Por: Ender Rodríguez
Fecha: marzo 7, 2021
DES-mitificaciones, más allá del arte
Apropiaciones y experimentos, un ensayo-obras con base en la práctica artística de Ender Rodríguez (ER)
“Adana y un Trans-Dios” / ER / 2012 (Donado a Colección privada)
“Los buenos artistas copian, los grandes artistas roban“
Pablo Picasso
Este ensayo elabora algunas reflexiones críticas acerca de los conceptos en torno a los cuales se establece el arte contemporáneo: “apropiacionismo”, re-significación y re-interpretación. Sus planteamientos se enfocan con una visión abierta, holísticamente, a todo ámbito del conocimiento y la vida, incluyendo la religión. Por ello, junto al despliegue del título genérico usado, DES-mitificaciones, se podrán observar obras de dibujo, pintura y collages íntimamente relacionadas con estas temáticas y que han sido realizadas por este servidor a lo largo de los años (ER).
La idea de des-mitificar está referida a una especie de sublevación ante las digamos aparentemente “intocables”, “puras” y sagradas “mitologías” que se generan en torno a algo, a alguien, o sobre cosas, historias, religión, etc. El Mito trata de un relato que plantea el origen de algo, por ejemplo: el génesis bíblico (Mito del origen del todo y de la vida). Existen mitos sumamente hermosos y literarios, otros realmente crueles y despiadados o también, se ve el caso de re-invenciones míticas muy llamativas. Un indígena yekuana de la amazonía venezolana contó al jesuita José María Korta, que los “criollos” (refiriéndose a las personas que nombran como “mestizas” o “blancos”) eran tan malos, pero tan malos, que habían matado a Jesucristo en la ciudad de Caracas (Entrevista a José María Korta, 22-03-1993). Se pueden mitificar personajes como Pablo Escobar, Simón Bolívar, Juan Vicente Gómez, a las propias obras de arte universales o glocales, a estrellas de cine y T.V., y hasta a “malandros” venezolanos, “santos”, “comiquitas”, entre otros casos diversos y variopintos. Una de las primeras cuestiones a problematizar en la onda de la desmitificación es la idea absurda del “artista genio”, de la “musa de dios en él”, del aburridor pretexto del “héroe estético”, el mito del supra-creador humano, inclusive más que humano.
Es necesario des-mitificar para anular ciertos poderes de la imagen-fuente, y además recrear otros conocimientos y trastocadas reflexiones a partir de “otra imagen”, expandir conocimientos, explotar alienaciones o enajenaciones que reposan en los seres humanos y en instituciones, en poderes y en lugares donde se hace necesario subvertir lo “ontológicamente ortodoxo”. De allí que la palabra “des-mitificar”, podríamos conectarla con la manera con que autores se apropian de obras o temáticas y las intervienen, re-plantean, re-significan y re-interpretan generando una muy sobresaliente “nueva realidad estética” o integral, global, plural, multiversa. De este modo, desmitifican un algo o lo rehacen, lo re-elaboran recreándolo. La apropiación de una obra no es nada nuevo o actual, podemos mencionar la obra de Andy Warhol y Roy Lichtenstein o específicamente el trabajo “L.H.O.O.Q.” de Marcel Duchamp de 1919, donde pone bigotes a la Mona Lisa o Gioconda de Da Vinci y realizada a comienzos del año 1500. Richard Pettibone por ejemplo se apropió de las apropiaciones de Warhol dentro del denominado Pop Art. Toda apropiación per se no es mega interesante o una gran cosa solo por ser apropiación así no más, como si se tratase de vanaglorias o nuevos mitos.
La investigadora Alejandra Cámara (citada por Ricardo de Armas), en su trabajo “La cita, el remake y la apropiación” se refiere a estos términos de la siguiente manera: “Cita es el fragmento de una expresión humana (imagen, música o texto) inserta en otra expresión. Remake en inglés significa literalmente «rehacer». Apropiación es adueñarse de algo”. [1]
En la técnica del collage es donde se utiliza mucho la apropiación, pero en otras vertientes artísticas se puede encontrar ese hecho. Da mucha curiosidad ver las cantidades de apropiaciones de la Gioconda. En algunas intervenciones urbanas, la encontramos como si fuese una “Mona Lisa que mueve el trasero” pintada en una calle de Brasil (tipo “mujer reggaetonera”), o una Mona Lisa Simpson, una Mona Lisa de Lego, la Mona Lisa Marilyn Manson, y demasiadas invenciones al respecto. Algunos son Memes, más que obras desarrolladas.
Respecto al arte contemporáneo, Joaquín Guzmán plantea que:
“Existe un término propio del arte contemporáneo: el “apropiacionismo”. Mediante éste, el artista hace suya una imagen que ya es icónica en la historia del arte empleándola como parte de una obra de arte. Warhol es un maestro de la disciplina, sin embargo cuando se apropió de una instantánea de Patricia Caulfield, artista viva, se vio en la obligación de pagarle 200,000 dólares, más un porcentaje de un 10% de las ventas de esa obra de por vida”.[2]
Las “Meninas de Velázquez” del año 1656 (fecha aceptada por la crítica en general), ha dado pie para crear la interesante obra “Espacios Ocultos” de José Manuel Ballester, o por ejemplo las potentes “Meninas” de Joel Peter Witkin de 1987, y las impresionantes “Meninas” de Picasso. Con el mafioso-famoso colombiano Pablo Escobar se ha hecho mucho “arte” y replanteamientos. Se ha explotado mucho el asunto de las novelas sobre su vida, creando de alguna forma una apología del crimen en su país por ciertas televisoras. Escobar tenía en su colección de cosas, animales exóticos, y obras pictóricas, incluso cuadros originales de Picasso, Dalí y Fernando Botero, entre otros. Botero realizó dos pinturas acerca del asesinato de Escobar (Una en 1999 y otra en el 2006).
