1.Imagen tomada de internet e intervenida digitalmente por Ender Rodríguez. 2024.
El tema Cattelan y el banano es sinceramente complejo e interesante en la actualidad, entre otras razones, porque roza y se entrecruza con situaciones conflictivas dentro del campo del arte que merecen ser analizada críticamente. Cattelan tiene trayectoria como artista, eso es claro. Ahora bien, hay un conjunto de piezas como la “poceta de oro”, o “la del banano” titulada “El comediante” y demás, que se vienen circunscribiendo más a una dinámica de “empresariato de la neo-suntuosidad conceptual” para millonarios y multimillonarios. Tocaría dejar entrever nuevas conflictividades entre el “campo del arte” (Pierre Bordieu) y el “campo del mero mercantilismo” enchufado a la élite financiera actual, donde las estrellas como Jeff Koons, Damien Hirst y otros de la escena, irradian “su prisma”.
2.Imagen superior: tomada de internet e intervenida por ER.
3.Imagen inferior: tomada de internet bajo autoría de Lisetta Palomba.
La obra “El comediante” es sumamente llamativa como “pieza de ironía” y además como activador de “performancia show” en muestras y subastas. Es decir, “el banano” en lo personal, a mí me agrada, y sí considero como un artista sólido a Cattelan (cual “comediante” junto al gran Daniel Druede –del cual hablaremos luego-); el asunto aquí planteado es analizar todo el sensacionalismo estructural alrededor de ese tipo de “piezas” que se convierten lentamente en obras “de mofa -engañosa-” para lograr que Cattelan de comediante-artista pase a ser una fusión orgánica y engranada a ese “mercado de élites” donde él mismo “LEGITIMA AÚN MÁS AL MERCADO Y SE ENRIQUECE CON SU MOFA”. Es decir, que pica y se extiende como “pólvora social” el “caso a revisión crítica”. Creo que como nunca se está demostrando-visualizando el sendero del EMPRESARIATO DE LA NEO-SUNTUOSIDAD CONCEPTUAL, el cual es la “ruta de la mofada con el poder” o sea “ahí está la trampa”. Es “ese grupúsculo” de “hacedores de piezas” integrado por Damien Hirst, Jeff Koons y Cattelan (por ejemplo) además de otros, lo que representa, exactamente, a los “Capitalismos Artísticos” de la gran especulación actual, parafraseando al pensador francés Gilles Lipovetsky. Es más, hoy día se habla también de posible presencia de lavado de dinero y juegos sucios en algunas contiendas como subastas y negocios en curso, igual pasa con el mundo NFT.
4.”EXIT – EXILIAME con Comediante sin Cattelan ó Cattelan te cambio el cambur por la colombo-pistola” – Apropiación de Ender Rodríguez. Bucaramanga – Colombia 2023 (medidas variables).
Mi análisis es estructural y holístico y va más allá “del banano” (subastado en 6,2 millones de dólares). Intento descubrir lo sistémico, los engaños de ciertas subastas, etc. O como se viera aquel acto real donde el otro artista conceptual, es decir Damien Hirst, hizo parte o estuvo involucrado en la “compra de su propia obra” del cráneo de diamantes, según Andrés A. González Medina en el texto “La especulación en el arte” (véase: “Dialnet-LaEspeculacionEnElArte-5852688.pdf”).
¿Es una farsa el propio sistema en algunos de sus extremos o desde adentro? ¿Nos vieron de repente la cara de idiotas cual “espectadores del arte de lo suntuoso” ¿El artista es entonces el mismo mercader? ¿O sea burlarse del poder, pero ser el poder mismo? Me mofo del “mercado del arte” pero no genero nada transformador para intentar combatirlo o por lo menos, usar porcentajes del dinero para catapultar proyectos de apoyo a artistas emergentes que sí se burlan del “mercado del arte” sin usufructuarse realmente ¿Artistas de Latinoamérica, Asia o África por ejemplo? O sea, pluralicemos la mofa, digo yo ingenuamente, como quien no ha sido invitado a la fiesta y se atreve a soñar boicotear la “parranda show”.
