “moralista” o decir desde lo “políticamente correcto: “qué es arte y qué no lo es”. Tampoco se trata de eso tal discusión, porque el maniqueísmo compulsivo, los extremismos amarillistas y los blancos y negros —sin los grises—, no nos permiten ver cada matiz de análisis de la pluralidad de la vida misma. Obviamente, como autor en este texto sí se juega a lo irónico y a tratar de generar “criticidades” y pensamientos reflexivos al respecto. En todo caso, cada persona y sociedad, complejamente, tendrán que reflexionar y asumir sus senderos interpretativos y eso sí, quien desee comprar “Estiércol dulce de ángeles invisibles” o “Nubes de oro disecado de dragón del año 1.330 igualmente invisibles” por un monto de trece millones de dólares cada pieza (y que de paso le sobre el dinero); pues ¡Muchas felicidades! Yo todavía espero vender mis poemas igualmente invisibles por 400 dólares cada uno para financiar proyectos muy, pero muy visibles.
Imagen de la obra “Comediante”, o sea una banana pegada a la pared con cinta de embalar de Maurizio Cattelan, vendida por 120 mil dólares al Museo “Guggenheim”. Imagen tomada de internet.
La primera exposición de Maurizio Cattelan consistió en una especie de fiesta para periodistas y otros invitados, pero resulta que al llegar a la entrada de la galería se encontraron con un cartel pegado que decía “Vuelvo enseguida” (en italiano “Torno subito”). Esa era la obra. No había nada adentro y el “artista” nunca regresó. Sobre estas temáticas, ya traté algunos puntos en mi ensayo “Desmitificaciones, más allá de la apropiación en el arte” publicado en Liberatorio / Colombia (Bogotá) en 2021. Volviendo al tema de lo invisible, creadores como Andy Warhol, Yves Klein, Cattelan y Yoko Ono han desarrollado sus obras sobre esta particular tendencia.
Con respecto a tantos asuntos turbios entre arte y sociedad nos dice Mercedes Ezquiaga, lo siguiente:
“El antropólogo y ensayista Néstor García Canclini decía en su libro “La sociedad sin relato” que “el arte es el lugar de la inminencia” y desde el año 2008 para acá, “trabaja en las huellas de lo ingobernable” Tomado-consultado el 11-10-2021 y disponible en https://www.telam.com.ar/notas/202106/556749-una-escultura-invisible-o-la-historia-de-como-el-arte-se-abrazo-a-la-extravagancia.html .
Detalles de realización de obra: “Aliento de artista” por Piero Manzoni en 1961. Imagen tomada de internet.
Nos dejaba dicho Manzoni que: “Todo lo que sale de un artista es arte”. Y entonces, unas de sus obras las denominó “Aliento de Artista” (o “Artist´s Breath” en inglés) a través de la cual, el creador en 1961 inflaba globos y luego, los adhería a una tabla de madera. Por cada litro de aire éste cobraba 200 liras, pero luego al evaporarse lentamente su aliento; ya la obra se quedaba sin valor. Decía Manzoni: “Cuando inflo un globo, insuflo el alma en un objeto que se vuelve eterno“. Este “creador” pensaba que el artista volvía de algún modo eterno o demasiado fabuloso todo lo que tocaba o intervenía. Aunque no todo lo que sale de un artista es arte, podríamos decir también llevándole la contraria a Manzoni.