En el mismo sentido, Emily Morris plantea:
“En el libro Nocilla Experience, Agustín Fernández Mallo usa la técnica “cut-up” – una estructura fragmentaria – que evoca un sentido de caos en nuestras mentes y conciencias. Él crea un collage narrativo de imágenes, de teorías científicas y filosóficas y de relatos cortes sobre personajes. También, incorpora Mallo fragmentos de obras ya escritas o hechas por otros autores o artistas. Esta apropiación artística incluye citas y entrevistas sobre el arte, la música y la ciencia, además de unas referencias pop-culturales, por ejemplo, de la película Apocalypse Now”. [3]
En L.H.O.O.Q. de Duchamp de 1919, el objeto es una tarjeta postal tipo reproducción de la “solemne” obra de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa, a la que Duchamp hizo un bigote y una perilla con lápiz. Los ready made de Duchamp fueron unos de sus aportes significativos al arte de descontextualizar y crear otros sentidos y significaciones a lo que convertía en“nueva obra”. Aunque según algunos autores, en el caso del urinario, o sea la obra “La Fuente”, enviado en 1917 a una exposición de arte en Nueva York, para el “Salón de los Independientes”, ésta fue una ocurrencia de la poeta alemana Else von Freytag-Loringhoven (la baronesa dadá) y no fue idea de Duchamp, así lo aseguran algunos críticos.
Una cosa muy diferente a la apropiación es el plagio, el robo, la falsificación y el show del “artista” que usa obras de otros artistas, copiándolos y demás, para generar su propio espectáculo inflando posiblemente a su vez, el lado artificial del mercado del arte, que compra desde la “caca del artista” (Piero Manzoni) hasta la “obra banano” que “comería otro artista” (Maurizio Cattelan) mostrada en el Art Basel en 2019 y cotizada en 120 mil dólares.
La obra “Merda d’ artista” (en italiano) de Piero Manzoni (su mierda) expuesta en el año 1961, tiempo después alcanzó su más alta cifra en una subasta de Milán con el precio de 275.000 euros (estimando precios del excremento con respecto a los del oro). Agostino Bonalumi, el amigo de Manzoni ha declarado luego del año 2.000, que las 90 cajas de la supuesta “caca de artista”, no son tales sino yeso. Sin embargo siempre se ha asumido que era excremento real, incluso hubo una denuncia de un coleccionista que aseguraba que expelía, uno de sus contenedores un mal olor en esa conserva. Es un poco lo que plantea Kurt Schwitters cuando dice: “Todo lo que escupe el artista, es arte”.
Se satiriza entonces al mercado del arte y se simboliza su artificialidad con estas acciones y “obras de irrupción”, pero la pregunta es: ¿No se infla aún más al propio mercado del arte con estos trabajos de “neo-provocación” dándole quizás alimento al mismo mercado? Nos dice José Paz sobre Piero Manzoni y su “caca de artista” de 1961: “…En el arte de la provocación todo es posible, que no es sinónimo de trascendente…Se inició en la pintura hasta que harto de tanta figuración se encaramó a postulados críticos con el sistema artístico siguiendo las viejas enseñas del maestro Duchamp. ‘Estos imbéciles burgueses italianos solo quieren mierda’, fue la conclusión después de sentir tanta pintura y olor a trementina entre sus manos. Nadie antes, ni siquiera Duchamp, se enredó tanto en la provocación en apariencia más burda…Después vinieron las esculturas vivientes firmadas, los pedestales, los huevos digitalizados, los globos de aire. Aquellas cajas de mierda de artista siguen batiendo récords de mercado, la última en Milán, la número 69, 275.000 euros. Nadie ha mirado qué hay dentro…” . [4]
El planeta vive sus más escalofriantes momentos de desigualdad, donde por ejemplo hay artistas que pueden juguetear y quemar miles de dólares en vivo para un performance, mientras otros artistas emergentes o muy talentosos no tienen dónde caer muertos, sobrevivir o cómo seguir creando. Sobre la inexistencia de necesarias “escuelas de arte” y “universidades para el arte” en los países más deprimidos, hay una impresionante realidad de espanto sobre esa situación específica. La UNESCO ha planteado una muy razonable cifra digna de cantidades de “institutos educacionales para el arte” según porcentaje poblacional en los diversos países desde escuelas, liceos y universidades. Existe en España el genial Museo Pedagógico de Arte Infantil MUPAI y otras experiencias valiosas sobre arte y pedagogía en el mundo para el manejo de la Creática, la Poiesis, lo holístico-zetético, la metacognición infantil, el “arte de los no artistas” (ese otro arte), la Heurística y las artes visuales, las creativacciones, la “resiliencia” aplicada al arte, las escuelas arte-terapéuticas, las obras realizadas por personas con discapacidades, colecciones de Art Brut, museos del “Arte Malo” (Museum of Bad Art), promoción del arte Naif o Popular, artivismo global y local (glocal), “Museos de la Basura” (hechos de desperdicios), experimentos tipo laboratorio de arte primitivo en experiencias con aborígenes, ideas para la “sociocreacción de convivialidad” (Término de ER), la “experienciación” estética, otros. [5]
La obra “América” de Cattelan de 2016, es un inodoro o “poceta” de oro de 18 kilates. Fue valorada en más de US$ 5 millones y resultó sustraída del Palacio de Blenheim, en Reino Unido. Tampoco se está diciendo que los artistas con más dinero o las personas más portentosas están obligadas a financiar la transformación social. Los artistas deben auto-organizarse para asumir sus propios retos. El extremismo de la “lucha de clases” creo que tampoco viene al caso en este planteamiento. Pero aun así, sería muy interesante ver que quienes puedan financiar proyectos sociales y de arte, lo hiciesen para que el arte y una “vida para el arte”, fuese más allá de la representación estética y la generación de obras como producto y se realizarán más “acciones de vida y arte” como proceso transformador; sin desmeritar la creación de obras, representación, alegorías, arte conceptual y simbolismos, apropiación, re-significaciones, etc etc etc. Todo extremismo es terrible, y siempre se cometen excesos en nombre del extremo.
Existen situaciones en las cuales el ser humano explota a sus hermanos“ cual lobos para el hombre” (Hobbes), sea cual sea la clase social pasa de todo porque, igualmente, hay gente pobre que es explotadora de sus propios hermanos pobres y existen casos de personas adineradas con sensibilidad social y capacidad de transformar y aportar desinteresadamente. El hombre es un animal que se engaña a sí mismo (Ernst) y es el animal no acabado (Nietzsche). Ahora bien, el ser humano hace cosas estúpidas buscando “mérito divino” de vez en vez, no se trata de financiar el “show de lo caritativo” dando limosnas, desde la“misericordia cristiana” para evadir impuestos y salir airosos en la TV como “donantes estrella”. Precisamente se trata es del necesario entrecruzamiento entre arte, sociedad, artivismo, activismo social de base, cultura, educación, ONGs Organizaciones No Gubernamentales (sostenibles), para lo cual hay que acudir a equipos inter-disciplinarios, multi-disciplinarios y trans-disciplinarios para la transformación social en tiempo y espacio concretos y con seguimientos reales. No hablamos del espectáculo de dar mil juguetes a niños pobres y dejar en el olvido comunidades luego del flash de la cámara para una revista tipo marketing social: “Ayuda a un Niño Pobre”.