5.Imagen tomada de internet
En 2018, el museo Guggenheim de Nueva York rechazó una solicitud de Donald Trump para llevarse prestado a la Casa Blanca una pintura de Van Gogh de 1888, la cual se exhibía en ese momento, pero a cambio el museo le ofreció el inodoro de oro macizo de 18 quilates de Cattelan, y en el que muchas personas pudieron orinar, defecar o divertirse. Esa parte sí me agrada mucho, y obviamente es divertido por unos segundos “sentirse rico” mientras defecas. El asunto complejo va de trasfondo. Fijémonos bien, por ejemplo, en el robo de la poceta o “inodoro de oro” de Cattelan intitulado “América”; pues allí podría haber “gato encerrado” o “trampa”. Se dice esto porque hubo condiciones “muy sospechosas” por la falta de cuidado al tener el inodoro expuesto en ese patrimonial lugar sin la protección requerida, ni seguro privado ni nada dentro del propio Palacio de Blenheim, en Woodstock, Oxfordshire, Inglaterra, en 2019 ¿Se tratará quizás del sensacionalismo del caso misterioso para hacer que tal obra se dispare exorbitantemente luego de ser recuperada? De nuevo la supra-especulación y lo sensacionalista es lo que cada vez más, se muestra y se deja servido en “bandeja de plata o de oro” para la reflexión crítica.
Vuelvo y repito a mí la obra del banano me encanta, y cuando él la vende no vende el banano, vende es el certificado firmado por el legítimo ideador o conceptualizador Maurizio Cattelan y las instrucciones van allí. Lo que no me encanta es el “show financiero de fondo”. De hecho, Piero Manzoni al parecer no se volvió rico con la “Mierda de Artista” realizada hace más de 60 años. Según decía Manzoni: “Estos imbéciles burgueses italianos solo quieren mierda”. Nos dejaba dicho Manzoni también que: “Todo lo que sale de un artista es arte”. Y entonces, unas de sus obras las denominó “Aliento de Artista” (o “Artist´s Breath” en inglés) a través de la cual, el creador en 1961 inflaba globos y luego, los adhería a una tabla de madera. Por cada litro de aire éste cobraba 200 liras, pero luego al evaporarse lentamente su aliento; ya la obra se quedaba sin valor. Decía Manzoni: “Cuando inflo un globo, insuflo el alma en un objeto que se vuelve eterno“. Algunos de estos “hacedores de piezas” de estos últimos quince años en la escena mega-elitesca, no se le acercan realmente a la ética e integridad de los artistas: Duchamp, Manzoni, Klein o Joseph Beuys.
6.Sobre el show presentado de mediana “auto-destrucción” con la obra en subasta de Banksy en Sotheby’s. Tomado de internet.
Siguen sucediendo asuntos espectaculares como los de Damien Hirst según William Wilkinson: “Cuando exhibiendo animales muertos, sobre todo un tiburón tigre flotando inerte en un tanque lleno de formol, anunció su propósito de quemar, a partir del 9 de septiembre y por entregas diarias, miles de sus cuadros. Lo hará en su propia galería londinense. Ha bautizado el proyecto The Currency (moneda). Hirst, el artista más rico del Reino Unido, no sólo puede permitírselo, sino que seguro que saca tajada de tan singular al tiempo que banal iniciativa” Tomado de https://www.lavanguardia.com/cultura/20220821/8472548/arte-conceptual-consume-llamas-especulacion.html ). Sucede todo esto y más, justo cuando el planeta se vuelve añicos en cuanto a la gravísima “emergencia climática mundial”, y mientras también ocurren genocidios como el de Gaza, y estallan pleitos que llaman a nuevas guerras entre potencias por la competencia de obtener más poder, además de la terrible desigualdad global actual sumado al mega-escandalazo de las “fiestas blancas” de Sean Diddy con famosos y políticos implicados. El show de las piezas “artísticas” o de estas “estéticas de la nueva suntuosidad conceptual” deben continuar, es decir la comedia no puede limitarse, la idea es que no nos percatemos de lo que sucede alrededor. Obvio, estas especulaciones exorbitantes no fueron siempre así, en 2009 era impensable este estadillo de dinero en serie. Y sobre supra-especulación tenemos también lo que ocurre en el denominado “Cryptoarte” o NFT. Pongo un ejemplo, en 2021 la obra-video NFT irónica según Carlos Cueto “…Sobre Trump realizada por Beeple, Mike Winkelmann, el inversor estadounidense Pablo Rodríguez-Fraile la compró en unos meses por US$60.000 y lo vendió por US$6,6 millones. En realidad, lo que ha mercadeado es el certificado de autenticidad del video, una pieza de arte digital del cotizado artista Beeple. Un día después de conversar con el inversor, otra pieza de Beeple es vendida por cifra récord. Pero en esta ocasión se ha rematado en la famosa casa de subastas Christie’s por US$69 millones…” Tomado de https://www.bbc.com/mundo/noticias-56411902 .