Ives Klein en 1958, planteaba de modo conceptual, procedimental y de una manera sumamente interesante, su propia búsqueda de lo inmaterial y de la dignidad del vacío, así como de intercambio de lo energético; que a su vez, como prácticas de investigación y acción distaban mucho de los “espectacularismos” actuales con lo invisible en el “arte”, algo quizás más parecido al “show” como igualmente al negocio. Revisemos estas palabras y textos al respecto:
“La esencia del arte inmaterial la expresa él mismo Klein: Mi trabajo con los colores me ha conducido, en contra de mí mismo, a buscar poco a poco, con ayuda (de algún observador, de algún traductor), la realización de la materia, y he tenido que luchar y decir hasta el final de la batalla. Mis pinturas ahora son invisibles y me gustaría mostrarlas de una forma clara y positiva en mi siguiente exposición parisina en la galería Iris Clert. Con todo el protocolo de una inauguración la “exposición du vide” de 1958 en Clert consistía en un espacio vacío. El arte inmaterial es conocido en la obra de Yves Klein. El artista se encargó de ofrecer e intercambiar espacios vacíos en la ciudad de París a cambio de oro. No se trataba de una venta, sino de un intercambio simbólico entre el máximo valor material y el mínimo. Yves deseaba de sus compradores la experiencia “muda” de adquirir un espacio vacío. Desde esta experiencia se puede comprender que la pureza del vacío sólo se puede intercambiar por igual con el más puro de los materiales: el oro. De esta forma se restablecía el “orden natural” que dejaba una transacción de venta de un espacio vacío (que debaja tras la operación de intercambio no “vacía” nunca más). De igual forma Klein lanzó oro al río” .[1]
El concepto y las metáforas sobre el vacío, la nada, el simbolismo de lo poco perceptible y la energía presente en todo, es algo sumamente poético e inclusive filosófico. Sobre estos temas y el gran Joseph Beuys, María José Santín nos expresa lo siguiente:
“…La materia no es estable ni permanente. Según Beuys, es una substancia animada, dotada de una dimensión espiritual común a todas las criaturas. El planteamiento del artista, próximo a la ley de la conservación de la energía de Helmholtz y a la física cuántica, considera la materia como energía. La ciencia plantea que la estabilidad de la materia depende de una poderosa red de energías que la mantiene en el estado que percibimos. Para Beuys, el calor es la energía evolutiva fundamental, se transmite por los seres vivos y es el principio creador de la materia. Por medio de los cambios de temperatura comprueba cómo los materiales que utiliza cambian de forma y de estado o son capaces de moverse. Al igual que la materia, la forma tampoco es un concepto estático y definido. Beuys considera que la forma se define a través del movimiento. Se trata de una forma cambiante, flexible y termosensible.
La forma y la materia parten del caos y de la energía indeterminada para experimentar un proceso de transformación, de movimiento dirigido al modelado y definición de la forma y a la materialización de la energía. Sin embargo, aunque se trata de un proceso hacia el “orden”, no se puede establecer cómo será la forma modelada en esa materia. Existe una tercera variable, la fuerza caótica, de carácter impredecible, capaz de convertir lo amorfo en estructura formal. Beuys la identifica con la voluntad de ser del material que se pone en marcha a través del sentimiento (movimiento) para concluir en un pensamiento (forma).
Cada porción de miel, grasa, cera o fieltro lleva asociado un bagaje connotativo y denotativo que se hace manifiesto en la energía emanada por cada materia y en los antecedentes experienciales y formales que definen su esencia y espiritualidad. Todo ello se incorpora a la estructura creativa de la obra, lo que la convierte en un ente expresivo.
Cada objeto descontextualizado y reutilizado aporta, asimismo, una envoltura experiencial, fruto de su uso y funcionalidad y la expresividad que le confiere su nueva existencia polivalente…” [2]
Joseph Beuys impregnado de polvo de oro y miel explicando arte a una liebre muerta en su performance del año 1965. Detalle de la imagen, tomada de internet.
Uno no está en contra de lo invisible ni nada de eso, al contrario. El asunto con lo cual ironizo o retrato con sátira, es la “espectacularización de cierto arte” y el “show de lo extrañamente artístico” como exotismo y millonarias sumas “nada invisibles” para mantener ese mismo show de complejidades excéntricas. De resto todo lo invisible o la invisibilidad de lo poco tangible, me es sublime, delicado, excelso. Hay ciertos “shows de arte” que sí nos deberían apasionar mucho más y que son sumamente necesarios también, e inclusive urgentes.