Se han hecho muchas cosas en torno a lo que se tiende a denominar “estética” o arte”, desde colocar ante un público un perro famélico amarrado en la Galería de Arte “Códice” en Managua en 2007, como muchas otras acciones diversas; un ejemplo, ha sido el de manchar las paredes de un espacio museístico con las suciedades de un indigente real o tomar elementos de la llamada “porno-miseria” desde el cine y llevarlo a la “supuesta estética bidimensional” por así decirlo. Damien Hirst en 1991 presentó un tiburón en formol que terminó en un museo bajo el título “The Physica lImpossibility of Death in the Mind of Someone Living” y se vendió entre 8 y 12 millones de dólares. Pasan todo tipo de cosas entre artistas, unas muy locas, otras deprimentes y algunas muy interesantes o llamativas. El excéntrico y gran artista Salvador Dalí estafó a Yoko Ono (viuda de J. Lennon) al venderle un pelo falso de su bigote en unos 10 mil dólares, según la ex cantante Amanda Lear, amante del artista en esa época. Dalí, según fuentes cercanas a él firmaba papel litográfico en blanco en muchas ocasiones, pese al riesgo de falsificación. Se dice que fueron miles de ellos. La idea de este ensayo no es convertir a este simple autor que lee usted en un supuesto “experto en juicio” ni nada de eso, se trata solo de crear nuevas reflexiones o análisis.
En otro sentido, romper los esquemas siempre será algo valioso y válido, aunque sería necesario que el arte aportara más a las transformaciones sociales. Ha sido muy interesante para la Historia del Arte, la obra de Kazimir Malévich rompiendo los esquemas de la época con su “Blanco sobre blanco” realizada entre 1917 y 1918; es decir hace más de 100 años. Definitivamente Goya también se adelantó más de un siglo, posiblemente, en su explosión estética al hacer obras expresionistas, e incluso con elementos que simulaban el abstraccionismo. Matisse generó revoluciones estéticas antes que el propio Pablo Picasso, aunque que sin duda Picasso hizo lo suyo de modo tan particular. Fue en gran medida influenciado éste por la pintura y el dibujo infantil, al igual que por el arte primitivo (especialmente de las máscaras africanas). Van Gogh en medio de tanto impresionismo, ya estaba abriendo sus senderos hacia el expresionismo con su propia huella y paleta pastosa, además también desde sus delirios más sublimes. Y si nos aproximamos aún más a Venezuela, encontraremos en Armando Reverón un nivel de creación que adelantado a todos sus contextos creaba, sin una intencionalidad artificial sino esencial, de estructurar sus instalaciones con sus misteriosas muñecas con las que convivía, se hacía él mismo uno con su propio arte, con sus performáticas prácticas pictóricas, experimentaba con colores de la naturaleza y el trópico, hizo de su casa un espacio energético poiético extra-estético porque él mismo ya era la obra. Su repudio a la institucionalidad del arte, lo llevó a ser un pintor salvaje y anárquicamente auténtico. Para el crítico Willy Aranguren, Reverón era el artista postmoderno por excelencia. Sobre artistas populares venezolanos para estudiar a profundidad encontraríamos entre otros a: Rosa Vegas (que algunos apodan la “Reverona”), Luis Méndes, Macario Colombo, Bárbaro Rivas, Manasés, y muchos otros más. Un artista popular tachirense muy interesante y desconocido es Luicidio Useche, el cual aparece reseñado en un libro del investigador Mariano Díaz.
Resulta bien estremecedor, irónico y lamentable ver cómo se han cotizado las obras del artista Vincent Van Gogh, el cual llegó a estar sumido en su época en la pobreza y hasta en el desprecio. Uno de los últimos cuadros de Vincent, fue vendido por 81,3 millones de dólares en una senda subasta europea. Ojalá parte de ese descomunal dinero, sirviese para financiar a otros posibles “personajes del arte anónimo” con similitudes y talentos como el de Van Gogh para no repetir la misma historia de un Vincent pobre y despreciado en cualquier época, puesto que si no qué sentido tiene tanto dinero, y que no logremos transformar los contextos.
Este ensayo no intenta generar todo tipo de dudas sobre todas las obras de Manzoni o Cattelan como “cuestionamiento extremo o moralista”, pues existen trabajos sumamente interesantes de estos creadores. Se busca en todo caso generar maneras críticas de reflexión al respecto, y otros posibles debates que desencadenen deliberación, pensamiento lateral, flexible, no hermético. Se viene planteando desde el trabajo realizado por este servidor hace algún tiempo, la urgente necesidad de dedicarle recursos (financiamiento), energía y proyectos a maneras de trabajo y desarrollo de arte contextual más relacionado con el encuentro con las realidades sociales en directo, desde la raíz de éstas (su nido); al igual que la absoluta prioridad que debería tener el estudio, promoción y desarrollo de la imaginería visual instintiva del ser (Desde niños hasta la adultez en personas no estudiadas ni pertenecientes al “campo del arte” como lo llama Bourdieu). [6]
Volviendo al tema de las apropiaciones y reinterpretaciones en el arte, encontramos la enemiga número uno de tales planteamientos, como es la polémica crítica de arte mexicana Avelina Lésper, cuando nos plantea:
“Distorsionar la verdad es una de las formas de mentir. Cubrir la realidad con eufemismos es pervertirla. Hoy al plagio se le llama “apropiación”, lo que se supone es el robo de la obra de otro autor es un estilo, lenguaje y hasta objetivo…” .[7]
Igualmente nos dice Lésper sobre “La Fuente” o “urinario” de Duchamp:
“El urinario, sea de quién sea, carece de valor artístico, pero el hecho de que la obra y directriz teórica del estilo contemporáneo VIP sea un ultraje, describe con exactitud la esencia de millones de obras que son falsas en su contenido y en su forma: desde el eufemismo de apropiación —que es el plagio sistemático de obras y su adulteración flagrante— hasta la autoría, los significados, intenciones, precios, la provenance de materiales y anécdotas alrededor de una obra, todo es un gigantesco fraude”. [8]
Ciertamente Avelina, tiene una parte de razón al hablar del fraude del arte contemporáneo al referirse, sobre todo al mercado del arte y su cierta artificialidad. Sin embargo, varias de sus críticas son altamente puristas y esteticistas en el sentido de solo reconocer como “buen arte”, el que se hace al estilo de una pintura, dibujo o escultura técnica o rigurosamente trabajados según normas “académicas” del “arte de taller”, rememorando a los artistas del renacimiento entre otros, o al gran Lucian Freud, por ejemplo. Todo ello, en detrimento de lo que pueda ser arte de video, instalación y performance, que la crítica denomina irónicamente “estilo contemporáneo VIP”, porque según Lésper se trata de artistas que no saben pintar bien, y solo hacen arte conceptual para demostrar su inutilidad o fracaso. Recientemente en 2020, esta crítica para burlarse de la obra “Nimble and sinistertrick…” en Zona Maco del artista mexicano Gabriel Rico, se acercó y colocó una lata de refresco sobre la misma y ésta se vino abajo quedando destruida. Como si se tratase de un extraño performance de Lesper ésta huyó del lugar.