7.Obra NFT (fotograma de Video) de Beeple, Mike Winkelmann dedicado a Trump.
Yo no he encontrado en documentos de historia del arte todavía que, señalando imaginariamente a Picasso, nos demostraría que el artista en 1950 haya puesto precio a una obra suya en 10.000 dólares ejemplo, y al otro día o dos días después, ofrecerla de nuevo a otro comprador y venderla por 22.000.000 de dólares. No lo hemos descubierto. Si analizamos mejor la historia del arte, veremos que muchos de los movimientos del arte nacieron en contraposición de las hegemonías del gran capital y las guerras, contra ciertos mecenas, o contra el arte ortodoxo tradicionalista o el aceptado por muchos; otro ejemplo es el Land Art alejado de los circuitos y escenas mercantiles urbanas del arte. El Dadaismo es el más claro ejemplo, hace más de 100 años en cuanto a transgresión y contracultura. Muchas formas de arte eran manifestaciones estéticas, y humanamente holísticas, ante situaciones extremas socio-políticas y esto lo veremos en el expresionismo sobre todo además de “los Dadás”. Por supuesto, no se trata de elogiar romántica y simbólicamente a un “arte puro y virginal” alejado del “cochino (fucking) dinero” porque es un des-propósito histórico igualmente. El “mercado como complejidad” no solo en el arte, es un hecho absolutamente normalizado, tanto global, así como histórico; con la excepción milenaria encontrada en formas de intercambio solidario y ancestral tipo “trueque”, “mano vuelta”, “Cayapa” y otros, donde se intercambiaba trabajo en equipo por trabajo devuelto igualmente en equipo o comunitariamente por acuerdo convivencial. El asunto planteado acá son los extremos enfrentados. La consigna no es llegar a la consigna “ortodoxa” o ciega de: “Soy inexorablemente terraplanista, o ultraliberal hasta el infinito, o Marx-artista a muerte”, etc. No, el asunto de este ensayo es generar reflexiones críticas, cuestionamientos posibles e imposibles, pensamientos movibles – no estancados y “proposicionismos” o “alternatividades reales e imaginarias diferentes” para una parte del mundo del arte, no tanto para ese otro mundo “mediático y de burbuja” o “elitesco” (de empresariato más financiero, que conceptual -ejemplo Jeff Koons con sus 150 empleados apróx.-).
A la hora de la verdad, hoy día nos encontramos ante Gaia o nuestro “Hábitat quizá temporal” envuelto en un caos de turbulencia, al parecer sin límites, como desastre ambiental; el cual es tan dramático que se puede evidenciar en aquella célebre y cruel frase dicha por la científica ambiental Donela Meadows: “Pasaremos a la historia como la primera sociedad que no se salvó a sí misma porque no era rentable“. Fue Meadows quien estudió la complejidad de los sistemas dinámicos, y a su vez, es coautora del informe “Los límites del crecimiento” hace más de 50 años (1972). La denuncia por como acabamos con “nuestra casita de vida”, no es nada nueva. Invito a revisar al gran cientítico ambientalista y pensador James Lovelock y su teoría Gaia planteada desde los años 60. Lovelock llegó a plantear desde los años 60, que el planeta se comporta como un organismo vivo en completitud, el cual se auto-regula, se re-acomoda y trata de defenderse y actuar ante la invasiva y lamentable mega-destrucción humana (autodestrucción). Zaratrusta a través de Friedrich Nietzsche, nos dejó asentado transparentemente que: “Los monos son demasiado buenos para que el hombre pueda descender de ellos”.
8.“Mujer picassiana angustiada por Banano de Cattelan en el Art Basel”. Técnica de pasta de tabaco. Ender Rodríguez, 2020
“El divertido banano” de Cattelan, fue adquirido por 6,2 millones de dólares, y ya fue devorado por Justin Sun, el crypto-inversor o empresario chino de 35 años, a quien le pareció esta obra un aporte cultural importante y válido. Según la prensa, Justin Sun, ha sido acusado por la Comisión de Bolsa y Valores estadounidense de ofrecer y vender valores no registrados en relación con su proyecto de cripto-monedas Tron. El caso está en curso. Ahora sobre este divertido crypto-empresario comprador, notamos que de repente inventará nuevos espectáculos para incluir de alguna forma al vendedor real de la banana para la obra primaria de Cattelan, la cual costó realmente 25 centavos de dólar. Y fue comprada a un vendedor callejero e inmigrante de Bangladesh de 74 años llamado Shah Alam. Ya verán que se viene más “show de arte-farándula”.