El bellísimo poema del anti-poeta chileno Nicanor Parra, nos dice algo “imaginario” como tal:
“El hombre imaginario / vive en una mansión imaginaria / rodeada de árboles imaginarios / a la orilla de un río imaginario. / De los muros que son imaginarios
penden antiguos cuadros imaginarios / irreparables grietas imaginarias
que representan hechos imaginarios / ocurridos en mundos imaginarios
en lugares y tiempos imaginarios. / Todas las tardes, tardes imaginarias / sube las escaleras imaginarias / y se asoma al balcón imaginario / a mirar el paisaje imaginario / que consiste en un valle imaginario / circundado de cerros imaginarios.
Sombras imaginarias / vienen por el camino imaginario / entonando canciones imaginarias / a la muerte del sol imaginario. / Y en las noches de luna imaginaria
sueña con la mujer imaginaria / que le brindó su amor imaginario / vuelve a sentir ese mismo dolor / ese mismo placer imaginario / y vuelve a palpitar
el corazón del hombre imaginario”.
Nicanor Parra.
El arte es libre y tampoco debe ser serio o demasiado rígido para ser arte. Tenemos la frase del gran pintor Lucian Freud que reza: ”El arte es para incomodar a los seres humanos”. Para otros artistas el arte salva, cura, o hasta perturba, depende de cómo se le vea o entienda (¿o desentienda?). Hay todo tipo de artes y propuestas o prácticas de creación muy diferentes, y según Beuys cada hombre es un artista. Refiere esta frase a que cada ser humano, tiene esa capacidad artística para generar sus maneras “creactivas” de ser y hacer las cosas desde sus propias narrativas interiores para manifestarse con su “inteligencia”, digamos son artistas de la vida, esto no quiere decir que cada ser humano es un escultor maravilloso o cineasta, dibujante, no necesariamente; la idea es que hacer cosas, producir o construir podría ser un “arte” de la vida misma.
Obra escultórica “Bag Dog” de Richard Jackson de más de 8 metros de alto en el “Orange County Museum of Art” de Newoport Beach, California, EEUU. Imagen tomada de internet.
Una vez terminada la obra “Bag Dog” en el Museo “Orange County” el propio artista, se subió a ella y lanzó un cubo de pintura amarilla sobre la pared para finalizar su trabajo. Es decir que el perro se mee (orine) en el arte, es algo sumamente expresivo como tal. De hecho un perro se hizo una vez en una de mis obras. En el arte contemporáneo sobre todo, el humor y la auto-burla del propio artista y hacia el “sistema o campo del arte” se hacen parte de la manifestación estética y más que estética.
Hay artistas de artistas. El papa Pio Nono IX en 1857, en una cruzada moralizadora supuestamente contra el sexo y la decadencia de él, mandó a mutilar los penes de más de cien estatuas o esculturas en el Vaticano y les colocaron hojas de parra de yeso o bronce en ese sitio. Su ardor anti-penes le causó seguridad personal y se sintió íntegro, pero no siempre se salen con la suya los religiosos. El gran Miguel Ángel Buonarrotti sí lograba vengarse estéticamente de sus detractores. La mayor burla la ejecutó en la obra “El Juicio Final”, el cual pertenece a los frescos de la Capilla Sixtina, contra el maestro de ceremonias del Papa Pablo III, Biogio De Cesana, quien se mostraba escandalizado por los desnudos de Miguel Ángel y hacía todo por actuar contra éste. Así que el artista retrató en esa obra sobre el infierno, al propio Biogio De Cesana con unas inmensas orejas de burro y con una serpiente enroscada a su pecho mordiéndole los testículos. El ofendido acudió al Papa y éste no hizo caso alguno contra el pintor. Y si de penes se trata, hay que visitar en Corea del Sur el Parque “Haesindang” en Samcheok, el cual se realizó como tributo al órgano sexual masculino con una cantidad importante de falos gigantes y esculturas eróticas y como homenaje a la efervescencia viril.
Parque “Haesindang” en Corea del Sur. Imagen tomada de internet.