No toda apropiación es absolutamente interesante, ni estructuralmente potente, menos aún “súper creativa”, por el solo hecho de ser una apropiación. Picasso se apropió de alguna forma de las imágenes contenidas en las máscaras africanas como arte primitivo que observó y le impactaron en el Museo del Trocadero en París, y esto se nota en su obra “Las mujeres de Avignon” de 1907 y en otros trabajos igualmente. Por otro lado, Picasso se inspiró en el dibujo y arte infantil esencialmente. Parafraseando su frase más referente a esta temática diría el pintor: “Aprender a pintar como los pintores del renacimiento tardé unos años; pintar como los niños me llevó toda la vida”. Habría que decir que de una u otra forma todo artista o creador tiene influencias de otros y en algo se ha apropiado —aunque sea en muy pocas proporciones— de otras obras, autores y realidades. Existen en este sentido imaginarios sociales y de contextos que marcan a las personas o le influencian en algo.
Uno de los campos donde quizás más se ha manejado las posibilidades re-interpretativas y re-significadas, es el religioso. Sobre el Cristo o Jesucristo se han hecho por ejemplo a lo largo de la historia: “El cristo amarillo” (en francés: Le Cristo Jaune) de Paul Gauguin en 1889; “La Crucifixión” de Picasso en 1930 con esa desestructuración y deformidad muy picassiana; “Crucifixión” de Francis Bacon en 1933; “Crucifixión”, digamos el “Cristo Negro” de Louis Soutter entre 1937-42; “Wine Crucifix” de Arnulf Rainer entre 1957-78 (a manera de un cuerpo manchado negro y goteado); “Crucifixion” de Eugen Schönebeck en 1963 y que parecía trozos de un cuerpo mutilado con cabeza; “Crucifixión” de Antonio Saura en 1963 en su estilo crudamente cadavérico y expresionista, entre muchos otros trabajos que replantean tal temática. La obra “Civilización Occidental y Cristiana” de León Ferrari de 1965, resulta ser imponente y crítica, es un Jesús crucificado en un bombardero norteamericano como gran obra tridimensional. Los trabajos con un Jesucristo mujeral desnudo o una “Jesucrista desnuda”, han sido vetadas y censuradas en diferentes medios, especialmente las de Constanza Piaggio y de Res, ambas muy hermosas obras. Ha sido muy controvertida la obra “The Three Graces” (“Las Tres Gracias”) de Sally Mann de 1994 y donde aparecen tres jóvenes mujeres “orinando” o “haciendo pis” tomadas de las manos tiernamente ante un ambiente natural de fondo. El “Cristo del Pis o la inmersión” de Andrés Serrano es sumamente llamativa y juega a lo escatológico al presentarnos un crucifijo inmerso en la orina del artista. Aunque suene a algo de “mal gusto” o de “mala presencia” esta obra de Serrano al contrario, posee una fuerza visual vital por los efectos lumínicos que hacen parecer a un crucifijo estar sumergido misteriosamente en aguas sagradas medio atmosféricas, y densas. En su momento el Film “La última tentación de cristo” de Martin Scorsese y basado en la novela escrita de Nikos Kazantzakis, en 1988, fue una tremenda revelación; por su puesto censurada por su aventurado planteamiento crítico sobre un Cristo fundamentalmente humano.
En la obra “Sanctorum”, de 2003 de J A M Montoya,“el autor recurre a la paráfrasis, a la reutilización de imágenes religiosas de la iconografía clásica, dotándolas de un nuevo sentido e intencionalidad claramente transgresiva” Texto tomado de http://www.jam-montoya.es/. En la obra “el último deseo” de J A M Montoya, se puede notar un cristo absolutamente desnudo y estéticamente muy bien colocado, inclusive con delicadeza, teniendo en su cintura una cuerda muy delgada la cual sostiene el pene hacia arriba, apuntando al ombligo celestial del propio Jesús en la cruz. El artista venezolano Nelson Garrido, Premio Nacional de Artes Plásticas de 1991, nos ha presentado sus obras: “La virgen”,“El atraco de la Virgen María y el Niño Jesús”,“La virgen de Caracas”, entre otros la serie “Todos los santos son muertos” o “La Pieta” de entre sus más escandalosas obras donde yace un “Cristo de 3 penes” (trabajo del año 1993). La artista italiana Cristina Guggeri, conocida como “Krydy”, publicó una colección de imágenes (foto-montajes) de “célebres personajes” del mundo en la “poceta” haciendo sus necesidades fisiológicas donde figuran el Papá actual, el expresidente Obama, entre otros. Esta serie provocativa y hasta divertida de imágenes se tituló “Tronos”.
A manera de cierre, se podría decir que la apropiación y la re-interpretación o el re-significar es una forma de replantear nuevos significados desde ciertos referentes para generar otros referencias y nuevas posibles significaciones, ojalá transformadoras. Algunos nombres salen a relucir en estos planteamientos estéticos “apropiativos” como por ejemplo el muy conocido artista británico del graffitti, las intervenciones, acciones de arte y la gráfica urbana de subversión: Bansky (seudónimo), recientemente cuestionado por su gran intento de vender obras y tratar de usar el copyright o derechos de autor, que antes él mismo cuestionó abiertamente. Existe un trabajo bastante particular de este artista donde aparece aquella niña desnuda del Vietnam en el 73, fotografiada por Nick Ut, y cuyo título fue: “The Terror of War” ganadora del premio Pulitzer y cuya imagen se basa en el terrorífico uso de Napalm por parte de EEUU. Bansky se apropia de esta imagen de la niña y aparecen a ambos lados de ella tomados de sus manos un Micky Mouse y el payaso Ronald Mac Donald a escala humana.