Ya en otros ensayos publicados en Liberatorio planteé reflexiones sobre desigualdades, frivolidades y devoraciones del propio Sistema del Arte. Somos parte de un mundo que ama y súper adora a Van Gogh, lo pone de moda, y mira a través de Van Gogh todo, “inmersivamente” o en objetos personalizados. Las obras de este maestro valen millones de euros, pero el maestro vivió años en una especie de pobreza, inestabilidades y su seguridad social era casi la inanición. Hoy día, quizá existan, se los puedo asegurar, miles o millones de artistas emergentes, instintivos, populares y de otra área, que vendrían a ser los “nuevos Van Gogh” del “mundo del arte” (mega-marginados), mientras alguien come “los bananos” de Cattelan y el chino Justin Sun inventa nuevas “Jugarretas-art”. Pero para los “nuevos Van Gogh”, los “del margen”, no hay ni poquito del dinero inflado como cotufas financieras de Christie’s o Sotheby’s. Para esos “Van Gogh” del hoy no creo que haya miles ni millones de “becas solidarias”, escuelas de arte, casas refugio, centros técnicos y universidades de arte multiplicadas por los países junto a un acompañamiento socio-pedagógico para no abandonarlos a su suerte, y a la suerte de los neoliberalismos o “socialismos” devoradores actuales.
Sobre el vital tema de derechos humanos hacia los propios artistas, retomando dos fragmentos de la UNESCO a los países parte para apoyar en general el arte y la cultura que van como anillo al dedo en esto análisis, revisemos:
“…3. Tratar de tomar las medidas pertinentes para que los artistas gocen de los derechos conferidos a un grupo comparable de la población activa por la legislación nacional e internacional en materia de empleo, de condiciones de vida y de trabajo, y velar por que, en lo que a ingresos y seguridad social se refiere, el artista llamado independiente goce, dentro de límites razonables, de protección en materia de ingresos y de seguridad social…c) dado que una obra de arte no debe considerarse como bien de consumo ni como inversión, se invita a los Estados Miembros a estudiar la posibilidad de suprimir los impuestos indirectos sobre el precio de una obra de arte o de una representación artística a nivel de su creación, su difusión o su primera venta, en beneficio de los artistas o del desarrollo de las artes” (tomado de https://www.unesco.org/es/legal-affairs/recommendation-concerning-status-artist).
Obviamente hablamos de corresponsabilidades entre sociedad civil, gobiernos, empresas privadas, transnacionales e individualidades, etc. Si bien, a los creadores no hay que verlos como “seres víctimas o des-validos”, también es verdad que la desigualdad mundial se lava el trasero con el tema derechos culturales y artísticos colectivos y sobretodo, en cuanto a países “no industrializados”. El denominado -incorrectamente- “primer mundo”, tiene una deuda histórica también con los países que vivieron las más atroces colonizaciones.
9.Subasta Récord mundial por venta de Picasso en Christie´s”, 2015. Imagen tomada de internet.
Uno se pregunta: ¿existirán equilibrios mundiales en los panoramas geográficos lejanos y los más cercanos con respecto a las formas del arte? Por ejemplo: ¿Se le da importancia similar tanto al arte conceptual europeo o norteamericano porcentualmente en esos países, al igual que al paisajismo costumbrista, el “arte naif” o popular auto-didacta, al “artivismo”, a las prácticas pedagógicas e investigación en torno al arte, a la pintura académica o escultura, al igual que al videoarte, cine o al performance contemporáneo?