No sabemos si la artista serbia Marina Abramovic de ahora, que se cuela entre las estrellas Jay—Z o Lady Gaga, o que Hollywood la observa pensando en cine y Nueva York le abraza también en la farándula; no sabemos si Marina hoy, sea la misma Gran Marina Abramovic que conocimos y que desde los setentas desarrolló performances y acciones sumamente intensos, transgresores y con gran densidad tanto como provocación. Solo basta recordar esa acción duracional suya de 1974 denominada “Rhythm”, donde durante 6 horas de pie, se exponía a que el público ante una mesa con 72 objetos que incluía un revolver y balas, pudiera hacer lo que deseara con su integridad. La artista cubana Tania Bruguera en la Bienal de Venecia de 2009, mientras leía un texto sobre arte y compromiso, cargó la pistola calibre 38 que tenía a su lado, con una bala 9 milímetros e iba leyendo y jugando a la ruleta rusa frente al público. En el cuarto intento Tania apuntó al cielo y el arma allí sí disparó.
Marina Abramovic en su performance “Rhythm” de 1974. Imagen tomada de internet.
Existen todo tipo de artistas y existen quienes analizan a los demás artistas sacando sus propias conclusiones. Sin ganas de romantizar o de repente idealizar a algún artista “porque sí” o tajantemente; podemos revisar la manera extrema en que a veces se dice algo o se afirma “un algo sobre otros”. Por ejemplo el Youtuber y pintor español Antonio García Villarán con muchos fans, dice sobre el legendario pintor Van Gogh que “fue el peor de los pintores del impresionismo”. Por si eso no fuera poco, remata afirmando que Joán Miró ha sido el “peor pintor de toda la historia del arte”. Y por último, para finalizar comentaba Villarán que las obras del pintor colombiano Fernando Botero son solo “Mierda”. Tampoco se podría decir que Botero es un “genio”, ni nada de eso. Los genios no existen según creo. Para la crítica de arte mexicana Avelina Lésper, de quien ya he tratado el tema en otros ensayos, el artista conceptual e ideólogo alemán, del grupo Fluxus”, Joseph Beuys según ella “fue un simple charlatán” y quienes se dedican a lo que Lésper denomina “VIP” (Video Instalación y Performance) lo hacen según ella –palabras más, palabras menos- porque no saben pintar, no poseen talento (en cambio los pintores renacentistas sí sabían pintar) y porque además todas esas expresiones, no son arte. Hay algunas reflexiones de Villarán y de Lésper que son válidas obviamente o que son interesantes, acertadas; pero otras son muy discutibles, subjetivas y algo “temerarias”.
Imagen tomada de internet.
Ante todo esto, podemos preguntar: ¿qué es la verdad y qué no? Se habla de la Post-verdad hoy día. Pero eso, ¿con qué se come? Será charlatanería intelectual, gourmet para turismo confinado, pose de modas, leer macro-filosofía como animales políticos o ¿de qué se tratará la cosa? La palabra post-verdad según algunos estudiosos está relacionada con afirmaciones que se sienten como reales, pero que no tienen una base comprobable. Este término se ha puesto en boga sobretodo, luego del Brexit en el Reino Unido, el rechazo al acuerdo de Paz en Colombia y las elecciones donde Donald Trump en EEUU ganó como presidente, creando nuevos panoramas y derribando paradigmas sobre posibles verdades o mentiras absolutas. Ponernos a fondo a buscar conceptualizaciones no le veo ningún sentido; pero si de verdad tratamos, cada mentira puede ser una verdad socialmente, y cada verdad podría esconder callejuelas enmarañadas desde encubiertas mentiras que luzcan como verdad. Cuando se trata de lo mediático y de generar supuestas verdades en públicos inmensos con ayuda de los mass media podríamos hablar del profeta de la internet, el ideólogo Herbert Mc. Luhan y su planteamiento de que cuando se domina en información masiva hacia las gentes “el medio es el mensaje” ¿Existirá la contra-verdad o la anti-verdad? ¿Y la pre-verdad qué?
Jeff Koons con su “obra” en acero inoxidable: “Rabbit“, la cual vendió en más de 90 millones de dólares.