El artista colombiano Antonio Caro, ha sido uno de los más conocidos exponentes de la gráfica contemporánea y como artista conceptual, donde por ejemplo, es muy llamativa la imagen donde con la tipografía publicitaria de la Coca Cola, la “C” específicamente, re-escribe la palabra COLOMBIA. Y usa frases satíricas e irónicas al respecto generando lecturas donde a su vez plantea la situación del conflicto armado, la violencia y otras circunstancias sociales abrumadoras. Hoy en día, hay muchos artistas y críticos venezolanos migrantes que se han visto obligados precisamente a emigrar, y el apoyo a su trabajo representaría un aporte más que apropiado.
“Robot en la Carraca con café soñado por mujer boteriana que flota sobre obra de J. Borges” / ER / 2020
En 2004 el artista colombiano Miguel Ángel Rojas, se apropia de aquella obra escultórica “David” de Miguel Ángel, y retrata allí en la misma posición como la escultura pero en fotografía, a un exsoldado colombiano mutilado de una de sus piernas por la acción nefasta de una mina anti-persona. El artista le cancela derechos por el uso de la imagen al joven que modeló para esta pieza, referida a la violencia en el país hermano. Como podemos ver la apropiación es bastante usada tanto en imagen como en el cine, el video y en diversas plataformas artísticas. El canadiense Benoit David ha trabajado ampliamente la apropiación en el arte usando múltiples fórmulas y posibilidades muy diversas e interesantes.
En Nelson Garrido, la apropiación y el mundo híbrido de las imágenes venezolanas de tradición religiosa o cultural y artística está muy marcada en su extenso trabajo, donde incluso hace una especie de puesta en escena —a la manera de los performances— donde participan a veces más de 20 personajes. Y pueden hacer alusión a obras pictóricas venezolanas como “Miranda en la Carraca”, a escenas religiosas o a obras artísticas universales, pero con un nuevo sentido crítico replanteado. María Luz Cárdenas “…para hablarnos de Garrido se remonta a los clásicos europeos, comienza mencionando al Bosco, a Caravaggio, a Botticelli, Michelangelo… y de pronto comienza a desnudar la obra de Nelson y nos expone sus carnes, no su piel, sino sus entrañas y no contenta con eso comienza a desmembrarla. Como si fuera un cirujano forense se dedica a cortar pedazo a pedazo, es decir: nos expuso la disección de las fotografías una a una. Un breve ejemplo de esta disección es el puente que estableció entre “La nave de los locos” de Garrido y la de el Bosco donde vemos una misma estructura compositiva e incluso personajes que se repiten siendo resemantizados o contemporaneizados…”. [9]
La performancista venezolana y poeta Erika Ordosgoitti igualmente ha trabajado dichas temáticas cuando se desnuda (haciendo su foto-asalto) en espacios públicos haciendo alusión y uniéndose a la escultura de la Plaza “Las Tres Gracias”, en Caracas en 2009, al igual que en monumentos religiosos, estatuas de Simón Bolívar, etc. Artistas como Néstor Alí Quiñonez, José Vivenes, Enay Ferrer, Freddy Pereira, Efraín Ugueto, Richard Moncada, Carlos Luís Sánchez, Francisco Basim, Nayarí Castillo, Starkey Brines, Franklin Fernández, Abraham Pabón, y otros más que han trabajado lo “apropiativo” y las nuevas re-significaciones desde su propia búsqueda.Las obras tridimensionales de Efraín Ugueto donde usa figuras como José Gregorio Hernández, o símbolos “patrios” para hacer burlas se hace parte de su trabajo cuestionador ante la “religiosidad inalterable”, y ante el poder o “status quo”. Los creadores Muu Blanco y Juan Toro se han apropiado de elementos propios del momento histórico conocido como “Las Guarimbas” en contra del gobierno en 2015 para sus trabajos; dígase entonces imágenes, sonidos y objetos recreados para generar nuevas creaciones. Jesús Hernández-Güero usó la bandera venezolana como instalación en 2013-2014 generando un explosivo debate con su obra “Tener la culpa”. Dicha obra fue censurada en los espacios de Banesco y tapada la bandera con bolsas negras. En diversos artistas se puede notar uso de figuras sobre la “Harina Pan” venezolana, “María Lionza”, diferentes políticos, etc. La artista Violette Bule en 2013, realiza una obra denominada “Polisaturación” donde nos habla de lo saturado que nos encontramos los pobladores acostumbrados al partidismo en extremo incluso, con una contaminación no solo visual sino, hasta mental y poco reflexiva.Dicha “…saturación es llevada a un espacio expositivo de la ONG (Organización Nelson Garrido), donde la artista hace una instalación con avisos de campaña intervenidos; atmósfera que se complementa con un sonido de discursos políticos a 78 revoluciones por segundo, elemento también sobre utilizado en el quehacer político…”. [10]
El artista colombiano Gabriel Castillo en 2010, en el marco del 13 Salón Regional de Artista, Zona Oriente, genera la obra “Simbologías Patrias”, donde plantea en dos banderas como apropiación de estos “símbolos patrios” de Venezuela y Colombia, una especie de “gringuización” de la realidad y bandera patria colombiana y una “cubanización” de la bandera y patria venezolana. Es importante comentar que el artista colombiano del performance Oscar Salamanca, viene trabajando desde su irreverencia sarcástica en la apropiación de los discursos y “caretas del poder” entre otros, replanteando la “figura y status alienados del artista”, los grupos armados, la pobreza y la narco-burguesía y la institucionalidad museística para dejarnos en suspenso y ruido reflexivo sus acciones de tensión, burla lúdica y provocación crítica.
En Venezuela, las realidades políticas y las luchas sociales han generado un cierto enfrentamiento entre sectores oficialistas (cercanos al gobierno) y sectores de oposición; así pues entre ambos y muy diferentes segmentos poblacionales, se ha notado incluso entre los propios artistas esa confrontación o diferencia ideológica. Por otro lado, hay que comentar que la utilización “partidocrática” y “politiquera” por parte del Estado venezolano sobre las actividades e instituciones culturales o de lo que concierne “a lo cultural”, muchas veces raya en lo absurdo, y en el más descarado proselitismo alienante (financiado con dineros públicos); mientras el país se desbarranca en el gran abismo y desastre nacional, sin precedentes.