Por otra parte, hay que declararlo fuerte y claro, en este ensayo no nos aliamos para nada con la visión de “manierismo amarillista” o exagerado, además de hiper-subjetivo, a través del cual todo arte conceptual “no es arte”, porque ya lo han declarado el pintor-maestro y youtuber español Antonio García Villarán o la crítica de arte mexicana Avelina Lésper. La catalogación de “Hamparte” para referirse a lo que Villarán considera “Arte del Hampa” o “falso arte”, todo ello desde un juicio de valor bastante inexacto y sumamente arbitrario. Igualmente, Lésper nos habla del Fraude del Arte Contemporáneo, enjuiciando a priori toda expresión contemporánea de: Video, Instalación y Performance, o sea lo que ella denomina el “arte VIP”; para lo cual ella asume y juzga esta creación como un No Arte y a su vez acusa “a sus hacedores” como personas escasas de inteligencia. Si bien hay banalidad, farsas, “trampeamientos” en el Sistema del Arte y a veces, “facilismo becado” o institucionalizado en cierto “arte conceptual” o individualidades; no se puede “borrar de plumazo” todo el arte conceptual, tal cual las “visiones fachas” o “pro-nazis” de la aquella época en la que Hitler denominó a las vanguardias “arte degenerado” hacia 1934. De este modo, retrógrado y anti-histórico podríamos llevar el “concepto Lésper” a nuestro país Venezuela, punto seguido actuar en consecuencia eliminando del mapa histórico-artístico al propio Armando Reverón, por ser el pionero del arte contemporáneo y conceptual “tropical” y sobretodo, por ser el creador de su propio “performance ritual pictórico” sin contar sus instalaciones y objetos simbólicos diversos. Inclusive Reverón, inmiscuyéndose en los videos o micros que hacían de su persona los documentalistas audiovisuales de la época, con la intervención de Reverón -como imposición algo obsesiva-, resulta que terminaba convirtiéndose también en video-artista de algún modo, y sin darse cuenta él mismo (logrando generar video-performance en vivo y directo hace 80 años atrás). Para el crítico Willy Aranguren, Reverón fue el “primer artista postmoderno” de nuestro país. Entonces, si seguimos la línea de Lésper habría que execrar también al gran maestro Alexander Calder y Jesús Soto, ambos con sus impresionantes piezas e instalaciones estéticas tanto en la UCV de la capital del país, así como en otros lugares emblemáticos. Habría que “borronear” a la gran Antonieta Sosa, Claudio Perna o Juan Loyola, y a todos los video-artistas y conceptualistas incluyéndome (VIP). Imaginen no más, tal extremismo ciego al estilo de cualquier dogma religioso.
10.La “Nona Ora”, Técnica: Cera, ropa, pelo, piedra volcánica, vidrio, alfombra roja. Año: 1999. Dúo Cattelan-Druede.
La obra “Nona Ora”, es una de las más espectaculares obras del dúo: Cattelan-Druede ¿Cómo es eso? Así como lo ven escrito acá: DUO, “se trata de dos creadores” ¡Ojo! Pendiente nos queda la revisión más exhaustiva también, de los casos de demanda por autoría y posible co-creación que se dan en torno a cierto arte conceptual como por ejemplo (además de otros casos) Cattelan y Daniel Druede -el gran escultor que realizaba realmente las obras escultóricas ideadas por Catellan-. Gracias a esta demanda en la prensa y en redes, conocimos al gran escultor tras Cattelan. Diferente es el caso del pintor Antonio de Felipe, denominado el “Andy Warhol” español, quien sí perdió la demanda contra su persona impuesta por la pintora japonesa Fumiko Negishi, que hacía y completaba sus “supuestas-ideadas obras”. Negishi logró demostrar ante La Sección Vigésimo Octava de la Audiencia Provincial de Madrid, que sí es co-autora de 221 “obras del pintor valenciano Antonio de Felipe”. De este modo, se creó un precedente muy revelador. A Antonio de Felipe le tocó “agachar la cabeza”, y estas 221 obras vendidas por él, como si fuese el único y supuesto autor esencial, fueron reseñadas como co-creación. Estas premisas son interesantes y polémicas, para que queden sembradas para el pensamiento crítico. Cattelan en cambio sí ganó su demanda ante su demandante el escultor Daniel Druede quien decía que las instrucciones o bocetos dados por Cattelan para él, eran tan vagos e inexactos que Druede como artista escultórico, terminaba desarrollando y resolviendo todos los vacíos de la idea inicial poco resuelta según sus palabras en el juicio. Quedan estas situaciones sembradas en el panorama para el pensamiento crítico fluido. El tiempo y la historia seguirá su curso. Antonio de Felipe sin embargo, intenta llevar el caso a un tribunal superior en España en contra de Negishi, porque su “ego” fue “latigado”. Y volviendo al tema Cattelan-Druede, Emmanuel Perrotin, galerista de Cattelan desde hace casi tres décadas, dijo al periódico Le Monde que “si Druet gana, todos los artistas serán denunciados y será el fin del arte conceptual en Francia”. Es decir, aquí se juegan muchos intereses y asuntos complejos tanto como estructurales (Ver https://www.infobae.com/cultura/2022/05/30/maurizio-cattelan-enfrenta-una-demanda-millonaria-por-parte-de-un-colaborador/).
11-12.Caso demanda Fumiku Negishi contra Antonio de Felipe. Imágenes tomadas de internet.