Jeff Koons es posiblemente el “artista” o digamos “empresario o publicista conceptual” más cotizado actualmente. En sus inicios pasa de la Escuela de Arte de Maryland y luego del Instituto de Arte de Chicago, a trabajar en Wall Street. Entre algunas de sus obras: juguetes, artefactos y muñecos inflables y por otro lado, la apropiación en su trabajo es también una constante, aunque algunos le han acusado más de plagio que otra cosa, y de hecho se ha visto en variados procesos de demanda legal.
Según Barnebys Magazine:
“…A finales de la década de 1980, Koons continúa con su investigación visual particular con la serie “Banality”, que incluye la famosa escultura que representa a Michael Jackson retratado junto con su mono doméstico llamado Bubbles. En una especie de reelaboración de la fama de 15 minutos de Andy Warhol, Koons ha jugado y continúa jugando con la idea de celebridad y con su papel de artista, una primacía que siempre ha competido con Damien Hirst…La provocación, el ready-made, la cultura pop, el kitsch y la exasperación de lo banal son temas recurrentes en la obra de Koons y lo han convertido en uno de los artistas vivos más populares del mundo. “Se trata de educar a la gente y una forma de hacerlo es a través del arte. Intento educarlos, con mi trabajo, sobre el materialismo. Trato de mostrarles la verdadera lujuria visual” (Jeff Koons). Como todo personaje público, Jeff Koons, tiene admiradores y detractores. Su trabajo es halagado por el público y los coleccionistas, de la misma manera que atrae críticas de plagio, cinismo y especulador. Sea como sea…” [3]
En esa odisea de celebridad y escándalo, se ha movido una parte del trabajo de Koons quien, posee una cantidad de personal a su cargo, y los pone a trabajar en sus ocurrencias, por su puesto estas piezas no son elaboradas a mano por su “ideador”. Por ello, algunos lo ven más como un hacedor de su “marca” o como su propio manejador de marketing. La especulación en el alza casi inmediata de precios de obras “de arte” famosas oxigena el debate entre “arte” y comercio.
“Tras cuatro años de litigio, en 2018 Koons fue condenado a pagar 135.000 euros por plagio al director artístico Frank Davidovici. Su escultura «Fait d’hiver» (1988) plagió un anuncio publicitario de Naf-Naf. En 2017 ya fue condenado en otro caso similar. Entonces tuvo que pagar 20.000 euros a los herederos del fotógrafo Jean-François Bauret por plagiar una de sus imágenes, «Naked»”. [4]
El “artista” japonés Takasi Murakami dice lo siguiente: “Jeff Koons es un genio, yo un simple payaso”.
Takasi Murakami ante una de sus obras. Imagen tomada de internet.
En el mundo del arte han sucedido demasiadas cosas interesantes y no tanto. Por ejemplo, la tendencia es a pensar o decir que el abstraccionismo nace con el gran artista ruso Vassily Kandinski. Según muchos, él es quien crea la abstracción o la abstracción lírica. Su gran iniciador oficial por decirlo así. Kandinski ha sido un gran abstraccionista y ha escrito además seriamente sobre este tema. Kandinski como artista junto a muchos otros más, pasaron a ser parte de los creadores más odiados por el Nazismo y por lo que les llamaron como los autores del “Arte Degenerado” y al exponerlos con saña, al contrario los hicieron más llamativos, más sorprendentes. Volviendo al abstraccionismo, según algunos estudiosos la artista sueca Hilma af Klint realiza inclusive antes que Kandinski unas sendas obras abstraccionistas muy metafóricas, energéticas y con profundo sentido espiritual. Hilma se asumía a sí misma más como “médium” que como creadora. Hay quienes plantean que lo abstracto ya estaba presente en el mundo estético aborigen, al igual que se podría decir lo mismo sobre la poesía visual. Lo que sucede es que en la cosmovisión indígena, el tema de lo sagrado es más fuerte o contundente que el propio tema de la asunción de algún tipo de arte, pues la creación se daba por espontaneidad y necesidad religiosa más que por contemplativa o por purismo creador o estético (lo cual es algo más occidental).