(Vimeo Ender Rodríguez – ER)
Muchos creadores, no solo artistas visuales, han trabajado la apropiación, a partir de nuevas formas de re-trabajar tales temáticas. La obra “Extracción de la piedra de la locura” de El Bosco, como pintura de entre 1501–1505 fue un óleo sobre tabla de madera de roble; y éste generó y estimuló obras de todo tipo, como la poética de la argentina Alejandra Pizarnik basada en dicho texto.
El artista venezolano Javier Téllez nos deja asentado lo siguiente:
“…Mi instalación “La extracción de la piedra de la locura”, en el Museo de Bellas Artes de Caracas, opera en las grietas producidas por esta diseminación. Al trasladar el espacio marginal por excelencia de la casa de locos al Templo de la Razón, que es el museo, uso irónicamente estrategias de contextualización propias de este último: selección, mirada arqueológica, coleccionismo y simulación. El propósito de esta apropiación es la deconstrucción de las relaciones entre el objeto y su presentación. Los objetos escogidos para mi instalación fueron extraídos del Hospital Psiquiátrico de Bárbula: camas usadas por los pacientes en los espacios de reclusión, piedras recolectadas en los jardines, historias clínicas, psicofármacos, un aparato de electroshock junto a piñatas y cuadros elaborados en el taller de laborterapia. Estos son acompañados de la intención expresa de articular una crítica a los conceptos de originalidad y unicidad, esenciales en la ideología museística…” . [11]
Ahora bien, es sumamente importante nombrar a artistas como Víctor Hugo Irazábal que se apropia de simbologías y estructuras más bien primigenias y aborígenes y no tanto de imágenes cercanas al mundo cultural europeo. José María Cruxent utilizó de manera interesante, los materiales que le ofrecía la tierra generando texturas y más allá de su propia obra plástica, su investigación arqueológica y antropológica venezolana, ha sido vital para la propia historia nacional y ancestral. Hay que mencionar especialmente a los artistas aborígenes: Sheroanawe Hakihiiwe (yanomami) y a George Lavarca (wayuu); quienes podríamos decir que se han apropiado de sus propios aportes culturales milenarios desde la visualidad y más aún, desde su latencia más íntima y personal que suena en sus propios relatos visuales reasumidos.
Sofía Fernández Álvarez, nos plantea en su texto “Los orígenes del apropiacionismo: postmodernidad y crítica” unas dudas y reflexiones por demás necesarias:
“…El apropiacionismo, aun así, tiene unos límites poco claros (como la mayoría de las etiquetas del arte de las últimas décadas), puesto que, ¿a qué le podemos llamar apropiación? ¿Hasta dónde llega la propiedad intelectual? ¿Dónde se establece la frontera entre una autoría y otra? ¿Es lo mismo apropiarse de una imagen artística que de una publicitaria? ¿Existe tal vez un distinto grado de apropiación entre si se emplea un texto ajeno o un lenguaje visual asociado a otra persona? Cabe reflexionar sobre todas estas cuestiones, y además, la práctica artística da para ilustrar una gran variedad de casos. Barbara Kruger, por ejemplo, emplea imágenes publicitarias preexistentes y les añade un texto crítico o irónico que incita a verlas de otra manera, normalmente en clave de crítica feminista o contra el consumismo. A la apropiación de imágenes publicitarias también recurre Richard Prince, aunque sin añadidos: simplemente, las descontextualiza del mundo de la publicidad y recontextualiza en el del arte, fomentando una lectura distinta. Sherrie Levine, figura capital del apropiacionismo, directamente re-fotografía imágenes de fotógrafos de renombre, sin ninguna diferencia perceptible a priori respecto a su original, de modo que la apropiación y la tensión de la autoría son llevadas al extremo…” . [12]
Es importante destacar que el apropiacionismo es una vertiente de trabajo estético para un replanteo conceptual y de manejos cambiantes de significado o sobre referentes, pero no necesariamente implica que un artista que realice o desarrolle apropiaciones, está absolutamente dedicado a tomar solo imágenes ya existentes, sin generar otras obras o proyectos a partir de su propia creación e imaginería, como es el caso de este servidor, el cual labora desde diversas vertientes de búsqueda e investigación; siendo la apropiación apenas una línea de su trabajo. Hay autores que plantean que trabajar sobre imágenes pre-existentes o sobre obras y referentes anteriores, antiguos o clásicos inclusive, significaría trabajar sobre lo “ya gastado”, lo “devaluado” o lo poco auténtico. Esto es un tema para la discusión y el debate amplio, abierto, continuo y crítico. En ese sentido, siempre será valioso reflexionar sin “visiones de túnel” ni desde “hermetismos identitarios”, o hasta chauvinismos, nacionalismos, localismos o cualquier otro asunto encubierto como las “concepciones de lo puro” y la “no contaminación” de las imágenes y los referentes.