Ese “arte conceptual de súper-estrellas”, fashion, mega-espectáculo y fiesta de multimillonarios “no es todo el arte conceptual” o contemporáneo que existe ni el que se hace en el planeta, solo porque ocupe las redes, los medios mayoritarios y cada explosión de los “mass media” del streaming por ejemplo.
La llamada de atención sobre desequilibrios entre arte, pobreza y supra-especulación se basa en cifras reales visibilizadas por ONGs y grupos de índole humanitaria y sociológica. Según Oxfam-Intermón en relación a la población mundial y el manejo de recursos: “El 1 % más rico ha acaparado casi dos terceras partes de la nueva riqueza (valorada en 42 billones de dólares), generada a nivel global entre diciembre de 2019 y diciembre de 2021…Por cada dólar de nueva riqueza global que recibe una persona del 90 % más pobre de la humanidad, un milmillonario se embolsa 1,7 millones de dólares. La fortuna de los milmillonarios crece a un ritmo de 2700 millones de dólares diarios…” (ver https://www.oxfamintermon.org/es/nota-de-prensa/el-1-mas-rico-acumula-63-riqueza-mundial#).
Vayamos hacia Latinoamérica y el cono sur, alejémonos por momentos de Europa y EEUU. También se asumen los “Shows desde el arte del sarcasmo”, la ironía y a veces, lo combativo. aunque según veremos NO ES TANTO PARA MULTI-MILLONARIOS.
Según Juliana Silva en el documento sobre Conceptualismo de América Latina, planteó lo siguiente: “…Latinoamérica tiene lugar un proceso, en el que también se privilegia el lenguaje estricto de las ideas, pero en el marco de una búsqueda de socializar la experiencia del arte, de forzar hasta la ruptura sus marcos institucionales y de ponerla en el centro de las urgencias políticas. Se indaga en la obra del movimiento Tucumán Arde, un colectivo de artistas de vanguardia que en 1968 lanzan sus consignas y llevan a cabo diversas experiencias con la idea de romper con el aislamiento del arte en la sociedad burguesa para devolverlo a la vida de los hombres. De esta manera se gesta Tucumán Arde. Allí se exponen fotografías, datos, afiches y películas generadas por los artistas en Tucumán sobre la precaria situación que se vivía en la provincia partir del cierre de varios ingenios azucareros” (Tomado de: https://prezi.com/h2fnaubn7axs/arte-conceptualista-latinoamericano/),
En nuestros países ha habido todo un conglomerado de turbulencias no solo las sociopolíticas en relación a las artes del contexto y la resistencia y demás; sino también a conceptualismos desde discursividades ricas y variadas, las de tipo espiritualista u ontológica, neo-étnicas, abstraccionistas y líricas, o de otra índole igualmente. Nuestra riqueza es impresionante. Fijémonos que, por ejemplo, en pleno año 1991 (hace más de 30 años), hubo dos piezas conceptuales de gran potencia narrativa y de cuestionamientos, una de arte venezolano, simbólica e instalativa también, avanzada para su momento y que, además eran obras operativamente funcionales, gracias a la conexión dependiente de un equipo tecnológico para volverse “cuerpos orgánicos” metaforizándose “con lo vivo”.
13-14. Arriba, “Self” del gran Marc Queen (elaborada con sangre congelada del artista y sujeta a un aparato electrónico y la pieza “Sagrado Corazón Activo” del gran Jesús Hernández Diez. Y ambas piezas son de 1991.
Nuestro arte contemporáneo y a veces más experimental, hunde sus tentáculos maravillosos desde adentro también en lo social. Del modo más inimaginable, miles de creadores sin mayores recursos desarrollan sus expresiones catárticas como recurso interno-externo vital. El arte cada vez más, se debe dejar “contaminar del Todo”, de los problemas del alrededor, de la ciencia, la ecología activada, los “memes”, la auto-critica, las pedagogías y “saberes no domesticados” ni académicos de pensamiento único, etc. Y si hablamos de Latinoamérica, hablamos de muchas realidades entremezcladas y eclécticas a juro, no por moda “random”, sino por explosión real. Hablamos de arte con víctimas de asesinatos diversos y refugiadas migrantes -a la mala-, hablamos de feminicidios, de trans-fobia y muerte de líderes e individualidades de los grupos identificados LGBTIQ+, en fin, hablamos de “contextualismos actuales” muy complejos.
Obra “Con la Salud Sí Se Juega”, procesos y textos colectivos de Juan Carlos Rodríguez, Víctor Cárdenas y Zurasaday Cordero realizados en la comunidad La Plazoleta, Caracas. 2006.