Detalle de obras de Hilma af Klint frente a un espectador. Imagen tomada de internet.
El papel de la “mujer artista” en la historia del arte más oficial, ha sido muy opacada por años y años. Recordemos que hubo épocas donde las pintoras debían firmar con nombre masculino su trabajo o hacer piezas a escondidas, de manera secreta, etc. Todo ello era visto como provocación o como una práctica de alguna forma prohibido al género femenino. De las 6.165 obras del Museo del Prado, solo 6 pinturas de esa colección han sido realizadas por mujeres artistas.
Afiche contestatario de las “Guerrilla Girls”. Imagen tomada de internet.
Entre los datos curiosos sobre arte y engaño, tenemos el ejemplo del artista que logró burlarse de algún modo de los Nazis y del propio Hitler (quien a su vez no pudo desarrollar sus dotes de pintor al no ser aceptado en la Escuela de Bellas Artes de Viena). El pintor alemán Han Van Meegeren vendió una pintura a los Nazis como si fuese del gran artista holandés Johannes Vermeer, intitulada “Cristo entre los adúlteros” (de 96 x 88 cm). Después de la segunda guerra mundial, se descubre que esta obra fue vendida por Meegeren y al ser tratado como colaborador del Nazismo, cae preso. Y su única manera de salvarse fue demostrar que él falsificó esa obra. Lo demostró con una prueba pictórica al intentar de nuevo “falsificar” otra obra allí mismo en la cárcel y de esta forma, salió de prisión. Antes de lograrlo, el pintor gritaba, desesperado, desde su lugar de reclusión: ¡Estúpidos! ¡Idiotas! ¡Eso no es un Vermeer! ¡Esa obra la pinté yo!
En este ensayo como se puede notar se dejan asentadas ciertas bases para reflexiones críticas diversas, algo de ironía y sarcasmo para la reinvención de datos y la necesidad de investigar más sobre lo poco conocido. Quedan temas pendientes como la “legitimación del artista”, el asunto de la “fama” o el reconocimiento, éxito y cercanías a esa sensación tan particularmente excitante.
Oscar Salamanca. Artista colombiano en su andar estético problematizador. Captura de fotograma del video promocional de la Agencia Aciaci
El artista contemporáneo, gestor e investigador colombiano Oscar Salamanca entre 2009 y 2010, realiza una propuesta que en sí misma es una especie de “trampa divertida” que pone en juego la cuestión de ser artista o quizás de querer ser “más artista” o “llegar a ser un artista importante”. “AGENCIA DE CONSTRUCCIÓN IMAGEN-ARTE, CIRCUITO Y COLECCIONISMO NACIONAL E INTERNACIONAL (ACIACI)” es el título de la obra de arte en la red donde artistas o personas interesadas podían acceder a varias pantallas sucesivas donde se indagaba acerca de su vocación por el arte, los sueños como artista y demás aspectos del “desear el reconocimiento en el arte”. Al final del recorrido por la página al participante se le habilitaba por espacio de 10 segundos la impresión de un certificado firmado por el doctor en arte Oscar Salamanca, donde se especificaba que Usted con nombres y apellidos “YA ES ARTISTA FAMOSO Y EXITOSO”. La idea de Salamanca consiste en “Hacer visible de manera cínica la mediocridad de la institución arte y la actual crisis del arte contemporáneo convertido en sinónimo de empresarismo donde lo que funciona es el valor del capital” según las propias palabras de Salamanca. Tuve la oportunidad de ver y disfrutar la presente obra de arte como “trampa divertida” y jugosamente publicitaria en el XIII salones regionales del Ministerio de Cultura de Colombia 2010, exposición que articuló propuestas de artistas tachirenses y del oriente colombiano donde hice parte desde mi país.