Existen diversos tipos de apropiacionismo. En un texto del Departamento de Escultura de la Universidad Politécnica de Valencia – España se plantea que:
“…A lo largo del siglo XX el arte ha propuesto una gran cantidad de modos de apropiación: la copia, el montaje, el reciclaje, el collage, el objeto encontrado y el apropiado como ready-made, la cultura del sample, la serialización, la cita, el metraje encontrado, el copy and paste, la fragmentación, la reconstrucción, la manipulación, el ensamblaje, el reciclado, el rayado, el scratcheado, la remezcla, la hibridación (mash up), la postproducción, el foundfootage…”. [13]
El arquitecto y artista tachirense Abraham Pabón, nos habla de otros orígenes y datos sobre apropiacionismo e incluso los remonta hacia 1850 con la acción de fotógrafos victorianos:
“…La apropiación en el arte posee una larga historia, hasta el punto de decir que toda la historia es un proceso de apropiación, con unos antecedentes de mayor relevancia, unos más que otros. Un ejemplo es el caso del fotógrafo Henry Peach Robinson y otros fotógrafos victorianos de mediados del siglo XIX a quienes les gustaba tomar diferentes fotografías ya existentes y hacer pequeñas composiciones —un claro antecedente del fotomontaje y el collage—. Otro caso es «Naturaleza muerta con silla de paja» (1912) de Pablo Picasso. Tiempo después, los Dadaístas alemanes, en Berlín, acuñarían los nombres de fotomontaje y collage. Es precisamente, durante éstas primeras vanguardias que surgieron los planteamientos de Ernst Cassirer y Ferdinand de Saussure sobre las teorías del lenguaje. Estas teorías permitieron tener una comprensión sobre el fenómeno de la apropiación artística. Como ejemplo del Sampling —en tanto que apropiación de una porción— está el primer sonido de la película “Enthusiasm” 1930 de Dziga Vertov. En la película, el director soviético utilizó diferentes efectos de sonido y una superposición de una sonoridad cacofónica. Una verdadera dislocación de sonidos e imágenes. De hecho, en el mundo de la música es conocido —entre los músicos y DJs— tomar piezas existentes y crear nuevos singles, por medio del sampleado (edición, modificación, manipulación)…” . [14]
Elba López Fernández en su texto “El plagio desde las artes y la cultura de la copia” diferencia entre plagio, apropiación y otros asuntos legales, y a su vez nos dice lo siguiente:
“…Roland Barthes en su artículo titulado La muerte del autor argumenta que el autor lo único que hace es reactualizar el contenido al filtrarlo por sí mismo; parte de una apropiciación de las ideas que en realidad no le pertenecen al formar parte de la cultura histórica en general. Y como nos recomienda Anatole France, cuando veamos que nos roban las ideas, averigüemos antes de gritar si efectivamente eran nuestras ya que ningún hombre puede presumir razonablemente de haber pensado algo que otro hombre no haya pensado antes que él…” (Consultado el 22-03-2020 y disponible en https://elgeniomaligno.eu/el-plagio-desde-las-artes-y-la-cultura-de-la-copia/ )
Hay casos de casos y es un reto analizar las diferentes maneras de tomar imágenes para transformarlas, “copiar” o en algunos diferentes momentos, prácticamente “robar imágenes” si fuese el caso. El artista norteamericano Richard Prince, ha causado revuelo y conmoción en las redes sociales, por exponer lo que denominó “Nuevos Retratos”, y resulta que son“ capturas de pantalla” de fotografías tomadas de Instagram de varios usuarios, y las ha montado en una galería de arte. Sin el consentimiento de sus autores originales, las ha vendido por 90 mil dólares. Es aquí donde se hace vital, nuevos análisis en frío sobre cómo actúan los diferentes “artistas”, cuando se acercan al delicado y complejo tema de los derechos de autor y de propiedad intelectual.Todo ello depende por otro lado, de las legislaciones presentes en cada país sobre ese asunto particular entre “arte”, plagio, robo, falsificación o apropiación. Mark Landis, ha sido uno de los falsificadores posiblemente más prolífico de EEUU, pero en su caso nunca vendió sus falsificaciones; sino que al contrario las donaba a los museos y durante 30 años no logró ser descubierto. Sufría una enfermedad mental y no violó ninguna ley al no sacar lucro aprovechando su dominio pictórico y maestría para engañar.
No son pocos los artistas que acusan a otros artistas de haberlos copiado o plagiado. La gran Yayoi Kusama ha dicho que otros artistas se han copiado de sus obras, y en algunos casos, se tiende a acusar fundamentalmente a Andy Warhol y a Damien Hirst de ello. También sobre “copiar o falsificar”, Sofía Vargas nos plantea que Miguel Ángel hizo falsificación en su época:
“En su juventud, Miguel Ángel llamó la atención de algunos mecenas importantes al hacer pasar una de sus propias esculturas como una pieza de la antigua Grecia. Cuando tenía sólo 19 años, esculpió el hoy desparecido Cupido Durmiente y luego trabajó junto con un miembro de la poderosa familia Medici para hacerla pasar por una antigüedad. El joven artista incluso enterró la escultura de mármol y la desenterró para que luciera vieja y desgastada. Si bien esto le permitió vender la escultura a un precio más alto, también atrajo la atención de un importante coleccionista. Durante el Renacimiento italiano, la copia de obras de arte clásicas no era vista como algo malo, sino más bien como una demostración de talento. Así que cuando el Cardenal Raffaele Riario, quien había comprado la obra, descubrió la falsificación, no se molestó. En cambio, invitó a Miguel Ángel a viajar a Roma y trabajar para él. Fue una invitación que catapultó la carrera de Miguel Ángel.”[15]
Como podemos re-pensar en general, los lenguajes del apropiacionismo son bastante amplios y hasta convergentes o divergentes algunos, al parecer. No todo lo que, supuestamente, se muestra como apropiacionismo lo es, ni toda esa forma de arte es fenomenal o creativa, menos aún grandiosa solo por ser presentarse como apropiacionismo. No todos “adoran” al artista Andy Warhol ni piensan que es un “genio o iluminado fundamental” en todo lo que hizo. Por otro lado, al artista multimillonario Jeff Koons y al Centro Pompidou se les condenó a pagar diversas multas tras ser acusados de plagio. Los acusantes demandaron que la escultura de Koons “Naked”, estaba basada en una fotografía de Jean-Francois Bauret. Tanto el artista como su institución cultural, pagaron 20 mil euros por los daños causados y por lo que se consideró el robo de la idea. Es posible que no sean muchos los países donde se demande o presenten acusaciones de plagio por el uso o re-utilización de imágenes ya existentes o de otros autores. Los casos de real plagio, no des-legitiman las apropiaciones de alta calidad que se hayan hecho de forma creativa a lo largo de los años. Y aunque existan muchas apropiaciones aparentemente en el “campo del arte”, no significa que no se hayan realizado obras apropiacionistas de terrible calidad o de muy poco valor realmente artístico, y “nada potentes” o con fines más comerciales o de especulación.
Hoy en día, quedan demasiados retos en la creacción e investigación contemporánea, en la cultura dinámica de transformaciones necesarias que habrá que batallar, en la educación de creactivacciones del futuro, o entre tanto que está por hacerse. El apropiacionismo no es ni el único, ni el más importante de entre los proyectos de arte que pudieran seguir aportando a las imaginerías, imaginarios e imaginaciones de reconstrucción.
“PamPam” / ER / 2020
Se hace vital además, trabajar en la senda del arte público o mejor aún, el “arte con el público”, interactivo, relacional, participativo y contextual. Igualmente laborar desde procesos de experimentación multi-sensorial con el “arte ecológico”, el povera, los pigmentos naturales (vegetales y minerales), el reciclaje y otras alternativas sostenibles, todo ello ayuda a fortalecer una acción cultural más que renovada. Evitar los “esteticismos”, “academicismos”, “elitismos”y diversas formas de retroceso en la expresión y producción artística, resulta ser un reto; así como salir del “espectacularismo” en el arte y las competiciones para el “show solo eventual” de búsqueda de vedettes de arte, que a veces mueren en el mismo evento; y no generan continuidad, seguimiento y densidad en tiempo y espacio.