Existe cantidad de procesos sólidos de trabajo, algunos metafóricos o simbólicos, otros más de interactividad sumamente valiosos a su vez, por nombrar una vía, la de proyectos de arte social y relacional, colaborativo, o de acción social integrada a ONGs y entrecruces de artistas, pedagogos, comunidad y líderes, curadores o críticos, con tecnología, financiamientos o becas, apoyo psicológico, etc. Un ejemplo claro y consistente es el del artista y activista Juan Carlos Rodríguez y su implicancia, in-vivencia y su hacer desde el colectivo organizado, recordando el proyecto “Con la Salud sí se juega” desarrollado en la comunidad popular La Plazoleta de Caracas por años, en el año 2000. Es impresionante y única en el país por otro lado, la experiencia inter-dialógica e intercultural desarrollada hace 30 años, aproximadamente, y sin detenerse en un silencio o de modo desconocido para la opinión pública general o de redes, mediante la cual el artista Néstor Alí Quiñones (quien fue activista social en la amazonía por años junto al Jesuíta José María Korta en los noventa) se entremezcla y se “va mimetizando” con la cultura de los “tumberos” propia de las novenas religiosas (de la cordillera andina merideña) donde se reza a un familiar fallecido. La acción de Néstor consiste en compartir con las personas (muchas veces campesinas) y elaborar cuidadosamente los retratos del “fallecido” sea con arenas, especies y materiales a mano en el sitio –suelo- como obra artística de apoyo al ritual devocional, para luego ser destruido o desalojado al noveno día del rezo. Los retratos intalativos realizados con absoluto esmero y con la calidad de este reconocido artista, sin cobrar absolutamente nada, lo convierte en un hecho valiosamente inédito en Venezuela, y abre las posibilidades de su estudio y hasta para catapultar el debate hacia lo dialógico o para las revisiones nacionales entre arte, comunitarismo rural, cultura espiritual, arte conceptual y efímero, etc.
Sobre las maneras de abordar el arte que poseen muchos artistas sociológicamente hablando, el arte se da per se, además del creador o creadora, es también por efecto directo e indirecto de la otredad -narrativa visual y vivencial con las personas- (con el otro, no necesariamente “público” invisible, o seres pasivos o tal vez, ausentes). Gracias “al otro”, es que mucha obra y procesos existen y existirán potenciándose. Es decir, el ser creador solo o “artista omnipotente”, no existe del todo sin lo dialógico, sin el encuentro, el descubrimiento con la realidad, la ciencia y tecnología, el azar y el contexto de su sociedad en el roce y relacionamiento con los demás, sumado todo ello a las disciplinas, saberes y vivenciacciones en que todo se da, se enreda, se teje como una magia de multiversidad también. Quienes venimos del activismo social de base con comunidades en lo año 90, y que hemos trabajado catarsis expresiva y apoyo global desde ONGs a personas desplazadas -amenazadas de muerte y con sus familiares asesinados como auto-duelo-, es otra forma de formación-acción más allá del arte mismo. Todo debe reconectarse. Allí hablamos por tanto de sí involucrarse. La artista chilena Cecilia Vicuña, nos dice que la vida se va tejiendo en red ancestralmente, que hasta los hongos tejen el equilibrio del bosque junto a cada árbol, pero no lo vemos.
Las sociedades, el tiempo y el futuro analizará la calidad, pertinencia, potencia y demás características de las obras, las “historias de vida”, piezas o trabajos en experiencias procesuales, sean del todo arte (o ante cuestionamiento, lo cual es vital), quedará todo allí para la reflexión abierta, futura y plena. Hace falta mucho más espacio y apoyo a artistas con discapacidades, artistas en situación de calle o privados de libertad, jóvenes talentosos de poblaciones vulnerables, etc. Entre movimientos, fundaciones y otras iniciativas, he notado con gran satisfacción la canalización de proyectos latinoamericanos y de otras latitudes, a través del proyecto Vist proyect, y otras iniciativas como Entre-rios.net, Laescuela.art y demás.
“Menina” con el rostro de Bolívar, en la plaza dedicada al libertador de Venezuela. K. Y. Imagen tomada de internet.
En Venezuela existen muchas realidades socioculturales y de expresión artística, entrecruzada por los emprendimientos solidarios, los grupos de trabajo de alto nivel y profesional, así como también proyectos, arbitrariedades, autoritarismos, y demás situaciones que en otros ensayos ya he planteado (Ver: chrome-extension://efaidnbmnnnibpcajpcglclefindmkaj/https://lp5.cl/wp-content/uploads/2022/11/Escandalos.pdf ).