Recientemente hemos escuchado sobre un “artista” danés llamado Jens Haaning, quien supuestamente ante un proyecto financiado por el Museo de Arte Moderno “Kunsten” en Aalborg, Dinamarca, para unas obras específicas, éste cogió el presupuesto y solo le entregó dos marcos en blanco al museo, diciendo que la obra se llamaba: “Toma el dinero y corre” (en inglés: “Take the Money and run”). Como título me hubiera parecido más chévere el siguiente: “Coge el dinero y huye” o más bien “Agarra el cash y largo”. A veces no sabemos hacia dónde van los tiros o hacia dónde va el incendio. Tal vez la cuestión es saber conocer el camino del humo. Por ahora le han dado cierto plazo a Hanning para que devuelva la “pasta” o la money ¿Será éste otro show o esperemos el culebrón?
Obras en blanco entregadas al Museo por Jens Haaning. Imagen tomada de internet.
Sobre robos reales o no, en el siguiente caso sí tenemos a un gran ladrón de obras de arte, quien logró hurtar 200 piezas durante años por sufrir apasionadamente del “Síndrome de Stendhal”. Stéphane Breitwieser, fue el tremendo “hurtador de arte” y que por fin fue arrestado. Duró 4 años tras los barrotes y salió en 2005 algo deshecho. Decía Stéphane que lloraba de amor por estos objetos. La vida es extraña a decir verdad, algunos tienen mucho, otros nada. Existe espectáculo, odiseas, tramas entre tramas de la supervivencia y la complejidad de la existencia también genera sus laberintos entre los hacedores de arte y quienes aman precisamente el arte, o quienes juegan en él.
Acción colaborativa con los trabajadores “barrenderos” con Verónica Meloni en México: Barro, escritura inestable”. 2019.
Entre tantas situaciones sobre las cuales reflexionar, dejo apenas una de las que me parece interesante generar discusión al respecto. No solo me refiero a un mayor apoyo al arte emergente y a sus creadores menos apoyados en el mundo (sobre todo en “países en desarrollo” término igualmente a cuestionar y en debate). Pero me parece que cada vez más, debería acortarse la distancia entre el arte/artista y la ciudadanía, el “público” o “espectadores” en general; aunque esas palabras (público o espectador) tampoco son las más correctas. Sería muy valioso que se fortaleciera la producción, promoción, investigación y realización de obras de mayor interacción con las personas, las obras colaborativas, las piezas no de “arte público” solamente, sino de “arte realizado con el público”, arte contextual, arte social y arte definitivamente “liberador”, pedagógico, de vivencia y de la experienciación para a su vez, explosionar en nuevas posibilidades más que estéticas, de transformación e incluso que lleguen a las gentes, que los toquen por dentro, los muevan, y se haga cada vez más común la creación pluri-versa para generar sociocreacción y menos “espectacularización” desde lo “estetizante” como única vía de entretenimiento mediático. Y cuando hablo de este tipo de obras-proceso hablo de que puedan inclusive, ser trabajos de todo calibre, desde trabajos mixtos y complejos sobre temas sensibles y “humanizantes”, hasta las obras más divertidas, absurdas, juguetonas, innovadoras, lúdicas, transgresoras, etc. Nos queda mucho por hacer y des-hacer también.
Ender Rodríguez.
*Exposición de “Arte Invisible” de Lana Newstrom en la Galería “Schulberg” de Nueva York. 2014. EEUU. Tomado de internet.
Referencias:
Rodríguez, Ender. Entrevista personal a Oscar Salamanca, 15-10-2021 (Vía e-mail).
Virtuales:
[1] Tomado-consultado el 05-10-2021 y disponible en: https://wiki2.org/es/Yves_Klein .
[2] Tomado-consultado el 14-10-2021 y disponible en https://vitaminagrafica.wordpress.com/?fbclid=IwAR2Q_eU8bb6AdMnGV8TqBFBsRIACY_OjfKNYtG2-nWwHaxSWzagHSj68Dl4
[3] Tomado-consultado el 15-10-2021 y disponible en https://www.barnebys.es/blog/el-rey-del-kitsch-jeff-koons-entre-los-artistas-mas-populares-del-mundo .
[4] Tomado-consultado el 15-10-2021 y disponible en https://www.abc.es/cultura/arte/abci-jeff-koons-genio-o-farsante-201905170103_noticia.html .