Los lenguajes estéticos y extra-estéticos se podrían abrir aún más, y fluir hacia la transversalidad, la hibridación, el apropiarse, el re-interpretar y re-plantear discursos que reflejan realidades en transformación en contextos dinámicos, de allí que se hace vital seguir extendiendo vertientes y senderos de imaginería más allá de las propias visualidades contemporáneas y lo estético,y ojalá hasta arropar la vida misma desde el entrecruzamiento holístico dinamizador.
“Bárbaro Polar Rivas“ / ER / 2019
“Cartas -01,67 al David” / ER / Poema objeto / 2019
Referencias:
[1] Disponible en, http://www.ricardodearmas.mibvc.com.ar/Intervencion,%20apropiacion,%20cita%20y%20resignificacion_%20ampliando%20el%20espectro%20creativo.pdf
[2] Disponible en https://valenciaplaza.com/parecidos-no-demasiado-razonables
[3] Consultado en 12-01-2020 y disponible enhttps://emilymorrispostmodernspain.wordpress.com/2017/01/31/la-apropiacion-artistica/
[4] Consultado en 18-03-2020 y disponible en https://www.laregion.es/articulo/la-revista/piero-manzoni-mierda-artista/20170223123404687505.html )
[5] Confiérase, (ver www.imagineriavisual.blogspot.com).
[6] Sobre estas temáticas pueden verse en academia.edu y saberula los siguientes textos: (https://www.academia.edu/30336147/Entrecruzamientos_arte_p%C3%BAblico_pol%C3%ADticas_culturales_ef%C3%ADmeras_y_la_ciudad_-que_no_es_casa-_PUBLICADO_EN_SABER_ULA_Universidad_de_Los_Andes_Venezuela_http_www.saber.ula.ve_bitstream_123456789_42649_3_enderrodriguez.pdfyhttp://www.saber.ula.ve/handle/123456789/46583)
[7] Consultado en 19-03-2020 y disponible en https://www.avelinalesper.com/2009/06/la-apropiacion-es-robo.html
[8] Consultado en 19-03-2020 y disponible en https://elsemanario.com/opinion/el-gran-embaucador/
[9] Consultado en 20-03-2020 y disponible en: https://www.bordes.com.ve/maria-luz-cardenas-desmembrando-a-garrido/
[10] Consultado en 12-03-2020 y disponible en https://acmepower.wordpress.com/2013/11/11/polisaturacion-muestra-individual-de-la-artista-violette-bule/
[11] Consultada en 11-02-2020 y disponible en: https://letramuertaed.com/de-un-hospital-dentro-del-museo-por-javier-tellez/
[12] Consultado el 22-03-2020 y disponible en https://original-vs-copy.interartive.org/2015/07/apropiacionismo
[13] Consultado en 22-03-2020 y disponible en https://poliformat.upv.es/access/content/group/OCW_13123_2013/3.%20APROPIACIONISMO.pdf
[14] Consultado el 24-03-2020 y disponible en: https://esferapublica.org/nfblog/globalized-magical-realism/
[15] Consultado en 02-04-2020 y disponible en https://mymodernmet.com/es/miguel-angel-vida/.
https://culturacolectiva.com/arte/richard-pettibone-el-arte-de-la-apropiacion
https://culturacolectiva.com/arte/zona-maco-2020-destruyen-obra-gabriel-rico-culpan-a-avelina-lesper
https://www.culturagenial.com/es/obras-andy-warhol/
https://elgeniomaligno.eu/el-plagio-desde-las-artes-y-la-cultura-de-la-copia/
https://medium.com/@jonathanfariascarrillo/apropiaci%C3%B3n-o-plagio-8dfd8b70d5b5
https://original-vs-copy.interartive.org/2015/07/apropiacionismo
https://poliformat.upv.es/access/content/group/OCW_13123_2013/3.%20APROPIACIONISMO.pdf
[1] Disponible en, http://www.ricardodearmas.mibvc.com.ar/Intervencion,%20apropiacion,%20cita%20y%20resignificacion_%20ampliando%20el%20espectro%20creativo.pdf
[2] Disponible en https://valenciaplaza.com/parecidos-no-demasiado-razonables
[3] Consultado en 12-01-2020 y disponible enhttps://emilymorrispostmodernspain.wordpress.com/2017/01/31/la-apropiacion-artistica/
[4] Consultado en 18-03-2020 y disponible en https://www.laregion.es/articulo/la-revista/piero-manzoni-mierda-artista/20170223123404687505.html )
[5] Confiérase, (ver www.imagineriavisual.blogspot.com).
[6] Sobre estas temáticas pueden verse en academia.edu y saberula los siguientes textos: (https://www.academia.edu/30336147/Entrecruzamientos_arte_p%C3%BAblico_pol%C3%ADticas_culturales_ef%C3%ADmeras_y_la_ciudad_-que_no_es_casa-_PUBLICADO_EN_SABER_ULA_Universidad_de_Los_Andes_Venezuela_http_www.saber.ula.ve_bitstream_123456789_42649_3_enderrodriguez.pdfyhttp://www.saber.ula.ve/handle/123456789/46583)
[7] Consultado en 19-03-2020 y disponible en https://www.avelinalesper.com/2009/06/la-apropiacion-es-robo.html
[8] Consultado en 19-03-2020 y disponible en https://elsemanario.com/opinion/el-gran-embaucador/
[9] Consultado en 20-03-2020 y disponible en: https://www.bordes.com.ve/maria-luz-cardenas-desmembrando-a-garrido/
[10] Consultado en 12-03-2020 y disponible en https://acmepower.wordpress.com/2013/11/11/polisaturacion-muestra-individual-de-la-artista-violette-bule/
[11] Consultada en 11-02-2020 y disponible en: https://letramuertaed.com/de-un-hospital-dentro-del-museo-por-javier-tellez/
[12] Consultado el 22-03-2020 y disponible en https://original-vs-copy.interartive.org/2015/07/apropiacionismo
[13] Consultado en 22-03-2020 y disponible en https://poliformat.upv.es/access/content/group/OCW_13123_2013/3.%20APROPIACIONISMO.pdf
[14] Consultado el 24-03-2020 y disponible en: https://esferapublica.org/nfblog/globalized-magical-realism/
[15] Consultado en 02-04-2020 y disponible en https://mymodernmet.com/es/miguel-angel-vida/.