Ha causado revuelo y posiciones encontradas la instalación sin un concurso abierto público y transparente para artistas sino de forma arbitraria, la ejecución de las descontextualizadas como “Meninas edulcoradas de Caracas”, es decir, las 19 Meninas de la exhibición “Meninas Caracas Gallery” del ingeniero industrial venezolano Antonio Azzato presentadas por la Alcaldía de Chacao.
Para Humberto Valdivieso, curador de arte contemporáneo: “…las meninas de Azzato son elementos decorativos que, desde luego, tienen derecho a existir y generar alegría, pero no por eso son obras de arte: “Porque si les dices ‘arte’, comenzaría como un mal plagio de las meninas del maestro Manolo Valdés, y así la exhibición de Chacao podría ser descalificada. Además, en ella, uno no encuentra en su concepto ni en su búsqueda, ni en su elaboración, algo que uno pueda llamar ‘obra de arte”. El arte en la calle debe tener diálogo coherente y en armonía con la arquitectura, el sistema de circulación y el espacio que la rodea: “Una obra urbana tiene un estudio exhaustivo y extraordinario como arte que va al contacto con el ciudadano para pensar y hacer la ciudad”, dice Valdivieso. Es cierto que en un municipio donde la gente ha visto el horror de estudiantes asesinados en protestas, estas piezas aparecen como “algo extraordinario para las redes sociales”, dice Valdivieso. “Pero hay algo más: nuestra dicotomía política”, sostiene el curador de arte. “Si las hubiesen puesto en el municipio Libertador [gobernado por el oficialismo], les hubiesen caído encima. Y lo cierto es que lo que no es de buen gusto, lo que no está bien logrado o no es bueno, no lo es ni en Chacao ni en ninguna parte… A fin de cuentas, de acuerdo con Cheo y con Valdivieso, esta exhibición de muñecas no es muy diferente a los recientes murales repletos de colores o a los muñequitos de cómics en los bancos de plazas, o a la invasión de vallas publicitarias, pantallas LED gigantes y edificios que son cajas enormes de luces. ” Tomado de ( https://www.coolt.com/artes/triunfo-discutido-meninas-en-caracas_1499_102.html ).
En el mes de junio de este año 2024, la talentosa artista Loyd Constantine invitó públicamente a una especie de performance colectivo denominado “Ven y Tumba la Menina”, el cual se realizó catárticamente en el Auto-mercado antiguo “CADA” de Las Mercedes, Caracas, basado en destruir una piñata grande con la forma de Menina. En el marco o contexto del evento de “Ven y tumba la Menina” la Crítica de Arte Mariana Eugenia Silva desde su Instagram silvayartistas del 6 de Junio, hizo una reflexiva alusión crítica a esa especie de arbitrariedad de piezas decorativas por la ciudad y demás objetos o murales ofrecidos como Arte pero que no lo es, refiriéndose también al emprendimiento “Justine-Art”.
El término arte siempre será un término en construcción / de-construcción (¿Destrucción?). Históricamente ha habido todo tipo de incertidumbres y certezas en torno al arte. Ética y estética deberían sincronizarse en todo caso. Desde enfrentamientos, contradicciones, acuerdos y desacuerdos, e incluso enemistades tanto como escándalos, por ejemplo ante “piezas, prácticas u obras” que se asumen por muchos como no artísticas. No hay quién pueda imponer una visión absoluta sobre el asunto. Convencionalmente se usaba el término “Bellas Artes” desde cierta institucionalidad –conservadora-. Pero decir que existen “Bellas Artes” plantea, que igualmente existen las ¿Feas Artes?
El arte debería tratar sobre re-pensarlo todo, re-inventar, re-significar y lograr la transformación dinámica, pero de imbricaciones, de nodos que se van re-conectando, desde un micelio para luego abrirse cual capullo (“espiralado”). De eso se trata, de ser una sociedad de consistente, fluida, de pluricreacción y despertares críticos amasados en el ser-repensar-hacer. Queda mucho o mejor dicho, queda demasiado por hacer y luego, rehacer.
Ender Rodríguez.
Referencias:
https://www.bbc.com/mundo/noticias-56411902 .
chrome-extension://efaidnbmnnnibpcajpcglclefindmkaj/https://lp5.cl/wp-content/uploads/2022/11/Escandalos.pdf
“Dialnet-LaEspeculacionEnElArte-5852688.pdf”).
http://liberatorio.org/?p=10732
